! ОТВЕТЫ НА БИЛЕТЫ ПО МУЗ. ЛИТ ВЫПУСК


Ответы на билеты по музыке.
Билет № 1
Вопрос 1
Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются.
В эпоху барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, оратория «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.
(Жизненный и творческий путь И.С.Баха)
Вопрос 2
Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella. Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются так же произведения, в которых человеческий голос использован в качестве оркестровой краски («Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского).
Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются так же и другие жанры вокальной музыки:
Оперный
Ораториальный
Камерный
Оперетта
Джаз
1.Опера (c латинского — труд, изделие) вид синтетического искусства. Художественное произведение, содержание которого воплощают в сценических и музыкально-поэтических образах. Опера соединяет в едином театральном действии : вокальную (соло) ансамбль (хор), инструментальную музыку (симфонический оркестр), драматургию, изобразительное искусство (декорации, костюм) хореографию (балет). В опере воплощаются все формы вокальной музыки : (ария, ариозо, песня, монолог, речитатив, дуэт, трио, квартет, большие финалы с хором).
Опера свое время подразделяется на жанры
Историко-героическая;
Историко-романтическая;
Героико-поэтическая;
Народно-сказочная;
Лирическая;
Драматическая;
Комедийная;
Сатирическая.
2.Оратория- (c лат. говорю, молю.) Крупное музыкальное произведение для певцов (солистов) хора и симфонического оркестра. Писались обычно на драматический и библейский сюжеты.
3.Камерный жанр- (лат. Камера, комната.) Очень обширный пласт вокальной музыки, возникший в эпоху возрождения и барокко. В это время пишутся: мадригалы, кантаты, мессы. Пение требует виртуозности и шикарности . Пишутся произведения для солистов, небольшого хора и малого состава оркестра. Барочный стиль (причудливый)- свойственна пышность, эффекты, стремление к совмещению реальности с иллюзией. В пении рядом с кантиленой изощренные каденции. Мадригал -( лат.песня на родном языке). (куплеты, припевы) - коротенькое стихотворенье, хвалебное, льстивое, любовное, нежное, тонкое и острое. В 16 в становится вокальной поэмой (обычно 4 — 5 человек) В 17 в лирические стихотворения обращенные женщине. Кантата -произведение торжественного или лирико-эпического характера Отличается от оратории меньшим составом оркестра, менее развитым сюжетом. Содержание светское и духовно- церковное. Романсы - занимают очень большое место в камерном вокальном жанре. Романс-исп. (романсо, петь по-романски.) Стал интенсивно развиваться в 18 −19в появляются элегии, баллады, драматические монологи. Чуть позже появляются песни любовного, шуточного, сатирического и трагедийного содержания. Лучшими образцами классического романса являются композиторы: Шуман, Шуберт, Чайковский, Рахманинов, Римский-Корсаков, Даргомыжский.
4.Оперетта (с итал. - Маленькая опера) Музыкально-сценическое произведение комедийного характера, сочетающее в своей драматургии: музыку, танец, разговорный, диалог. В спектакле задействованы солисты, хор, оркестр в небольшом количестве балет. Оперетта как самостоятельный жанр сложилась во Франции в середине 19 в. Создателями были драматург Ф. Эрвэ, и композитор Ж. Оффенбах . Известность оперетте принесли композиторы : Штраус, Легар, Кальман, Дунаевский.
5. Джаз— форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей. Джаз возник как соединение нескольких музыкальных культур и национальных традиций. Первоначально он прибыл из африканских земель. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания . На этой основе в конце XIX века сложился ещё один музыкальный жанр рэгтайм. Впоследствии ритмы рэгтайма в сочетании с элементами блюза дали начало новому музыкальному направлению — джазу.
Билет № 2
Вопрос 1
Музыкой периода классицизма или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами.
Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.
Понятие «музыка классицизма» не следует путать с понятием «классическая музыка», имеющим более общее значение как музыки прошлого, выдержавшей испытание временем
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии.
В период классицизма появляется струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.
Классицизм (от латинского classicus - образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве 17 - начала 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Сложился в 17 в. во Франции. Стремился воплотить представления о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, возвышенные героические и нравственные идеалы.
Основоположником классицизма в музыкальном театре стал Жан Батист Люлли - создатель лирической трагедии. Вершинной стадией развития музыкального классицизма стало искусство венской классической школы. Музыкальный классицизм XVIII века называют "Венским классицизмом" и чаще всего связывают с именами трёх композиторов, живших и творивших в Вене - Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. К Венской Классической Школе примыкает и Кристоф Виллибальд Глюк, начавший в Вене свою оперную реформу.
Классицизм в музыке - это сочетание особой глубины и разнообразия содержания, ясности и простоты с исключительным совершенством и отточенностью форм. В основе эстетики классицизма лежало убеждение, что все в мире разумно, что на земле и в природе, и в жизни царит установленный свыше порядок; своеобразное равновесие истины и красоты - отсюда стремление к созданию идеального по форме произведения, где выверена каждая фраза, каждое предложение; с прозрачной фактурой и выразительной мелодией.
В России классицизм (возник в последней четверти 18 в.) представлен поэзией М. В. Ломоносова, Г. Р. Державина, сатирами А. Д. Кантемира, трагедиями А. П. Сумарокова и Я. Б. Княжнина; в русской музыкальной культуре (в сочетании с другими художественными направлениями) - сочинениями М. С. Березовского, Д. С. Бортнянского, Е. И. Фомина и др.Вопрос 2
Инструментальная музыка — музыка, исполняемая на инструментах, без участия человеческого голоса. Различают сольную, ансамблевую и оркестровую инструментальную музыку. Широко распространена в классической музыке, джазе, электронной музыке и т. д.
Возраст наиболее древних музыкальных инструментов (флейт), найденных в пещере Холе-Фельс на юго-западе Германии, составляет около 40 тыс. лет. Плутарх поминает флейтиста Исменияhttp://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%BD%D1%81%D1%82%D1%80%D1%83%D0%BC%D0%B5%D0%BD%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%B0%D1%8F_%D0%BC%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0 - cite_note-6, а за 500 лет до него Платон отмечал, что горожане предпочитали инструментальную музыку, исполняемую на струнных (лиры, кифары), а в сельских районах – на духовых инструментах (свирели).
В XIV веке инструментальное искусство продолжает развиваться.
Только в эпоху Петра Великого инструментальная музыка начинает возрождаться, но уже под сильным западным влиянием.
Билет № 3
Вопрос 1
Музыка периода романтизма — это профессиональный термин в музыковедении, описывающий период в истории Европейской музыки, который охватывает условно 1800—1910 годы.
Музыка этого периода развилась из форм, жанров и музыкальных идей, установившихся в ранние периоды, такие как классический период.
Произведения, относящиеся к Романтизму, воспринимаются слушателями (как в 19 в., так и сегодня) как более пылкие и эмоционально выразительные. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада.
Принято считать, что непосредственными предшественниками романтизма были Людвиг ван Бетховен — в австро-немецкой музыке и Луиджи Керубини — во французской; более отдалённым своим предшественником многие романтики (например, Шуберт, Вагнер, Берлиоз) считали К.В. Глюка.
Основными представителями романтизма в музыке являются:
в Австрии — Франц Шуберт и Ференц Лист, а также поздние романтики — Антон Брукнер и Густав Малер;
в Германии — Эрнест Теодор Гофман, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Людвиг Шпор;
в Италии — Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе Верди;
во Франции — Д. Ф. Обер, Гектор Берлиоз, Дж. Мейербер и представитель позднего романтизма Сезар Франк;
в Польше — Фредерик Шопен.
В России в русле романтизма работали Александр Алябьев, Михаил Глинка, Александр Даргомыжский, Милий Балакирев, Н. А. Римский-Корсаков, Мусоргский, Бородин, Цезарь Кюи, П. И. Чайковский.Вопрос 2
Лучано Паваротти,
Монсеррат Кабалье,
Дмитрий Хворастовский,
Любовь Казарновская,
Плассидо Доминго,
Анна Нетребко,
Елена Образцова,
Хосе Каррерас,
Федор Шаляпин,
Зураб Соткилава.
Билет № 4
Вопрос 1
«Могучая кучка» (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) — творческое содружество российских композиторов, сложившееся в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (1837—1910), Модест Петрович Мусоргский (1839—1881), Александр Порфирьевич Бородин (1833—1887), Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844—1908) и Цезарь Антонович Кюи (1835—1918). Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик, литератор и архивист Владимир Васильевич Стасов (1824-1906).
Название «Могучая кучка» впервые встречается в статье Стасова «Славянский концерт г. Балакирева. Название «Новая русская музыкальная школа» было выдвинуто самими участниками кружка, которые считали себя наследниками М.И.Глинки и свою цель видели в воплощении русской национальной идеи в музыке.
Группа «Могучая кучка» возникла на фоне революционного брожения, охватившего к тому времени умы русской интеллигенции. Бунты и восстания крестьян стали главными социальными событиями того времени, возвратившими деятелей искусства к народной теме. В реализации национально-эстетических принципов, провозглашённых идеологами содружества Стасовым и Балакиревым, наиболее последовательным был М.П.Мусоргский. Участники «Могучей кучки» систематически записывали и изучали образцы русского музыкального фольклора и русского церковного пения. Результаты своих изысканий они воплощали в сочинениях камерного и крупного жанра, особенно в операх, среди которых «Царская невеста», «Снегурочка», «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A5%D0%BE%D0%B2%D0%B0%D0%BD%D1%89%D0%B8%D0%BD%D0%B0_%28%D0%BE%D0%BF%D0%B5%D1%80%D0%B0%29" \o "Хованщина (опера)"Хованщина», «Борис Годунов», «Князь Игорь». В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.
В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.
Самым ярким представителем «Могучей кучки» был модест Мусоргский, оставивший чин офицера в Преображенском полку ради занятий музыкой.
Отец Мусоргского происходил из старинного дворянского рода Мусоргских. До 10-летнего возраста Модест и его старший брат Филарет получали домашнее образование. В 1849 году, переехав в Петербург, братья поступили в немецкое училище Петришуле. Через несколько лет, не закончив училище, Модест был отдан на обучение в Школу гвардейских подпрапорщиков, которую закончил в 1856 году. Затем Мусоргский недолго служил в лейб-гвардейском Преображенском полку, потом в главном инженерном управлении, в министерстве государственных имуществ и в государственном контроле.Модест Мусоргский — офицер Преображенского полка
К моменту вступления в музыкальный кружок Балакирева Мусоргский был великолепно образованным и эрудированным русским офицером (свободно читал и изъяснялся на французском и немецком языках, разбирал латынь и греческий) и стремился стать (как он сам выражался) «музыкусом». Балакирев заставил Мусоргского обратить серьёзное внимание на музыкальные занятия. Под его руководством Мусоргский читал оркестровые партитуры, анализировал гармонию, контрапункт и форму в сочинениях признанных русских и европейских композиторов, развивал в себе навык их критической оценки.
Игре на фортепиано Мусоргский учился у Антона Герке и стал хорошим пианистом. От природы обладая красивым камерным баритоном, он охотно пел на вечерах в частных музыкальных собраниях. В 1852 г. фирмой Бернард в Санкт-Петербурге издана фортепианная пьеса Мусоргского, первая публикация композитора. В 1858 г. Мусоргский написал два скерцо, из которых одно было инструментовано им для оркестра и в 1860 г. исполнено в концерте Русского музыкального общества, под управлением А. Г. Рубинштейна.
Работу над крупной формой Мусоргский начал с музыки к трагедии Софокла «Эдип», но не окончил её (один хор был исполнен в концерте К. Н. Лядова в 1861 г., а также издан в числе посмертных произведений композитора).
Следующие большие замыслы — оперы по роману Флобера «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D0%B0%D0%BB%D0%B0%D0%BC%D0%B1%D0%BE" \o "Саламбо"Сала́мбо» и на сюжет «Женитьбы» Гоголя — также не были реализованы до конца. Музыку из этих набросков Мусоргский использовал в своих позднейших сочинениях.
Следующий крупный замысел — оперу «Борис Годунов» по трагедии А. С. Пушкина — Мусоргский довёл до конца. Премьера на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге в 1874 г. состоялась на материале второй редакции оперы, в драматургию которой композитор был вынужден внести значительные измененения, поскольку репертуарный комитет театра забраковал первую редакцию за «несценичность. В Москве «Борис Годунов» был поставлен впервые на сцене Большого театра в 1888 г. В наше время возродился интерес к авторским редакциям «Бориса Годунова».
В 1872 г. Мусоргский задумал драматическую оперу «Хованщина», одновременно работая и над комической оперой на сюжет «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D0%BE%D1%80%D0%BE%D1%87%D0%B8%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%8F%D1%80%D0%BC%D0%B0%D1%80%D0%BA%D0%B0_%28%D0%BE%D0%BF%D0%B5%D1%80%D0%B0%29" \o "Сорочинская ярмарка (опера)"Сорочинской ярмарки» Гоголя.
Первое исполнение «Хованщины» состоялось в 1886 году в Санкт-Петербурге, в зале Кононова, силами любительского Музыкально-драматического кружка. В 1958 году Д. Д. Шостакович выполнил ещё одну редакцию «Хованщины». В настоящее время опера ставится преимущественно в этой редакции.
В 1870-е годы Мусоргский болезненно переживал постепенный развал «Могучей кучки
В музыкальном творчестве Мусоргского нашли очень оригинальное и яркое выражение русских национальных черт. Эта определяющая особенность его стиля проявила себя многообразно: в умении обращаться с народной песней, в мелодических, гармонических и ритмических особенностях музыки, наконец, в выборе сюжетов, главным образом, из русской жизни.
Последние годы его жизни не богаты событиями. Мусоргский больше не служил. Группа людей, сложившись, выплачивала ему нечто вроде небольшой пенсии. Композитор должен был получать ее вплоть до окончания опер. Он много выступал в этот период как пианист-аккомпаниатор. В 1879 году он отправился в концертное турне по Украине и Крыму. Это путешествие было последней встряской, последним светлым событием в жизни Мусоргского. Зимой 1881 года его настиг первый удар. За ним последовали другие. 28 марта 1881 года Мусоргского не стало. Ему едва исполнилось 42 года.
Вопрос 2
«Ла Скала» - всемирно известный оперный театр в Милане, Италия
Нью-Йоркская компания «Метрополитен-опера» была основана 28 апреля 1880. Театр принадлежит к ведущим операм мира
Венская государственная опера - крупнейший оперный театр и труппа - с историей, восходящей к середине 19-го века. Он расположен в центре Вены, Австрия.
Большой театр - исторический театр в Москве, построенный по проекту архитектора Иосифа Бове, в котором проходят спектакли оперы и балета.
Мариинский театр - исторический театр оперы и балета в Санкт-Петербурге, Россия. Открытый в 1860 году, он стал выдающимся музыкальным театром Росси в конце 19 века.
Дворец Гарнье, также известный как Опера де Пари или Опера Гарнье, но чаще всего, как Парижская опера - это здание 2200 местной оперы на площади Оперы в Париже, Франция, которое было основным помещением Парижской Оперы с 1875 до 1989 года.
Королевский оперный театр является основной оперной сценой и главной сценой для выступлений мастеров сценического искусства в лондонском районе Ковент-Гарден.
Берлинская государственная опера - один из старейших и наиболее крупных музыкальных театров в Германии. Ее постоянным домом является оперный театр на бульваре Унтер ден Линден в районе Берлина Мите.
Билет № 5
Вопрос 1
Музыкальный импрессионизм (от фр.  — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.
Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле. Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна.
Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный характер. Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма.
Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.
Значительно богаче стало гармоническое и тембровое окрашивание тем. Это развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока (именно под влиянием впечатлений от очередной Всемирной выставки 1889 года были написаны знаменитые «Гноссиены» Сати), негритянских спиричуэлс США и др. Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.
Вопрос 2
Понятие "певческий голос" связано со способностью человека петь. В отличие от речи, звуки певческого голоса имеют точную высоту, могут долго длиться. Они проявляются на гласных. Пользоваться певческим голосом человек начинает с детства по мере развития музыкального слуха и голосового аппарата.
Существует множество систем классификации певческих голосов. Некоторые из них учитывают силу голоса, то есть то, как громко певец может петь; другие — насколько подвижен, виртуозен, отчётлив голос певца; и др.
Чаще всего используется классификация, учитывающая диапазон голоса и пол певца. Даже руководствуясь только этими двумя критериями, получается множество разновидностей. Каждая группа голосов делится на более узкие подразделения.
Голоса классифицируются по тембру и высоте. Различают шесть основных типов голосов.
Мужские голоса
1.Тенор - высокий
2.Баритон - средний
3.Бас - низкий
Женские голоса
1.Сопрано - высокий2.Меццо-сопрано - средний
3.Контральто - низкийДетский певческий голос достигает своего полного объёма (полторы октавы), как правило, к 13 годам. Он отличается светлым, серебристым, напоминающим фальцет тембром. Детские голоса, в особенности голоса мальчиков, используются главным образом в детских хорах. После мутации голос мальчика понижается на октаву, одновременно меняются его сила, диапазон и тембр. При этом нередко пропадают лучшие певческие свойства голоса мальчика. Для сохранения выдающихся певческих голосов у мальчиков-певцов в Италии в 17-18 вв. применялась кастрация.
Существует также категория певцов-мужчин, поющих в диапазоне женского голоса. Этот тип голосов редок, но до сих пор используется, в основном, в опере. В современном вокальном исполнительстве эти роли может исполнять контратенор (певец, владеющий развитой техникой пения фальцетом).
Голос профессионального оперного певца — это две октавы полноценного однородного звучания.
Билет № 6
Вопрос 1
Михаи́л Ива́нович Гли́нка — русский композитор, основоположник национальной композиторской школы. Сочинения Глинки оказали сильное влияние на последующие поколения композиторов, в том числе на А. С. Даргомыжского, членов «Могучей кучки», П. И. Чайковского, развивавших в своей музыке его идеи.
Михаил Глинка родился 20 мая (1 июня ) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии, в имении своего отца, отставного капитана Ивана Николаевича Глинки. До шести лет воспитывался бабушкой (по отцу) Фёклой Александровной, которая полностью отстранила мать Михаила от воспитания сына. Михаил рос нервным, мнительным и болезненным ребёнком-недотрогой — «мимозой», по собственной характеристике Глинки. После смерти Фёклы Александровны, Михаил снова перешёл в полное распоряжение матери, приложившей все усилия, чтобы стереть следы прежнего воспитания. С десяти лет Михаил начал учиться игре на фортепиано и скрипке. Первой учительницей Глинки была приглашённая из Санкт-Петербурга гувернантка Варвара Фёдоровна Кламмер. В 1817 году родители привозят Михаила в Санкт-Петербург и помещают в Благородный пансион.), где его гувернёром был поэт, декабрист В. К. Кюхельбекер. В Петербурге Глинка берет уроки у крупнейших музыкантов, в том числе у ирландского пианиста и композитора Джона Филда.[1] В пансионе Глинка знакомится с А. С. Пушкиным, который приходил туда к своему младшему брату Льву, однокласснику Михаила. Их встречи возобновились летом 1828 года и продолжались вплоть до кончины поэта
По окончании пансиона в 1822 году Михаил Глинка усиленно занимается музыкой: изучает западноевропейскую музыкальную классику, участвует в домашнем музицировании в дворянских салонах, иногда руководит оркестром дяди. В это же время Глинка пробует себя в качестве композитора. В этот период им были написаны хорошо известные сегодня романсы и песни: «Не искушай меня без нужды» на слова Е. А. Баратынского, «Не пой, красавица, при мне» на слова А. С. Пушкина, «Ночь осенняя, ночь любезная» на слова А. Я. Римского-Корсакова и другие.
В 1836 году Михаил Глинка заканчивает работу над оперой «Жизнь за царя», однако ему с большим трудом удается добиться принятия её к постановке на сцене Петербургского Большого театра. Премьера «Жизни за царя» состоялась 27 ноября (9 декабря) 1836 года. Успех был огромным, опера была с восторгом принята обществом. В 1837 году Михаил Глинка начал работать над новой оперой на сюжет поэмы А. С. Пушкина «Руслан и Людмила». Идея оперы возникла у композитора ещё при жизни поэта. Он надеялся составить план по его указаниям, однако гибель Пушкина вынудила Глинку обращаться к второстепенным поэтам и любителям из числа друзей и знакомых. Первое представление «Руслана и Людмилы» состоялось 27 ноября (9 декабря) 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры «Ивана Сусанина». В сравнении с «Иваном Сусаниным», новая опера М. Глинки вызвала более сильную критику.
В 1856 году Михаил Иванович Глинка уезжает в Берлин. Там он занимается изучением старинных русских церковных напевов, творчества старых мастеров, хоровых сочинений итальянца Палестрины, Иоганна Себастьяна Баха. Глинка первый из светских композиторов стал сочинять и обрабатывать церковные мелодии в русском стиле. Неожиданная болезнь прервала эти занятия.
Михаил Иванович Глинка скончался 15 февраля 1857 года в Берлине и был похоронен на лютеранском кладбище. В мае того же года, по настоянию младшей сестры М. И. Глинки Людмилы Ивановны Шестаковой, прах композитора был перевезён в Санкт-Петербург и перезахоронен на Тихвинском кладбище. В Берлине на русском православном кладбище находится мемориальный памятник, включающий надгробную плиту с первоначального места захоронения Глинки на лютеранском Троицком кладбище, а также сооружённый в 1947 году Военной комендатурой советского сектора Берлина памятник в виде колонны с бюстом композитора.
Вопрос 2
Галина Уланова
Николай Цискаридзе
Илзе ЛиепаМарис ЛиепаАндрис ЛиепаАнастасия ВолочковаЕкатерина Максимова
Владимир Васильев
Билет № 7
Вопрос 1
Пётр Ильич Чайковский — русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, музыкальный журналист. Считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру.
Родился 25 апреля (7 мая) 1840 года в Воткинске, маленьком городе-заводе на Урале. Там отец композитора служил директором Горного завода. Родители будущего композитора были музыкальны, и в доме нередко проходили любительские концерты. Вокруг звучали крестьянские песни. Как писал позднее сам Чайковский, он "вырос в глуши, с детства самого раннего проникся неизъяснимой красотой характеристических черт русской народной музыки", что позднее нашло отражение в его творчестве.
Чайковскому суждено было родиться в совершенно замечательной семье, в атмосфере любви и сердечности. Отношения между детьми были также очень сердечными.
В жизни семьи Чайковских случилось страшное горе: от холеры умерла мать, Александра Андреевна Чайковская. Петру Ильичу было 14 лет. Его младшим братьям-близнецам чуть больше 4. Огромное потрясение, оставившее след на всю жизнь, пережил будущий композитор. Фактически с момента кончины матери у Петра Ильича возникло замечательное чувство ответственности за судьбу младших братьев, забота об их воспитании и просто участие.
С четырех лет проявилась музыкальная одаренность Чайковского, и его начали обучать игре на фортепиано. Тем не менее его отдали десяти лет от роду учиться в Училище правоведения, готовя его в будущем к карьере юриста. Однако музыке он продолжал учиться и в стенах училища, как, впрочем, и все другие воспитанники этого учебного заведения, что соответствовало правилам воспитания того времени. Первыми записанными сочинениями будущего композитора были вальс для фортепиано, посвященный его гувернантке А.Петровой "Анастасия-вальс" и романс "Мой гений, мой ангел, мой друг..."
Романс "Мой гений, мой ангел, мой друг..." написан Чайковским в возрасте 17-18 лет на стихи выдающе После окончания Училища Чайковский поступил на службу чиновником в Министерство юстиции. Однако музыкой он продолжал заниматься как любитель одновременно со службой в музыкальных классахгося русского поэта Афанасия Фета. Через год эти классы были реорганизованы в первую в России консерваторию, куда и поступил учиться Чайковский. В 1866 году Чайковский переехал в Москву. Его пригласил преподавать в только что открывшуюся Московскую консерваторию. В Москве Чайковский вошел в круг московской интеллигенции. Он тесно общался с актерами знаменитого Малого театра, познакомился с Л.Н.Толстым, что оставило след в его душе на всю жизнь. Приехав в Москву, Чайковский как композитор начал сочинять практически во всех жанрах. Он писал оперы, симфонии, сочинял квартеты, концертные пьесы для различных инструментов, музыку для фортепиано, романсы и многое другое Одной из отличительных черт творчества Чайковского этого периода было обращение к музыкальному фольклору разных народов. Так, он использует сербские напевы в сочинениях, посвященных событиям войны на Балканах (Славянский марш). Украинские напевы использованы в знаменитом Первом концерте для фортепиано с оркестром. В балет "Лебединое озеро" композитор ввел целую сюиту из танцев разных народов.
Вершинными сочинениями московского периода явились Четвертая симфония и опера "Евгений Онегин", первая опера Чайковского на пушкинский сюжет. Композитор вполне сознавал значение эти Последние полтора десятилетия жизни Чайковского отмечены огромным расцветом его творчества и всемирным признанием его. Чайковский стал первым из русских композиторов, который еще при жизни добился всеобщего признания и мировой славы.х произведений. Чайковский пробует свои силы в области дирижирования и постепенно начинает заниматься этим регулярно. В конце 1887 - начале 1888 года он совершает первое европейское турне Жизнь Чайковского оборвалась неожиданно. Он приехал в Петербург, где продирижировал своей Шестой симфонией, а через несколько дней заболел холерой и скончался 25 октября (6 ноября) 1893. Похоронен Чайковский в Петербурге, в Александро-Невской лавре.как дирижер. В 1891 году он совершил триумфальную концертную поездку в США.
Вопрос 2
Хор ТурецкогоХор имени Пятницкого
Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского
Государственный академический камерный оркестр России
Ансамбль песни и пляски Российской армии
Ансамбля «Русская песня» Надежды Бабкиной
Ансамбля «Золотое кольцо»
Национального филармонического оркестра России и Государственного камерного оркестра «Виртуозы Москвы»Билет № 8
Вопрос 1
Произведения Н.А.Римского-Корсакова на сказочные сюжеты.
Николай Андреевич Римский-Корсаков родился 18 марта 1844 года в Тихвине. Отец, композитор Андрей Петрович, происходил из старинного дворянского рода. Его предки занимали видные посты в армии и администрации, начиная с прапрадеда контр-адмирала флота при Елизавете Петровне. В шесть лет Ника, как звали его родные, начал заниматься музыкой. Музыкальные способности мальчика проявились рано, но по семейной традиции в 12-летнем возрасте его определили в Морской корпус в Петербурге.   В 1861 г. он завязал тесные творческие связи с кружком Балакирева ("Могучей кучкой"), в который входили Кюи, Мусоргский, а несколько позднее - Бородин. Общение Римского-Корсакова с балакиревским кружком было прервано двухлетним кругосветным плаванием, которое послужило источником разнообразных впечатлений, отразившихся в творчестве. Наиболее значительные произведения раннего периода - симфоническая картина "Садко" и опера "Псковитянка" (1872).   В 1871 году Римский-Корсаков был принят в число профессоров Петербургской консерватории и занимал эту должность на протяжении почти сорока лет. Пристальное изучение русской и украинской народной песни вызвало к жизни оперы "Майская ночь" (1879) и "Снегурочка" (1881), отразившие увлечённость Римского-Корсакова сказочностью и языческой мифологией.   Период наиболее интенсивного творчества начинается в середине 90-х гг. За фантастической оперой-балетом "Млада" (1889) последовали опера-колядка "Ночь перед Рождеством" (1895), опера-былина "Садко" (1896), лирические оперы "Боярыня Вера Шелога" (1898, одноактная - пролог к "Псковитянке") и "Царская невеста" (1898).   На рубеже XX века внимание композитора вновь привлекает опера-сказка, но под воздействием новых настроений в русском обществе она приобретает иной, чем прежде, идейный смысл. Ирония в "Сказке о царе Салтане" (1900) уступает место политической аллегории в "осенней сказочке" "Кащей Бессмертный" (1902) и бичующей сатире в "Золотом петушке" (1907). К последнему периоду творчества относятся также драматическая опера-легенда "Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии" (1903), завершающая эпическую линию развития русского музыкального театра.
Выдающийся русский композитор, музыкально-общественный деятель, педагог - оставил огромное творческое наследие. Оно включает 15 опер, 3 симфонии, ряд оркестровых сочинений, романсы. Ему принадлежат также два сборника русских народных песен, книги и статьи по различным вопросам музыкального искусства. Индивидуальность Римского-Корсакова наиболее полно раскрылась в его операх. Они отмечены горячим интересом к истории, быту, поэтическим представлениям и обычаям народа. В них широко использованы мотивы народных былин и сказок, сокровища русского песенного фольклора.
   Римского-Корсакова называют величайшим среди музыкантов сказочником. У него есть и собственно сказки: в операх – «Снегурочка» по пьесе А.Н.Островского, «Кащей бессмертный», пушкинские «Сказка о царе Салтане» и «золотой петушок»; в симфонической музыке – «Антар», «Шехерезада», «Сказка». Кроме того, композитор обращается к народному эпосу – в музыкальной картине «Садко», а позднее – в одноименной опере; легендам – в опере «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии»; народным преданиям и фантастике – в операх «Майская ночь», «Ночь перед Рождеством», опере-балете «Млада».
Композиторы «Могучей кучки» - кружка, к которому принадлежал Римский-Корсаков, рассматривали фольклор как часть жизни народа, его истории и культуры. Это отразилось в их обращении к темам, взятым из русской истории, в использовании народных песен в своих сочинениях.
В «Майской ночи» и «Снегурочке» определяется важный принцип оперной драматургии Римского-Корсакова, развитый позднее в других произведениях, - противопоставление двух женских образов: Панночка и Ганна в первой опере, Снегурочка и Купава во второй. Один из персонажей в каждом случае – образ нереальный, фантастический, целиком взятый из сказочного мира. Другой – принадлежит земной жизни. Так, через женские образы противопоставляются два мира. В их столкновении всегда побеждает реальное человеческое начало, а фантастические образы либо возвращаются вновь в природу (Снегурочка тает, Волхова становится рекой), либо превращается в людей (царевна Лебедь).
Встреча со Снегурочкой, Царевной-Лебедью, Паночкой – это чудо. Недаром музыка, характеризующая фантастический мир, всегда у Римского-Корсакова резко отличается по колориту, мелодике, гармонии, ритму от реального мира.
Среди музыкальных сказок Н.А.Римского-Корсакова – знаменитая «Шехерезада», симфоническая сита на сюжет «Тысячи и одной ночи». Вновь, как во время работы надо «Антаром», Николая Андреевича страстно увлек Восток с его прихотливой фантастикой, веселой мудростью, цветистой, образной речью. Морские пейзажи, Синдбад-мореход, Царевич и Царевна, Багдадский праздник…
Красочная, живописно-колористическая музыка, рисующая картину моря, встречается нам и в другом произведении Римского-Корсакова – симфонической поэме «Садко» (позднее переработанной в оперу). Это фантастический эпизод погружения героя на дно морское. Здесь есть и чарующе-волшебный образ Морской царевны.
На фантастический сюжет написана также кантата «Свитезянка».
Николай Андреевич Римский-Корсаков умер 8 (21) июня 1908 года в усадьбе Любенск под Петербургом.
Вопрос 2
Юрий Темирканов - выдающийся советский и российский дирижер, народный артист СССР, руководитель ЗКР Академического симфонического оркестра Санкт-Петербурга.
Карлос Клайбер австрийский дирижер назван лучшим дирижером всех времён.
Вале́рий Абиса́лович Ге́ргиев Художественный руководитель Мариинского театра. Главный дирижёр Лондонского симфонического оркестра.
Мстислав Ростропович советский и российский виолончелист, дирижер
Гленн Миллер американский тромбонист, композитор, дирижер (1904-1944) автор мелодии из фильма «Серенада солнечной долины»
Поль Мориа французский дирижер, композитор

Билет № 9
Вопрос 1
Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта 1873 года в дворянской семье в имении Онег, принадлежащем его матери, под Новгородом. Здесь прошло раннее детство будущего композитора. В детские и отроческие годы зародилась привязанность к поэтической русской природе, к образам которой не раз в своём творчестве он обращался.
Рахманинов рос в музыкальной семье. Дед его, Аркадий Александрович был пианистом-любителем и композитором. Несколько его сочинений было издано в 18-м столетии. Отец великого композитора, Василий Аркадьевич Рахманинов, был человеком исключительной музыкальной одарённости. Мать была его первым педагогом по фортепиано, хотя, по воспоминаниям самого композитора, уроки доставляли ему «большое неудовольствие». Но к четырём годам он уже мог играть в четыре руки со своим дедом.
Когда будущему композитору было 8 лет, его семья переехала Петербург. К тому времени его музыкальные способности были достаточно заметны, и в 1882 году его приняли в Петербургскую консерваторию, в младший фортепианный класс. Одарённый необычайным музыкальным слухом и памятью, Рахманинов в 18 лет блестяще завершил занятия по классу фортепьяно. А через год, в 1892 году, когда он окончил Московскую консерваторию по классу сочинения, его наградили большой золотой медалью за выдающиеся исполнительские и композиторские успехи.
На выпускной экзамен Рахманинов представил одноактную оперу «Алеко» (по поэме Пушкина «Цыганы»), которую написал всего за 17 дней! За неё присутствовавший на экзамене Чайковский поставил своему «музыкальному внуку» (Рахманинов учился у Танеева, любимого ученика Петра Ильича) пятёрку с тремя плюсами. За неё присутствовавший на экзамене Чайковский поставил своему «музыкальному внуку» (Рахманинов учился у Танеева, любимого ученика Петра Ильича) пятёрку с тремя плюсами.
Ободрённый первым успехом и моральной поддержкой Чайковского, Рахманинов после окончания консерватории сочиняет ряд произведений. Среди них - симфоническая фантазия «Утёс», первая сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», до-диез минорная прелюдия, романсы: «Не пой, красавица, при мне», «В молчанье ночи тайной», «Островок», «Весенние воды». Под впечатлением смерти Чайковского в 1893 году создано «Эллегическое трио».
Когда произошла Великая Октябрьская социалистическая революция, Рахманинов не понял её значения. В конце 1917 года его пригласили дать несколько концертов в скандинавских странах. Он поехал вместе с семьёй и больше в Россию не вернулся. Он покинул Родину, оторвался от той почвы, на которой выросло его творчество. Рахманинов до конца своих дней переживал глубокую внутреннюю драму. «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя…» - говорил он. Сначала Рахманинов жил в Дании, где много выступал с концертами, зарабатывая на жизнь, потом, в 1918 году, переехал в Америку. С первого концерта в маленьком городке Провиденс в штате Род-Айленд началась концертная деятельность Рахманинова, которая продолжалась без перерыва почти 25 лет. В Америке Сергей Рахманинов добился ошеломляющего успеха, который когда-либо сопутствовал здесь иностранному исполнителю. Живя за границей, Рахманинов не забывал о Родине. Он очень внимательно следил за развитием советской культуры. Отношение Рахманинова к большевистскому режиму было непоколебимо отрицательным. В эмиграции Рахманинов почти прекратил свои дирижёрские выступления, хотя в Америке его приглашали занять пост руководителя Бостонского симфонического оркестра, а позже оркестра города Цинциннати. Но он не согласился и лишь изредка вставал за дирижёрский пульт, когда исполнялись его собственные сочинения.
Всего за шесть недель до смерти Рахманинов выступал с первым концертом Бетховена и со своей «Рапсодией на тему Паганини». Приступ болезни (молниеносная форма рака) заставили прервать концертную поездку. Скончался Рахманинов 28 марта 1943 года. Перед смертью на его имя пришла телеграмма от советских композиторов, поздравлявших его с семидесятилетием. Великий русский композитор умер, а музыка его осталась с нами. По счастью, не только в нотах, но и на грампластинках, запечатлевших его собственное, неповторимо прекрасное исполнение.
Вопрос 2
Хор— хорово́й коллектив, пе́вческий коллектив, музыкальный ансамбль, состоящий из певцов (хористов, артистов хора); совместное звучание человеческих голосов.
Хором руководит дирижёр или хормейстер. Руководителя церковного хора называют регентом.
Чаще всего хор включает в себя четыре хоровые партии: сопрано, альты, тенора, басы.
Хор может петь в сопровождении инструментов или без него. Пение без сопровождения называется пением a cappella. Инструментальное сопровождение может включать в себя практически любой инструмент, один или несколько, или целый оркестр. Как правило на репетициях хора в процессе разучивания произведения, написанного для хора с оркестром, оркестр временно заменяется фортепиано; также фортепиано используется как вспомогательный инструмент при разучивании хоровых произведений a cappella.
Типы хоровых коллективов
В зависимости от пола и возраста певцов, хоры можно классифицировать так:
смешанный хор (наиболее распространенный тип хора) — состоит из женских и мужских голосов.
хор мальчиков и юношей 
мужской хор — состоит из теноров и басов,
женский хор — состоит из сопрано и альтов,
детский хор — состоит из двух партий: сопрано и альтов.
Минимальное количество певцов в одной хоровой партии - 3 человека.
С точки зрения манеры пения различают:
академические хоры — поющие в академической манере, основанной на эталоне европейского академического (оперно-концертного) певческого тона;
народные хоры — поющие в народной манере.
Виды хоровых коллективов
По количеству участников различают:
маленькие хоры - от 12 до 20 участников;
камерные хоры — от 12 до 30-50 участников;
средние хоры - от 40 до 60-70 участников;
большие хоры — от 70 до 120 участников;
сводные хоры — до 1000 участников, собираются на время из разных коллективов. Такие составы не относятся собственно к исполнительскому искусству, так как представляют собой скорее пропагандно-просветительское направление.
Хоры могут иметь разный статус, например, профессиональные, любительские, церковные и учебные хоры.
Три́о — музыкальный ансамбль из трёх музыкантов-исполнителей, вокалистов или инструменталистов.
В музыке:
Ансамбль из трёх исполнителей-инструменталистов или вокалистов. По составу исполнителей различают: инструментальное, вокальное (терцет), и вокально-инструментальное. По составу инструментов различают — однородные (например: струнные смычковые, деревянные духовые, тромбоны), и смешанные (например: смычковые с фортепиано, с духовыми инструментами, с арфой и т. д.). Трио, обычно именуемое фортепьянным, включает, как правило, фортепиано. Обычный состав джазового — фортепиано (или гитара), контрабас и ударные.Музыкальное произведение для трёх инструментов или певческих голосов.
Средняя часть (раздел) трёхчастной инструментальной пьесы, танца, марша, обычно контрастирующая с более быстрыми крайними частями. Возникло в 17 веке.
Трёхголосная органная пьеса для двух клавиатур и педали, в которой благодаря различному регистру клавиатур создаётся тембровый контраст между голосами.
Также трио — любой артистический коллектив из трёх человек: трио певцов, музыкантов, танцоров, актеров театра и кино. В переносном смысле — любой коллектив из трёх людей, имеющий общую деятельность.
Дуэт (HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D1%8F%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D1%8F%D0%B7%D1%8B%D0%BA" \o "Итальянский язык"итал. Duetto — двойка):
музыкальное сочинение для двух инструментов или двух голосов с инструментальным сопровождением. Каждая партия дуэта имеет самостоятельный характер. Форма инструментального дуэта обширнее, вокального — более простая. Вокальный дуэт пишется как самостоятельный концертный номер или входит в состав вокально-инструментального сочинения, например оперы;
любой артистический коллектив из двух человек: дуэт певцов, музыкантов, танцоров, актеров театра или кино.
Со́ло (HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D1%8F%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D1%8F%D0%B7%D1%8B%D0%BA" \o "Итальянский язык"итал. Solo — один) — исполнение всего музыкального произведения или его ведущей тематической партии одним голосом или инструментом. Исполнитель такой сольной партии называется солистом.
Понятие «соло» относится также и к искусству танцевальному: например, «сольный номер в балете».
Ансамбль (от фр. ensemble — вместе, множество) — совместное исполнение музыкального произведения несколькими участниками и само музыкальное произведение для небольшого состава исполнителей.
В зависимости от количества исполнителей (от двух и более) ансамбль называется дуэтом, трио (терцетом), квартетом, квинтетом, секстетом, септетом, октетом, нонетом, дециметом, ундециметом или дуодециметом (по латинским названиям чисел). Как самостоятельные произведения ансамбли принадлежат к области камерной музыки, однако ансамблями называют также и номера с участием нескольких солистов в вокально-симфонической или хоровой музыке, в том числе в операх, ораториях, кантатах и т. п.
Из области академической музыки название «ансамбль» распространилось в некоторые другие: в частности, в советской эстрадной музыке 1970-х гг. был широко распространён жанр ВИА (вокально-инструментального ансамбля).
Билет № 10
Вопрос 1
Программная музыка новейшая "описательная" или "изобразительная" музыка стремящаяся в звуках передавать движение, различные действия и т. д., нуждается в программе для того, чтобы она была вполне понятна слушателям; отсюда - программная музыка.
Программная музыка - музыкальные произведения, имеющие определённую словесную, нередко поэтическую программу и раскрывающие запёчатлённое в ней содержание. Явление музыкальной программности связано со специфическими чертами музыки, отличающими её от других искусств. В области отображения чувств, настроений, душевной жизни человека музыка имеет важные преимущества перед другими искусствами. Косвенно, через чувства и настроения, музыка способна отразить многие явления действительности. Однако она не в состоянии точно обозначить, что именно вызывает в человеке то или иное чувство, не способна достигнуть предметной, понятийной конкретности отображения. Возможностями такой конкретизации обладают речевой язык, литература. Стремясь к предметной, понятийной конкретизации, композиторы создают программные музыкальные произведения, они заставляют средства речевого языка, художественной литературы действовать в единстве музыкальными средствами. Программность является одним из видов единения музыки и средств речевого языка, а также литературы, обозначающих или отображающих те стороны единого объекта отражения, передать которые своими собственными средствами музыка не в состоянии. Т. о., неотъемлемым элементом программного музыкального произведения является словесная программа, созданная или избранная самим композитором, - будь то краткий программный заголовок, указывающий на явление действительности, которое имел в виду композитор (пьеса "Утро" Э. Грига из музыки к драме Г. Ибсена "Пер-Гюнт"), порой же "отсылающий" слушателя к определённому литературному произведению ("Макбет" Р. Штрауса – симфоническая поэма "по драме ШекспираЭ́двард Хагеруп Григ— HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9D%D0%BE%D1%80%D0%B2%D0%B5%D0%B3%D0%B8%D1%8F" \o "Норвегия"норвежский композитор периода романтизма, музыкальный деятель, пианист, дирижёр. Творчество Грига формировалось под воздействием норвежской народной культуры.
Эдвард Григ родился 15 июня 1843 года в Бергене. По отцовской линии семья происходила от шотландского купца Александра Грига. Мать композитора Гесина Хагеруп, была пианисткой, окончившей Гамбургскую консерваторию, куда обычно принимали только мужчин. Эдварда, его брата и трёх сестёр с детства обучали музыке, как было принято в состоятельных семьях. Впервые будущий композитор сел за пианино в четыре года. В возрасте десяти лет Григ был отправлен в общеобразовательную школу.
Одним из самых знаменитых произведений Грига считается вторая сюита — «Пер Гюнт», в которую вошли пьесы: «Жалоба Ингрид», «Арабский танец», «Возвращение Пера Гюнта на родину», «Песня Сольвейг», «В пещере у горного короля» и «Утро».
В 1872 году Григ написал первую значительную пьесу, после чего Шведская академия искусств признала его заслуги, а норвежские власти назначили ему пожизненную стипендию. Но мировая слава утомляла композитора и растерянный и усталый Григ уехал в родной Берген, подальше от столичного гомона.
В одиночестве Григ написал своё главное сочинение — музыку к драме Генрика Ибсена «Пер Гюнт». В ней воплотились его переживания той поры. Мелодия «В пещере горного короля» отражала неистовый дух Норвегии, который композитор любил показывать в своих произведениях. В «Арабской пляске» узнавался мир лицемерных европейских городов, полный интриг, сплетен и предательств. Финальный эпизод — «Песня Сольвейг», пронзительная и волнующая мелодия, — говорил об утерянном и забытом и не прощённом.
Не в силах избавиться от сердечной боли, Григ ушёл в творчество. От сырости в родном Бергене обострился плеврит, возникло опасение, что он может перейти в туберкулёз. Всё чаще у Грига были проблемы с лёгкими, выезжать на гастроли становилось сложнее. Несмотря на это, Григ продолжал творить и стремиться к новым целям. В 1907 году композитор собирался отправиться на музыкальный фестиваль в Англию. Там Эдварду стало хуже, и ему пришлось лечь в больницу. Скончался Эдвард Григ в родном городе 4 сентября 1907 года.
Вопрос 2
Русская народная песня — песня, слова и музыка которой сложились исторически в ходе развития русской культуры. У народной песни нет определённого автора, или автор неизвестен.
Русские народные песни подразделяют на:
Русский песенный эпос
русские былины;
северная эпическая традиция;
сибирские былины;
южнорусские и среднерусские былины;
исторические песни;
баллады;
небылицы и скоморошины;
песни в сказках.
Календарные обрядовые песни
поздравительные зимние;
святочные;
масленичные;
весенние;
семицкие;
летние;
жатвенные.
Семейные обрядовые песни
обряды рождения и пестования;
плачи и причитания;
свадебные обряды;
колыбельная песня.
Традиционные лирические песни.
Трудовые песни.
Отходнические песни
бурлацкие;
чумацкие;
ямщицкие;
солдатские;
рабочие.
Удалые песни
разбойничьи;
каторги и ссылки;
тюремные (русский шансон).
Шуточные, сатирические, хороводные, частушки, припевки, страдания.
Песни литературного происхождения.
Казачий воинский репертуар.
Жанровые песни, связанные с хореографией
хороводные;
игровые;
песни и инструментальные наигрыши, сопровождающие пляску;
поздние танцы.
Билет № 11
Вопрос 1
Бах Иоганн Себастьян (31 (21) марта 1685 - 28 июля 1750, Лейпциг), немецкий композитор, органист, клавесинист. Философская глубина содержания произведений Баха поставили его творчество в ряд шедевров мировой культуры. Иоганн Бах обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму. Бах - непревзойденный мастер полифонии.
Иоганн Себастьян Бах был шестым ребенком в семье скрипача Иоганна Амвросия Баха, и будущее его было предопределено. Все Бахи, жившие в горной Тюрингии, с начала XVI в. были флейтистами, трубачами, органистами, скрипачами, капельмейстерами. Их музыкальное дарование передавалось из поколения в поколение. Когда Иоганну Себастьяну исполнилось пять, отец подарил ему скрипку. Он быстро выучился на ней играть, и музыка заполнила всю его жизнь. Его счастливое детство кончилось рано, когда будущему композитору исполнилось 9 лет. Сначала умерла его мать, а через год - отец. Мальчика взял к себе его старший брат, служивший органистом в соседнем городке. Иоганн Себастьян поступил в гимназию - брат же обучал его игре на органе и клавире. Но одного исполнения мальчику было мало - он тянулся к творчеству. Однажды ему удалось извлечь из всегда запертого шкафа заветную нотную тетрадь, где у брата были записаны сочинения знаменитых в ту пору композиторов. По ночам тайком он переписывал ее. Когда полугодовая работа уже близилась к завершению, брат застал его за этим занятием и отнял все, что уже было сделано... Эти бессонные часы при лунном свете в дальнейшем пагубно скажутся на зрении И.С.Баха.
В 15 Бах переехал в Люнеберг, где в 1700-1703 гг. учился в школе церковных певчих. К этим же годам относятся и первые композиторские опыты Баха - произведения для органа и клавира.
После окончания учебы Бах был занят поиском работы, обеспечивающей хлебом насущным и оставляющей время для творчества. В 1707 женится на своей кузине Марии Барбаре Бах. Его творческие интересы были сосредоточены тогда, главным образом, на музыке для органа и клавира. Известнейшее сочинение той поры - "Каприччо на отъезд возлюбленного брата".
Получив в 1708 место придворного музыканта у герцога Веймарского, Бах обосновывается в Веймаре, где проводит 9 лет. Эти годы в биографии Баха стали временем интенсивного творчества. Композитор писал музыку дли клавира, духовные кантаты (более 20). Используя традиционные формы, Иоганн Бах доводил их до высочайшего совершенства.
В Веймаре у Баха родились сыновья, будущие известные композиторы Вильгельм Фридеман и Карл Филипп Эммануил.
В 1717 Бах принял приглашение на службу герцога Анхальт-Кетенского Леопольда. Жизнь в Кетене поначалу была счастливейшим временем в жизни композитора: князь, просвещенный для своего времени человек и неплохой музыкант, ценил Баха и не мешал его творчеству, приглашал его в свои поездки. В Кетене были написаны три сонаты и три партиты для скрипки соло, шесть сюит для виолончели соло, Английские и Французские сюиты для клавира, шесть Бранденбургских концертов для оркестра.
Но безоблачный период жизни Баха оборвался в 1720: умирает его жена, оставляя четырех малолетних детей.
В 1721 Бах женится второй раз на Анне Магдалене Вилькен. В 1723 состоялось исполнение его "Страстей по Иоанну" в церкви св. Фомы в Лейпциге, и вскоре Бах получил должность кантора этой церкви с одновременным исполнением обязанностей учителя школы при церкви (латынь и пение).
В Лейпциге (1723-50) Бах становится "музыкальным директором" всех церквей города, следя за личным составом музыкантов и певцов, наблюдая за их обучением, назначая необходимые к исполнению произведения и выполняя многое другое.
Композитор достиг к тому времени вершин мастерства и создавал великолепные образцы в разных жанрах. В первую очередь, это духовная музыка: кантаты (сохранилось около двухсот), "Магнификат" (1723), мессы (в том числе бессмертная "Высокая месса" си-минор, 1733), "Страсти по Матфею" (1729), десятки светских кантат (среди них - комические "Кофейная" и "Крестьянская"), произведения для органа, оркестра, клавесина (среди последних необходимо выделить цикл "Ария с 30 вариациями", так называемые "Гольдберг-вариации", 1742). В 1747 Бах создал цикл пьес "Музыкальные приношения", посвященный прусскому королю Фридриху II. Последней работой стало произведение под названием "Искусство фуги" (1749-50) - 14 фуг и 4 канона на одну тему.
В конце 1740-х годов здоровье Баха ухудшилось, особенно беспокоила резкая потеря зрения. Две неудачные операции по удалению катаракты привели к полной слепоте. Дней за десять до смерти Бах неожиданно прозрел, но затем с ним случился удар, сведший его в могилу.
Торжественные похороны вызвали огромное стечение народа из разных мест. Композитора похоронили вблизи церкви св. Фомы, в которой он прослужил 27 лет. Однако позже по территории кладбища проложили дорогу, могила затерялась. Лишь в 1894 останки Баха случайно были найдены во время строительных работ, тогда и состоялось перезахоронение.
Сложной оказалась и судьба его наследия. При жизни Бах пользовался известностью. Однако после смерти композитора имя и музыка Баха стали предаваться забвению. Подлинный интерес к его творчеству возник лишь в 1820-е годы, начало чему положило исполнение в 1829 году в Берлине "Страстей по Матфею". В 1850 году было создано "Баховское общество", стремившееся выявить и опубликовать все рукописи композитора (за полвека было издано 46 томов).
Бах - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем. Будучи последним (наряду с Г. Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко, Бах вместе с тем пролагал пути музыке нового времени. Среди продолжателей исканий Баха - его сыновья. Всего у него было 20 детей, только девять из них пережили отца. Четверо сыновей стали композиторами. Кроме упомянутых выше - Иоганн Кристиан (1735-82), Иоганн Кристоф (1732-95).
Вопрос 2
Духо́вная му́зыка — музыкальные произведения, связанные с текстами религиозного характера, предназначенные для исполнения во время церковной службы или в быту. Под духовной музыкой в узком смысле подразумевают церковную музыку христиан; в широком смысле духовная музыка не исчерпывается сопровождением богослужения и не ограничивается христианством. Тексты сочинений духовной музыки могут быть как каноническими (например, католическая месса), так и свободными, написанными на основе или под влиянием священных книг (для христиан — Библии).
В дальнейшем речь идёт о духовной музыке в широком смысле. О духовной музыке, понимаемой как синоним богослужебной (у христиан — церковной музыки)
Наиболее распространённые жанры христианской духовной музыки, католической и протестансткой, заимствованы из музыки церковной; это хорал, псалом, гимн (в том числе Te Deum, Ave Maria), месса (в том числе заупокойная — Реквием), секвенция и страсти (пассионы).
Каждый из перечисленных жанров имеет собственную историю, но общим для всех является то, что рождались они (или оформлялись) в церкви и право сочинять произведения духовного характера — не только тексты, но и музыкальное их оформление — изначально принадлежало исключительно служителям церкви.
Направления и жанры духовной музыки
Паралитургическая музыка (HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9B%D0%B0%D1%83%D0%B4%D0%B0_%28%D0%BC%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0%29" \o "Лауда (музыка)"лауда, кондукт, ноэль, кэрол, духовный стих и др.)
Литургическая драмаОрганная музыка
Музыка для других музыкальных инструментов
Музыка для оркестра и солистовМузыка для оркестра, солистов и органа,
Музыка для хора, оркестра, солистов и органа
Хоровая (HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/A_cappella" \o "A cappella"a cappella)
Хоровая с инструментальным сопровождением
Сольная (a cappella)
Сольная с инструментальным сопровождением
Молитвенно-медитативная музыка
Православная духовная музыка
Всенощное бдение
Начиная с XVIII века русские композиторы создавали на тексты Всенощного бдения произведения концертного характера — «Всенощные», которые могли исполняться и вне богослужения; известны «Всенощные» А. Л. Веделя и С. А. Дегтярёва. Со второй половины ХIХ века «Всенощные» нередко принимали форму оригинальных хоровых сочинений или достаточно свободных обработок древних распевов; такие сочинения создали, в частности, А. А. Архангельский, А. Т. Гречанинов, П. Г. Чесноков. Лучшими образцами жанра считаются «Всенощные» П.И. Чайковского и Сергея Рахманинова.
Русский духовный концерт
Пришедший в Россию с Запада в конце XVII века духовный концерт, представлявший собою «состязание» двух и более противопоставленных друг другу хоров, поначалу развивался как жанр сугубо церковной музыки и соответствовал традициям православного богослужения: в отличие от западноевропейского, не предполагал инструментальное сопровождение и писался в форме утвердившегося к тому времени в церкви партесного многоголосия, в котором количество голосов обычно колебалось от 3 до 12 (в некоторых концертах оно достигало 48-ми). Но во второй половине XVIII века духовный концерт вышел за пределы церкви; классические сочинения в этом жанре созданы Максимом Березовским и Дмитрием Бортнянским.
Билет № 12
Вопрос 1
Во́льфганг Амаде́й Мо́царт — австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.
Моцарт Вольфганг Амадей - австрийский композитор. Большое влияние на музыкальное развитие Моцарта оказал его отец Леопольд Моцарт, обучивший сына игре на музыкальных инструментах и композиции. В возрасте 4 лет Моцарт играл на клавесине, с 5-6 лет начал сочинять (1-я симфония исполнена в 1764 в Лондоне). Клавесинист-виртуоз, Моцарт выступал также как скрипач, певец, органист и дирижер, блестяще импровизировал, поражая феноменальным музыкальным слухом и памятью.Уже с 6 лет в биографии Моцарта виден успех: он с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Англии, Швейцарии, Италии. В возрасте 11 лет выступил как театральный композитор (школьная опера "Аполлон и Гиацинт"). Год спустя создал нем. зингшпиль "Бастьен и Бастьенна" и итальянскую оперу-буффу "Притворная пастушка". В 1770 папа римский наградил его орденом Золотой шпоры.
В том же году 14-летний музыкант после специального испытания был избран членом Филармонической академии в Болонье (здесь Вольфганг Моцарт некоторое время брал у Дж. Б. Мартини уроки композиции). Тогда же юный композитор дирижировал в Милане премьерой своей оперы "Митридат, царь понтийский". В следующем году там же была исполнена серенада Моцарта "Асканий в Альбе", через год опера " Луций Сулла". Артистическое турне и дальнейшее пребывание в Мангейме, Париже, Вене способствовали широкому ознакомлению Моцарта с европейской музыкальной культурой, его духовному росту, совершенствованию профессионального мастерства. К 19 годам Вольфганг Амадей Моцарт был автором 10 музыкально-сценических произведений различных жанров (среди них оперы "Мнимая садовница", поставленная в Мюнхене, " Сон Сципиона" и "Царь-пастух" в Зальцбурге), 2 кантат, многочисленных симфоний, концертов, квартетов, сонат, ансамблево-оркестрических сюит, церковных композиций, арий и других произведений. Но чем больше вундеркинд превращался в мастера, тем меньше интересовалось им аристократическое общество.
С 1769 Вольфганг Амадей Моцарт числился концертмейстером придворной капеллы в Зальцбурге. Архиепископ Иероним граф Коллоредо, правитель церковного княжества, деспотически ограничивал возможности его творческой деятельности. Попытки найти другую службу были тщетны. В княжеских резиденциях и аристократических салонах Италии, немецких государств, Франции композитор встречал равнодушие. После скитаний в 1777-79 Вольфганг Амадей Моцарт был вынужден вернуться в родной город и занять должность придворного органиста. В 1780 для Мюнхена был написана опера "Идоменей, царь критский, или Илия и Идамант". Хлопоты о службе остались безуспешными. Средства к существованию Моцарт добывал эпизодическими изданиями сочинений (большинство крупных произведений опубликованы посмертно), уроками игры на фортепиано и теории композиции, а также "академиями" (концертами), с которыми связано появление его концертов для фортепиано с оркестром. После зингшпиля "Похищение из сераля" (1782), явившегося важной вехой в развитии этого жанра, композитору почти 4 года не представлялся случай писать для театра.
В 1786 в императорском дворце Шенбрунн была исполнена его небольшая музыкальная комедия "Директор театра". При содействии поэта-либреттиста Л. Да Понте в том же году удалось, осуществить постановку в Вене оперы "Свадьба Фигаро" (1786) но она шла там сравнительно недолго (возобновлена в1789); тем более радостен был для Моцарта шумный успех " Свадьбы Фигаро" в Праге (1787). С энтузиазмом отнеслась чешская публика и к специально написанной для Праги опере Моцарта "Наказанный распутник, или Дон Жуан" (1787); в Вене же (пост. 1788) эта опера была принята сдержанно. В обеих операх полностью раскрылись новые идейные и художеств, устремления композитора. В эти годы достигло расцвета также его симфоническое и камерно-ансамблевое творчество. Должность "императорского и королевского камерного музыканта", предоставленная императором Иосифом II в конце 1787 (после смерти К. В. Глюка), сковывала деятельность Моцарта. Обязанности Моцарта ограничивались сочинением танцев для маскарадов. Лишь однажды ему поручили написать комическую оперу на сюжет из светской жизни - "Все они таковы, или Школа влюбленных" (1790). Вольфганг Моцарт намеревался покинуть Австрию. Предпринятая им в 1789 поездка в Берлин не оправдала его надежд. С воцарением в Австрии нового императора Леопольда II (1790) положение Моцарта не изменилось. В 1791 в Праге, по случаю коронации Леопольда чешским королем, была представлена опера Моцарта "Милосердие Тита", встреченная холодно. В том же месяце (сентябрь) увидела свет "Волшебная флейта". Поставленная на подмостках пригородного театра. Эта опера Моцарта нашла настоящее признание у демократической публики Вены. Среди передовых музыкантов, сумевших в полной мере оценить силу дарования Моцарта, были его старший современник И. Гайдн и младший - Л. Бетховен. В консервативных кругах его новаторские произведения осуждались. С 1787 прекратились "академии" Моцарта. Ему не удалось организовать исполнения 3 последних симфоний (1788); три года спустя одна из них прозвучала в благотворительных концертах в Вене под управлением А. Сальери.
Весной 1791 Вольфганга Моцарта зачислили бесплатным помощником капельмейстера собора св. Стефана с правом занять это место в случае смерти последнего (капельмейстер пережил его). За полмесяца до смерти Моцарт слег (диагноз - ревматически-воспалительная лихорадка) Умер, не достигнув 36 лет . Был погребен в общей могиле на кладбище св. Марка (местонахождение могилы неизвестно).
Вопрос 2
Российская академия музыки (РАМ) имени Гнесиных — высшее музыкально-педагогическое учебное заведение в г. Москве.
Московская государственная консерватория имени П. И. Чайковского — высшее музыкальное учебное заведение в Москве, один из ведущих вузов России.
Санкт-Петербургское хоровое училище им. М.И.Глинки
Музыкальное училище Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова
Билет № 13
Вопрос 1
Лю́двиг ван Бетхо́вен — немецкий композитор, дирижёр и пианист, один из трёх «венских классиков». Бетховен — ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX века.
Людвиг ван Бетховен родился 17 декабря 1770 года в городе Бонн в музыкальной семье. С детства его стали обучать игре на органе, клавесине, скрипке, флейте.
Впервые серьезно заниматься с Людвигом стал композитор Нефе. Уже в 12 лет в биографии Людвига ван Бетховена была получена первая работа музыкальной направленности –помощник органиста при дворе. Бетховен изучал несколько языков, пытался сочинять музыку.
После смерти матери в 1787 году он взял на себя материальные обязанности семьи. Людвиг Бетховен стал играть в оркестре, слушать университетские лекции. Случайно столкнувшись в Бонне с Гайдном, Бетховен решает брать у него уроки. Для этого он переезжает в Вену. После некоторых попыток Гайдн направляет Бетховена на занятия к Альбрехтсбергеру. Гайдн отметил, что музыка Бетховена была мрачной и странной. Однако в те годы виртуозная игра на пианино приносит Людвигу первую славу. Произведения Бетховена отличаются от классической игры клавенистов. Там же, в Вене, были написаны знаменитые в будущем сочинения: Лунная соната Бетховена, Патетическая.
Грубый, самолюбивый на людях композитор был очень открытым, доброжелательным по отношению к друзьям. Биография Бетховена следующих лет обильно наполнена новыми произведениями: Первая, Вторая симфонии, «Творение Прометея», «Христо на Масличной горе». Однако дальнейшее творчество Бетховена было осложнено развитием болезни уха – тинита.
Композитор уединяется в городе Гейлигенштадте. Там он работает над Третьей – Героической симфонией. Полная глухота отделяет Людвига от внешнего мира. Однако даже это событие не может заставить его прекратить сочинять. По мнению критиков, Третья симфония Бетховена полностью раскрывает его величайший талант. Опера «Фиделио» ставится в Вене, Праге, Берлине.
В 1802-1812 годах Бетховен сонаты писал с особым желанием и рвением. Тогда были созданы целые серии произведений для фортепиано, виолончели, знаменитая Девятая симфония, Торжественная месса. В биографии Людвига ван Бетховена тех лет слава, популярность композитора были очень велики. Даже власть, не смотря на его откровенные мысли, не смела трогать музыканта. Однако сильные переживания за своего племянника, которого Бетховен взял на попечительство, быстро состарили композитора. 26 марта 1827 года Бетховен умер.
Вопрос 2
Симфони́ческий орке́стр — большой коллектив музыкантов для исполнения академической музыки преимущественно западноевропейской традиции. Сложился в эпоху ранней венской классики в связи с появлением нового крупного жанра — классической симфонии (отсюда специфическое название). Позднее «симфонической» стала называться вообще всякая музыка для данного инструментального состава — в том числе и созданная композиторами мировых национальных школ.
Cимфонический оркестр состоит из инструментов, история которых неразрывно связана с историей музыки западной Европы. Музыка, которая пишется в расчёте на симфонический оркестр, как правило, принимает во внимание стиль (жанровую специфику, музыкальный язык, вплоть до ограничений, налагаемых конструктивными особенностями данного инструмента), сложившийся в рамках европейской музыкальной культуры.
Основу симфонического оркестра составляют четыре группы инструментов: струнные смычковые, деревянные и медные духовые, ударные http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D0%B8%D0%BC%D1%84%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D1%87%D0%B5%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%BE%D1%80%D0%BA%D0%B5%D1%81%D1%82%D1%80 E2.80.941-1 В ряде случаев в состав оркестра включаются и другие инструменты (прежде всего, арфа, а также фортепиано, орган, челеста, клавесин).
Оркестр полной величины, требуемый некоторыми масштабными произведениями XIX и XX веков, может включать в себя до 110 музыкантов. Оркестры малого состава могут состоять из не более чем пятидесяти исполнителей
Иногда для обозначения размеров оркестра используется количество представленных в нём инструментов каждого семейства деревянных духовых: оркестр, в котором играют два флейтиста, два гобоиста и т. д., называют па́рным, оркестр с тремя флейтистами и т. д. — тройным.
Истоки симфонического оркестра прослеживают в европейском инструментальном музицировании XVI века, связывая его историю с совершенствованием струнных инструментов. В эпоху барокко оркестр нельзя было представить без клавесина, нередко в состав входили лютня, мандолины. Йозеф Гайдн своим творчеством ввёл классический состав симфонического оркестра. Это — духовые парного состава, литавры и струнный квинтет.
В начале XIX века в большом симфоническом оркестре было увеличено количество струнных, расширен качественный состав духовых и ударных, во многих случаях вводилась арфа, реже фортепиано и орган. Большое значение для формирования современного симфонического оркестра принадлежит Бетховену.
До начала XIX века дирижер во время исполнения сам играл — например, на скрипке. Однако постепенно дирижеры отказались от подобного совмещения.
За время появления симфонических оркестров сменилось множество вариантов расположения музыкантов. Время помогло выработать определенный принцип расположения симфонического оркестра.
Во-первых — музыканты хорошо видят дирижерскую палочку, если их рассадить веерообразно, а дирижера поместить в месте предполагаемой оси веера.
Во-вторых — все однородные инструменты целесообразнее собрать вместе — в одну линию или группу. Это позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре и создает компактное, согласованное звучание каждой оркестровой группы.
В-третьих — звучность зависит и от того или иного размещения этих групп по отношению друг к другу. Так как сила звука и количество инструментов в каждой группе оркестра не одинаковы, то хорошая рассадка помогает добиться равномерного звучания всего оркестра.Ко второй половине XX века сложились два основных типа рассадки оркестра — немецкий и американский.
В России чаще используется американская рассадка.
Решение о том, каким способом рассадить оркестр, принимает дирижёр.
Билет № 14
Вопрос 1
Серге́й Серге́евич Проко́фьев — выдающийся русский и советский композитор, дирижёр и пианист. Народный артист РСФСР (1947). Лауреат Ленинской (1957 — посмертно) и шести Сталинских премий (1943, 1946 — трижды, 1947, 1951). Один из крупнейших и самых исполняемых композиторов XX века.
Родился Сергей Прокофьев 11 апреля 1891 года в селе Сонцовка Екатеринославской губернии. Первое образование в биографии Прокофьева было получено дома. Музыкой Сергей увлекся с детского возраста. В 5 лет он начал играть на пианино, а чуть позже – сочинять первые пьесы. В биографии композитора Прокофьева первые оперы были созданы в 9-летнем возрасте.
Затем Сергей стал обучаться у лучших преподавателей в Петербургской консерватории. Впервые выступил со своими произведениями Прокофьев в 1908 году. А начиная с 1918 года, много гастролировал: по Европе, Америке, Японии. В 1936 году вернулся в СССР вместе с женой-испанкой Линой Кодина, ставшей Прокофьевой. Прокофьев с семьей — женой Линой и сыновьями Святославом и Олегом окончательно обосновался в Москве. Начал преподавать в консерватории. В дальнейшем он выезжал за границу (в Европу и США) лишь дважды: в сезоне 1936/37 и 1938/39.
С 1933 года был почётным профессором Московская Государственная Консерватория имени П. И. Чайковского.
В 1948 году Прокофьев подвергся критике за формализм. С 1949 года Прокофьев почти не выезжает с дачи, но даже при строжайшем медицинском режиме пишет оперу «Повесть о настоящем человеке», балет «Каменный цветок», Девятую фортепианную сонату, ораторию «На страже мира» и многое другое. Последним сочинением, которое довелось композитору услышать в концертном зале, стала Седьмая симфония (1952). Прокофьев скончался в Москве в коммунальной квартире в Камергерском переулке от гипертонического криза 5 марта 1953 года. Так как он умер в день смерти Сталина, его кончина осталась почти незамеченной, а близкие и коллеги композитора столкнулись в организации похорон с большими трудностями[6]. С. С. Прокофьев похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 3). В память о композиторе на доме установлена мемориальная доска.
Сочинения
Среди известных сочинений композитора: оперы «Повесть о настоящем человеке», «Маддалена», «Игрок», «Огненный ангел», «Война и мир», балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка». Также Прокофьев написал множество вокально-симфонических произведений, инструментальных концертов.
Вопрос 2
Оркестр русских народных инструментов — оркестр, включающий в свой состав инструменты семейства домр и балалаек, а также гусли, баяны, жалейки и другие русские народные инструменты.
Первый подобный коллектив был создан в 1888 году в Санкт-Петербурге балалаечником Василием Васильевичем Андреевым как «Кружок любителей игры на балалайке», после успешных концертов в России и за рубежом получивший название «Великорусского оркестра». После Октябрьской революции оркестры русских народных инструментов получили широкое распространение, и существовали практически повсеместно: в концертных организациях, домах культуры, клубах и т. п.
Репертуар русских народных оркестров включает обычно обработки русских народных песен и переложения сочинений, написанных для других составов, но также и произведения, написанные специально для них.
Современные оркестры русских народных инструментов — серьёзные творческие коллективы, выступающие на крупнейших концертных площадках в России и за границей.
Состав
Трёхструнные домры: пикколо, малые, альтовые и басовые
Духовые инструменты:
Русского происхождения — свирели, жалейки, волынки, владимирские рожки (в настоящее время редки в составе оркестра)
Европейские — флейты, гобои (используются чаще, так как обладают тембром, почти идентичным русским инструментам, но бо́льшим диапазоном), иногда включаются медные духовые.
Оркестровые гармоники — в большинстве случаев используются современные баяны (от двух до пяти): обычно половина из них исполняет мелодию, остальные — басовые партии. В некоторых оркестрах могут также использоваться региональные варианты двухрядных гармошек: «ливенки», саратовские, «хромки» и т. д.
Ударные инструменты:
Русского происхождения — бубенцы, ложки, трещотки, бубен и т. п.
Европейские — литавры (первоначально Андреев планировал ввести в оркестр родственные им накры, однако этот инструмент из-за некоторого несовершенства своей конструкции быстро вышел из употребления), колокольчики и другие (аналогично симфоническому оркестру)
Гусли клавишные и звончатые
БалалайкиБилет № 15
Вопрос 1
Дми́трий Дми́триевич Шостако́вич (1906—1975) — выдающийся советский композитор, пианист, дирижёр, педагог и общественный деятель. Народный артист СССР (1954), Герой социалистического труда (1966).
Родился 12 сентября 1906 года в Петербурге. Дом Шостаковича всегда заполняла музыка: родственники, друзья постоянно играли различных композиторов.
После поступлению в коммерческую гимназию в 1915 году, Дмитрий Шостакович серьезно увлекся музыкой. Первым преподавателем в биографии Дмитрия Дмитриевича Шостаковича была мать. Затем будущий композитор обучался в музыкальной школе, Петроградской консерватории. На этом пути творчества Шостаковича было написано первое большое сочинение.
В консерватории музыке Шостаковича обучали Штейнберг, Соколов, Николаев. Первая симфония Шостаковича послужила его дипломной работой. На международном конкурсе пианистов его игра не произвела впечатления. Однако собственное произведение Шостаковича, включенное в программу, понравилось судье Вальтеру. По его просьбе композитор сыграл Первую симфонию. После успеха, она была исполнена в Берлине. Так в биографии Шостаковича была заслужена первая популярность. Вторая, Третья, Четвертая симфонии, опера «Леди Макбет Мценского уезда» значительно отличались между собой. Пятая симфония особо понравилась советской власти. С 1937 года композитор стал преподавать в Ленинградской консерватории, через два года став профессором.
Шестая симфония Шостаковича была написана в 1939 году. В следующем году автор начинает работу над Седьмой симфонией. Для Шостаковича блокадная симфония (седьмая, написанная в блокадном Ленинграде) имела особое значение. Прозвучав в 1942 году, она призвана была разбавить военную жизнь, привнести в нее патриотичности, гордости за страну, желания бороться.
Переехав в 1943 году в Москву, Шостакович начинает преподавать в консерватории. После 1946 года великий композитор был обвинен советскими властями, выгнан из консерватории. Дальнейшими событиями в биографии Дмитрия Дмитриевича Шостаковича стало участие в жюри в конкурсе имени Баха. В этот период творчество Д. Шостаковича расцветает: им написано множество концертов, оперетт, симфоний.
После принудительного вступления в партию произведения композитора наполняются грустью, болью, тоской. Это трагическое настроение постепенно переходит в задумчивое в последующих сочинениях 1970х годов. Умер Шостакович 9 августа 1975 года.
Шостакович — один из самых исполняемых в мире композиторов. Высокий уровень композиторской техники, способность создавать яркие и выразительные мелодии и темы, мастерское владение полифонией и тончайшее владение искусством оркестровки, в сочетании с личной эмоциональностью и колоссальной работоспособностью, сделали его музыкальные произведения яркими, самобытными и обладающими огромной художественной ценностью. Вклад Шостаковича в развитие музыки XX века общепризнан как выдающийся, он оказал существенное влияние на многих современников и последователей. Открыто о влиянии на них музыкального языка и личности Шостаковича заявляли такие композиторы, как Пендерецкий, Тищенко, Слонимский, Шнитке, Канчели, Бернстайн, Салонен, а также многие другие музыканты.
Жанровое и эстетическое разнообразие музыки Шостаковича огромно, в ней сочетаются элементы музыки тональной, атональной и ладовой, в творчестве композитора переплетаются модернизм, традиционализм, экспрессионизм и «большой стиль».
Основные произведения
Основная статья: Список произведений Дмитрия Шостаковича15 симфоний
Оперы: «Нос», «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова»), «Игроки» (окончена Кши́штофом Ме́йером)
Балеты: «Золотой век» (1930), «Болт» (1931) и «Светлый ручей» (1935)
15 струнных квартетов
Цикл, Двадцать четыре прелюдии и фуги, соч. 87 (1950—1951). [7]Праздничная увертюра 1954 года к открытию ВСХВ для ночной светомузыкальной программы фонтанов
КвинтетОратория «Песнь о лесах»
Кантата «Над Родиной нашей солнце сияет»
Кантата «Казнь Степана Разина»
Антиформалистический раёкКонцерты и сонаты для различных инструментов
Романсы и песни для голоса с фортепиано и симфоническим оркестромОперетта «Москва, Черемушки»
Музыка к кинофильмам: «Простые люди» (1945), «Молодая гвардия» (1948), «Взятие Берлина» (1949), «Овод» (1955), «Гамлет» (1964), «Король Лир» (1971).
Вопрос 2
Давид Ойстрах (1908—1974) — советский скрипач, альтист, дирижёр и педагог, профессор Московской консерватории, народный артист СССР
Леонид Коган (1924-1982)- советский скрипач, педагог, профессор Московской консерватории, народный артист СССР.
Ицхак Перлман (31 августа 1945) — американский скрипач, дирижёр и педагог.
Вадим Репин (31 августа 1971) — российский скрипач
Иегуди Мену́хин (1916—1999) — американский скрипач и дирижёр. Оставил также след в филателии, в его честь названа одна из филателистических премий
Влади́мир Теодо́рович Спивако́в (род. 12 сентября 1944) — советский и российский дирижёр и скрипач. Народный артист СССР (1990). Лауреат Государственной премии СССР (1989). Художественный руководитель и главный дирижёр Национального филармонического оркестра России и Государственного камерного оркестра «Виртуозы Москвы», президент Московского международного Дома музыки.
Билет № 16
Вопрос 1
Гео́ргий Васи́льевич Свири́дов — советский и российский композитор, пианист. Народный артист СССР (1970), Герой Социалистического Труда (1975), лауреат Ленинской (1960) и Государственных премий СССР (1946, 1968). Ученик Дмитрия Шостаковича.
Родился 3(16) декабря 1915 г. в г. Фатеж в семье почтового служащего и учительницы. Начало музыкального образования - музыкальная школа Курска (1927-32 гг.).
Когда Георгию было всего четыре года, семья осиротела: отец погиб во время гражданской войны. После этого мать вместе с сыном переехала в Курск. Там Юрий (так Свиридова звали в детстве) пошел в школу, где и проявились его музыкальные способности. Тогда же он освоил и свой первый музыкальный инструмент - балалайку. Свиридов взял ее у одного из своих товарищей и вскоре по слуху научился играть так, что его приняли в самодеятельный оркестр русских народных инструментов.
Летом 1929 года Свиридов решил поступить в музыкальную школу. На вступительном экзамене мальчик должен был играть на рояле, но поскольку никакого репертуара у него в то время не было, то он сыграл марш собственного сочинения. Комиссии он понравился, и в школу его приняли. В музыкальной школе Свиридов стал учеником В. Уфимцевой, жены известного русского изобретателя Г. Уфимцева.
Закончив школу, он продолжил занятия музыкой у другого известного педагога - М. Крутянского. По его совету в 1932 году Свиридов поехал в Ленинград и поступил в музыкальный техникум (в 1936 г. окончил) по классу рояля. Под руководством профессора Браудо Свиридов очень быстро совершенствовал исполнительскую технику. Однако уже через полгода его учитель убедился в том, что у Свиридова есть врожденный дар композиции, и добился его перевода на композиторское отделение техникума.
Дебют состоялся в 1935 г. - это был цикл романсов на слова А.С. Пушкина. Романсы были напечатаны и вошли в репертуар таких известных певцов, как С. Лемешев и А. Пирогов. Проявились яркие черты индивидуального стиля - выразительная мелодия, гармоническая свежесть.
Летом 1936 года Свиридов поступил в Ленинградскую консерваторию и стал лауреатом именной стипендии имени А. Луначарского.
Выпускной работой стала Первая симфония и Концерт для струнных инструментов. В первые дни войны Свиридов был зачислен курсантом военного училища и направлен в Уфу. Однако уже в конце 1941 года его демобилизовали по здоровью.
Практически все рукописи Свиридова довоенного периода погибли во время блокады, среди них Концерт для фортепиано с оркестром и Симфония для струнного оркестра, с успехом исполнявшиеся перед войной в Ленинграде.
До 1944 года Свиридов жил в Новосибирске, куда была эвакуирована Ленинградская филармония. Как и другие композиторы, он начинает писать военные песни, из которых самой известной стала, пожалуй, "Песня смелых" на стихи А. Суркова. Кроме того, он писал музыку для спектаклей эвакуированных в Сибирь театров. Здесь Свиридову впервые пришлось поработать для музыкального театра, и он создал оперетту "Раскинулось море широко", в которой рассказывалось о жизни и борьбе балтийских моряков в осажденном Ленинграде.
Оперетта Свиридова стала первым музыкально-драматическим произведением, посвященным войне. Она была поставлена в нескольких театрах и много лет не сходила со сцены. А в 1960 году оперетта Свиридова стала основой для музыкального телефильма, который был сделан на Центральном телевидении.
В 1944 году Свиридов возвратился в Ленинград, а в 1950 году поселился в Москве.
Новый этап в творчестве - вокальная поэма "Страна отцов" на слова Аветика Исаакяна (1950), а цикл песен на слова Р. Бернса (1955) положили начало зрелому периоду.
Основное место в творчестве занимает вокальная музыка. Работает со стихами самых разных поэтов, по-новому раскрывает их облик:С. Есенин предстает как свидетель и летописец перемен в народной жизни, когда его стихи становятся основой "Поэма памяти Сергея Есенина" (1956).В "Патетической оратории" (1959) (на слова В. Маяковского) Свиридову удалось показать не только ораторское начало и острые маршевые ритмы, но и широкую кантилену гимнов.Один из первых Свиридов "распел" стихи Велемира Хлебникова ("Юным", 1965) и Б.Л. Пастернака (маленькая кантата "Снег идет", 1965).
Свиридов продолжал и развивал опыт русских классиков, прежде всего М.П. Мусоргского, обогащая его достижениями XX столетия. Он использует традиции старинного канта, обрядовых попевок; знаменного роспева, а в то же время - и современной городской массовой песни.
Свиридов развил и продолжил традиции вокальной и вокально-сифонической музыки, создал новые жанровые разновидности ее. Одновременно в области гармонии и музыкальной формы у него проявилось нового, своеобразного, индивидуального.
Публике широко известна музыка Свиридова к кинофильмам "Время, вперед!" (1965) и "Метель" (1974).
Творчество Свиридова сочетает в себе новизну, самобытность музыкального языка, отточенность, изысканную простоту.
Произведения Свиридова широко известны в нашей стране и за рубежом. Он одинаково легко писал и серьезную, и легкую музыку. Его сочинения разнообразны и по жанрам: это симфонии и концерты, оратории и кантаты, песни и романсы.
Мировую славу Свиридову принесли потрясающие хоровые циклы ("Декабристы" на слова А. Пушкина и поэтов-декабристов, "Поэма памяти Сергея Есенина", "Патетическая оратория" по В. Маяковскому, "Пять песен о России" на слова А. Блока и др.). Однако Свиридов работал и в популярных жанрах, например, в оперетте ("Огоньки", "Раскинулось море широко"), в кино ("Воскресение", "Золотой теленок" и др.), в драматическом театре (музыка к спектаклям А. Райкина, "Дон Сезар де Базан" и др.).
На IV международном конкурсе имени П. И. Чайковского, состоявшемся в 1970 году сочинения Свиридова были включены в обязательные программы вокалистов. Шло время, и его музыка, исконно русская, наполненная ритмо-интонациями родного фольклора, завоевывала все более широкие круги слушателей. Девяностые годы принесли неизбежное с возрастом ухудшение здоровья, замедление творческого процесса. До конца дней композитор работал над пушкинскими стихами. Свое последнее, четырехчастное сочинение, названное просто «Из Пушкина», он не успел оркестровать. Смерть наступила 6 января 1998 года в Москве. Похороны состоялись на Новодевичьем кладбище столицы.
Вопрос 2
Джаз — форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей.
Спири́чуэлс, спиричуэл — духовные песни афроамериканцев. Как жанр спиричуэлс оформился в последней трети XIX века в США.
Источником негритянских спиричуэлс являются духовные гимны, завезённые в Америку белыми переселенцами. Тематику спиричуэлс составляли библейские ветхозаветные сюжеты, которые приспосабливались к конкретным условиям повседневной жизни и быта негров и подвергались фольклорной обработке. Они сочетают в себе характерные элементы африканских исполнительских традиций со стилистическими чертами американских пуританских гимнов, возникших на англокельтской основе. Спиричуэлс имеют вопросо-ответную структуру, выражающуюся в диалоге проповедника с прихожанами. Спиричуэлс значительно повлияли на зарождение, формирование и развитие джаза. Многие из них используются джазовыми музыкантами в качестве тем для импровизаций.
Блюз — музыкальная форма и музыкальный жанр, зародившиеся в конце XIX века в афроамериканском сообществе Юго-востока США, в среде выходцев с плантаций «Хлопкового пояса». Является (наряду с рэгтаймом, ранним джазом, рэпом и др.) одним из наиболее влиятельных вкладов афроамериканцев в мировую музыкальную культуру.
Блюз сложился из таких её проявлений, как «рабочая песня», холер (ритмичные вскрики, сопровождавшие работу в поле), выкрики в ритуалах африканских религиозных культов, спиричуэлс (христианские песнопения в особой манере), шант и баллады (короткие стихотворные истории). Во многом повлиял на современную популярную музыку, в особенности таких жанров как «поп», «джаз», «рок-н-ролл» «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D0%BE%D1%83%D0%BB" \o "Соул"соул».
Часто музыка строится по структуре «вопрос — ответ», выраженная как в лирическом наполнении композиции, так и в музыкальном, зачастую построенном на диалоге инструментов между собой. Блюз является импровизационной формой музыкального жанра, где в композициях зачастую используют только основной опорный «каркас», который обыгрывают солирующие инструменты. Исконная блюзовая тематика строится на чувственной социальной составляющей жизни афроамериканского населения, его трудностях и препятствиях, возникающих на пути каждого чёрного человека.
Луи Дэниел «Сэтчмо» Армстронг — американский джазовый трубач, вокалист и руководитель ансамбля. Оказал (наряду с Дюком Эллингтоном, Чарли Паркером, Майлзом Дэвисом и Джоном Колтрейном) наибольшее влияние на развитие джаза, и много сделал для его популяризации во всем мире.
Э́лла Джейн Фицдже́ральд — американская джазовая певица, известная также как «Леди Элла» и «Первая леди джаза».
Обладательница голоса диапазоном в три октавы, Фицджеральд считается одной из величайших вокалисток в истории джаза. По крайней мере, никто не мог превзойти её в мастерском владении техникой голосовой импровизации — пении скэтом.
Обладательница четырнадцати премий «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D1%80%D1%8D%D0%BC%D0%BC%D0%B8" \o "Грэмми"Грэмми». При жизни певицы было продано более 40 миллионов пластинок. Была награждена медалью Национального искусства Рональдом Рейганом и Президентской медалью свободы Джорджем Бушем (ст.). Награждена французским Орденом искусств и литературы (1990).
Фрэ́нсис А́льберт Сина́тра — американский актёр, певец и шоумэн. Девять раз становился лауреатом премии Грэмми. Славился романтическим стилем исполнения песен и «медовым» голосом. Песни в его исполнении вошли в классику эстрады и стиля свинг, стали наиболее яркими образцами эстрадно-джазовой манеры пения , на них воспитаны несколько поколений американцев. За 50 лет активной творческой деятельности записал около 100 неизменно популярных дисков-синглов, исполнил все самые известные песни крупнейших композиторов США — Джорджа Гершвина, Кола Портера и Ирвинга Берлина.
В 1997 году награждён высшей наградой США — Золотой медалью Конгресса.
Лари́са Алекса́ндровна До́лина — советская и российская эстрадная и джазовая певица, актриса. Заслуженная артистка России (1993), народная артистка России (1998)http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%BE%D0%BB%D0%B8%D0%BD%D0%B0,_%D0%9B%D0%B0%D1%80%D0%B8%D1%81%D0%B0_%D0%90%D0%BB%D0%B5%D0%BA%D1%81%D0%B0%D0%BD%D0%B4%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%BD%D0%B0 - cite_note-80-1998-1
Ирина Адольфовна Отиева— джазовая певица, Заслуженная артистка России (1997), лауреат международных конкурсов, исполнительница русского джаза. Её диапазон — три с половиной октавы.
Билет № 17
Вопрос 1
Календарно-обрядовые песни — это вид устного обрядового фольклора, который связан с традиционными обрядами и обычаями.
  Согласно воззрению первобытного человека на природу, весна и весенние обряды представлялись ему комбинацией затрат сил для будущего и наслаждения выгодами в настоящем.          Для землевладельца на Руси, весной наступала время изобилия. Свежие весенние пастбища сразу оживляли и обновляли производительность стада, принося вместе с тем и облегчение в хозяйстве. Если, с точки зрения скотоводства, с весной приходила пора сравнительного изобилия, с точки зрения хлебопашества, напротив самое тяжелое время. Запасы хлеба приходили к концу. Так и в весенней обрядовой песне поется:
Охъ, весна краснаВсе повытрясла,Изъ кормовъВсе повыскребла;Новым веничкомъВсе повымела.
          И чем первобытнее хозяйство, тем меньше хлебопашец надеялся на свои силы, и тем больше непреодолимым и роковым ему казались явления природы. Производительность его поля – зависела от состояния погоды, поэтому на Руси весну «закликали» или «гукали». Так поется в весенней обрядовой песне:
Да поможи, Божа, вясну закликатиНа тихоя лето, на ядрено жито,Жито и пшаницу,Усякаю пашницу…
          Но не все весенние обрядовые песни относились к хозяйственному быту. Многие относились к весенним праздникам, знаменующих собой союз природы с жизнью человеческой.          Одним из главных весенних праздников являлась Масленица.
Здравствуй, наша гостья – масленица,Авдотьюшка Изотьевна,Дуня белая, Дуня румяная,Коса длинная, триаршинная…
          Масленичные обрядовые песни характеризовали конец зимнего и начало весеннего цикла. Последним весенним праздником была так называемая «семицкая» неделя. Семицко-троицкие песни — связаны с празднованием Троицы, с завиванием и развиванием берёзки. Берёзку, венки бросали в воду, чтобы они могли передать земле свою растительную силу и чтобы узнать будущее: утонет венок — человек умрёт (архаичное поверье) или женится (более позднее).
Главная часть этих обрядов была связана с верованием в растительных духов плодородия, будто бы пребывавших в деревьях, в хлебах, в цветах и травах.
Березка, березка,Завивайся, кудрявая!К тебе девки пришли,К тебе красны пришли,Пирога принеслиСо яичницей.
“Веснянка” — связана с обрядом “закликания” весны. Веснянки пелись в марте, это были хоровые переклички девушек — своеобразные песни-заговоры, “замыкающие” зиму, ускоряющие приход весны. Пекли специальные сдобы — в виде фигурок птиц (жаворонков), выпускали птиц из клеток на волю, как бы призывая их скорее принести весну.
Жнивная песня – представление о жатве как о завивании бороды, по предположению Забылина, восходит, возможно, к тем временам, когда “почитали Волоса и поклонялись ему, как богу, имеющему попечение над скотом”.
Все три песни наполнены символическими образами, имеющими опору в мифологическом взгляде на мир: ключи от весны, борода мифического существа, веночки — круг “энергетики” берёзки, в который замыкает себя человек.)День Ивана Купалы — кульминация земельного годичного круга — ночь на 25 июля.
Иван да МарьяВ реке купались.Где Иван купался,Берег колыхался,Где Марья купалась,Трава расстилалась.
Девицы цветы щипалиДа у Ивана пытали:“Что это за цветы?”“Это цветы Купалы.Девицам - умыванье,А парням - воздыханье!”
Цветы обладают таинственной силой и связаны с не менее таинственной (или таинственным) Купалой, да и сама первая строчка песни, повествуя о парне и девушке, напоминает название цветка. Кроме того, в ней описано, конечно, не просто купание, а некий обряд, магическое действие, совершаемое в праздник Ивана Купалы. Это древний славянский праздник, посвящённый солнцу — Яриле, не случайно он отмечается в день летнего солнцестояния и в ночь накануне этого дня. Это самый длинный день в году — солнце обладает наивысшей властью, свои необыкновенные свойства проявляет природа: травы, собранные накануне Ивана Купалы, обладают лечебной силой, целебна купальская роса. В эту ночь — единственный раз в году — расцветает, по преданию, дивный цветок папоротника, “цвет-огонь”, дарованный богом Ярилой человеку, сорвав который станешь понимать язык зверей, птиц, растений. В честь Ярилы жгут костры, и молодёжь прыгает через них, как будто проходя через очистительную силу огня. Подобной силой обладает и вода. Праздник Ивана Купалы совмещает в себе языческое поклонение Яриле и христианский праздник в честь дня Рождества святого Иоанна Предтечи.
Этот праздник открывал цикл летних праздников — до августа, когда начинался праздник жатвы.
 Смысл любой колядки в своеобразном “закликании” счастья и богатства щедрому хозяину. Чем больше отдаст он колядующим, тем больше обретёт в грядущем году. Угощение — признак полноты дома. Колядка — песня-заклинание, песня-заговор, условная магическая игра хозяина и колядовщиков.
Главный зимний языческий праздник — Коляда, совместившийся позже со Святками. Слово “коляда” родственно слову “calare” (лат.) — выкликать. Жрец в древнем Риме выкликал начало каждого месяца. Отсюда же и слово “календарь”. Святки, продолжающиеся двенадцать дней — от Рождества Христова до Богоявления, совмещают в себе христианские и языческие черты. Коляда связана с представлением об “умирании” солнца: оно описало свой годовой путь вокруг мирового древа. Ночь перед возрождением солнца — ночь хаоса, противопоставляющего себя космосу — мировому порядку. Это как бы ситуация “начала мира”. Это опасное время, когда потусторонний мир как бы приближается к человеку, границы между своим и чужим миром стираются. Именно поэтому так распространено в Святки “ряженье” — скрывание лица под личиной — “бесовское” занятие, грех которого надо было смывать в проруби во время водоосвящения на Богоявление (этим праздником и кончались Святки).
Древняя вера человека в существование сверхъестественных сил порождала необходимость их изображения в песнях. “Заклинательные”, магические песни, исполняемые на Коляду, назывались колядками (овсенями, виноградьями).
Пришла КолядаНакануне Рождества.Дайте коровку,Масляну головку!А дай Бог тому,Кто в этом дому!Ему рожь густа,Рожь ужиниста;Ему с колоса осьмина,Из зерна ему коврига,Из полузерна — пирог.Наделил бы вас ГосподьИ житьём, и бытьём,И богатством,И создай вам, Господи,Ещё лучше того!
Смысл любой колядки в своеобразном “закликании” счастья и богатства щедрому хозяину. Чем больше отдаст он колядующим, тем больше обретёт в грядущем году. Угощение — признак полноты дома. Колядка — песня-заклинание, песня-заговор,
Коляда — зимний праздник. Однако речь в колядках нередко заходит о посеве и урожае. Хороший урожай — самая большая радость, которую можно пожелать крестьянину.
В одной из колядок поётся:
А Иванов двор —На семи столбах;Вокруг этого двораТын серебряный стоит;Вокруг этого тынаВсё шелковая трава;На всякой тынинкеПо жемчужинке.Во этом во тынуСтоят три теремаЗлатоверхие.
Могли ли колядующие исполнять эту песню не только перед богатым домом, а и перед обычной крестьянской избой? Конечно, ведь один из способов приобретения желаемого — изображение того, что желаешь — это магия слова, в которую верили наши предки. И преувеличение в данном случае тоже играет своеобразную магическую роль. Часто
С праздником Коляды связан и обычай гадания. Действительно, когда ещё удобнее обратиться к “иному” миру, как не в ночь его владычества на земле? Весьма распространённый вид святочного гадания — гадание на вещах, сопровождаемое подблюдными песнями. Гадавшие (а это, как правило, были девушки) собирали в одну чашу (блюдо) украшения, накрывали чашу платком и под пение подблюдных песен вынимали наугад украшение из чаши. Чьё было украшение — той в песне и была предсказана судьба.
Вопрос 2
Джазовый оркестр — один из самых интересных и своеобразных явлений современной музыки. Возникший позже всех других оркестров, он стал воздействовать на другие формы музыки — камерную, симфоническую, музыку духовых оркестров. Джаз использует многие из инструментов симфонического оркестра, но имеет качество радикально его отличающее от всех других форм оркестровой музыки.
Джазовый оркестр включает большую струнную группу (40-60 исполнителей), причем возможны смычковые контрабасы (в биг-бэнде могут быть только смычковые виолончели, контрабас участник ритм-секции). Но главное это использование редких для джаза флейт (во всех видах от малой до басовой), гобоев (все 3-4 вида), валторн и совсем не типичных для джаза фаготов (и контрафагота). Кларнеты дополняются басом, альтом, малым кларнетом. Такой оркестр может исполнять специально написанные для него симфонии, концерты, участвовать в операх (Гершвин).
Джазовый оркестр (бэнд) состоит, как правило, из группы духовых, включающей расширенные по сравнению с другими оркестрами группы труб, тромбонов и саксофонов, группы струнных, представленной скрипками и контрабасом, а так же джазовой ритм секции (ударные инструменты).Билет № 18
Вопрос 1
Военные песни представляют  собой мелодичное и красивое сочетание музыки и слов. Сегодня, в современной культуре, не всегда можно встретить такого рода песни. У  каждой  военной песни  есть своя история и жизнь.
 Одной из самых первых песен, которая была написана в годы второй мировой войны, стала «Священная война». Эта композиция стала патриотическим гимном для всего советского народа. После объявления нашей стране войны уже 24 июня 1941 года газетах «Известия» и «Красная звезда» прошло в печать стихотворение В. Лебедева-Кумача «Священная война». Оказывается, поэт, незадолго до известия о нападении фашисткой Германии на Советский Союз просматривал кинохроники, где были показаны бомбардировки городов Европы. Василия Лебедева-Кумача потрясло увиденное им, после этого он перенес свои мысли на бумагу в виде стихотворения.
После публикации стихотворения Василия Лебедева-Кумача, композитору Александру Александрову попали на глаза эти строки, и он незамедлительно сочинил к ним музыку. На пятый день войны, когда солдаты отправились на фронт, состоялась премьера песни «Священная война», которую исполнял Ансамбль песни и пляски Красной Армии под руководством Александра Александрова. Именно отсюда песня, призывающая к подвигу, распространилась по всей стране и стала достоянием советского народа. 
 Осенью 1940 года поэт Яков Шведов и композитор Анатолий Новиков написали песенную сюиту о молдавских партизанах. Сюита была написана по просьбе политуправления Киевского военного округа для окружного ансамбля песни и пляски. В нее входило семь песен, в том числе  «Смуглянка»  — песня о девушке-партизанке. Написанная на основе молдавского фольклора, она была по своему складу лирической, игровой. Когда началась Великая Отечественная война, ноты этого цикла у Новикова пропали. Сохранились лишь черновые наброски. Восстановив некоторые песни, композитор решил показать «Смуглянку» на радио. Но там ее забраковали.
Как-то в 1944 году мне позвонил художественный руководитель Краснознаменного ансамбля А. В. Александров, — вспоминал Новиков, — и спросил, нет ли у меня новых песен. Я принес ему несколько новинок, в том числе и «Смуглянку». К великому моему удивлению, именно эта веселая, лирическая песенка про любовь молдавской девушки больше всего понравилась прославленному музыканту.    «Смуглянка» полюбилась бойцам, и, хотя в ней говорилось о партизанах Гражданской войны, воспринималась она как песня сегодняшняя.
Осенью 1941 года на Южном фронте очень рано выпал снег, а после вдруг неожиданно потеплело, дороги раскисли и превратились в грязь. Именно в это время наши войска предприняли контрудар под Ростовом-на-Дону, в результате которого был освобожден этот город, а гитлеровские войска потерпели первое крупное поражение, и не смогли пробиться к кавказской нефти. Потому первоначально «Давай закурим» в стихотворении Ильи Фенкеля начиналась так:«Теплый ветер дует, развезло дороги, И на Южном фронте оттепель опять. Тает снег в Ростове, тает в Таганроге, Эти дни когда-нибудь мы будем вспоминать». 
 Позже к стихам Фенкеля добавилась музыка Модеста Табачникова, и в таком виде композитор отнес её в отдел пропаганды Южного фронта. Бригадный комиссар Рюмин, возглавлявший отдел пропаганды и агитации Южного фронта, которому композитор принес и пропел эту песню. И в канун нового 1942 года премьера песни состоялась. Исполнил её ансамбль песни и пляски Южного фронта. Тогда же её напечатала фронтовая газета, потом «Комсомольская правда». И пошла песня гулять по свету.
 21 февраля 1943 года песня «Давай закурим!» впервые прозвучала в исполнении Клавдии Шульженко в её театрализованной программе «Города-герои» на сцене московского Театра сатиры. К тому времени войска наши уже разгромили немцев под Сталинградом, линия фронта резко изменилась, и певица решила видоизменить зачин песни. В песне уже не упоминались ни Южный фронт, ни Ростов, ни Таганрог, о которых шла речь в изначальном её варианте. Обновленная песня победно прошлась по всем фронтам и добралась до самого Берлина.
 Вначале были написаны стихи — всего несколько строк. Написал их  М. В. Исаковский, автор известных и популярных в ту пору песен:  «Прощание», «Вдоль деревни», «И кто его знает», «Любушка», «Зелеными просторами»  и других.   «Я не знал, — говорил потом поэт, — что же дальше делать с Катюшей, которую я заставил выйти на «высокий берег на крутой» и запеть песню. Поэтому стихи пришлось отложить…» Неизвестно, как долго ожидали бы они своего часа, не повстречай Исаковский композитора  М. И. Блантера . С ним незадолго до того познакомил его журналист Василий Регинин.
 Над музыкальным решением песни пришлось потрудиться немало. Наконец, родилась именно та мелодия, которую все мы сегодня знаем и любим. Но песни пока не было. Ведь стихотворение оставалось незавершенным. И тогда поэт и композитор стали вместе искать, какой же быть песне. Направление поиска и построение ее сюжета подсказано было самой жизнью, напряженной обстановкой предгрозовых довоенных лет.
   По-новому зазвучала «Катюша» в годы Великой Отечественной войны. В народе появились десятки новых вариантов этой песни, «ответы» на нее. Кем только ни была в них героиня песни: и бойцом с автоматом в руках, и верной подругой солдата, ждущей его возвращения с победой, и фронтовой медсестрой. Пели во время войны и о Катюше-партизанке, «проходившей по лесам и селам партизанской узкою тропой с той же самой песенкой веселой, что когда-то пела над рекой».
   Но не только в песнях жила в ту суровую пору Катюша. Ее именем народ ласково «окрестил» новое грозное оружие, наводившее ужас на врага, — реактивные гвардейские минометы. И об этих «катюшах» вскоре были сложены песни:
  Песня стала очень популярной и за рубежом. В Италии она известна в двух вариантах: «Катарина» и «Дует ветер». Последняя представляет собой партизанский гимн итальянских патриотов, боровшихся против фашизма. Хорошо знают «Катюшу» и в странах, которым советские воины принесли освобождение.
«Синий платочек» в сопровождении «Голубого джаза» спел его солист Станислав Ляндау.   Вряд ли подозревал тогда  Яков Маркович Галицкий  (1891—1963) — автор многих пьес, с успехом шедших в те годы на сценах столичных театров, что не им, а именно этому скромному его поэтическому опыту предстоит долгая жизнь.    Песню включили в свой репертуар многие известные  певицы и певцы :  Л. Русланова, И. Юрьева, В. Козин . Стихотворение «На солнечной поляночке» рядовой Алексей Фатьянов написал в 1942 году. В ту пору он был ведущим и заведовал литературной частью в Ансамбле песни и пляски Южно-Уральского военного округа. В городе Чкалове (ныне Оренбург), где располагался штаб округа и была база ансамбля, состоялась знаменательная встреча молодого армейского поэта с композитором В. П. Соловьевым-Седым.      На второй день он принес мне стихотворение, старательно выписанное на листе, вырванном из какой-то амбарной книги. Оно меня сразу обворожило. Стихи пели, в них уже была мелодия...»  
 Первоначально на эти стихи композитор написал песню-вальс, но что-то в ней его не удовлетворяло. Наконец родилась именно та мелодия, которую все мы знаем, любим и поем, — жизнерадостная, озорная.   Долгое время песня не находила «своего» исполнителя. Широкую популярность принесло этой песне исполнение ее Краснознаменным ансамблем.      Впервые опубликована в 1944 году.
   “Стихи написаны на Каме, – вспоминал о рождении этой песни Михаил Исаковский, – когда шел второй год войны. Работая, представил себе русский лес, чуть-чуть окрашенный осенью, тишину, непривычную для солдат, только что вышедших из боя, тишину, которую не может нарушить даже гармонь.  Послал стихи старому товарищу композитору Матвею Блантеру (с ним создавали “Катюшу”). Спустя несколько месяцев услышал по радио песню «В лесу прифронтовом» .   В ней ярко выражены настроение и основная идея стихов Исаковского - не только раздумья и воспоминания о мирной жизни, но и призыв к борьбе с ненавистным врагом, потому что дорога к дому, к любимой ведет через войну, через испытания и невзгоды.
  В 1946 году за песни “Под звездами балканскими”, “Моя любимая” и “В лесу прифронтовом” композитору М. И. Блантеру была присуждена Государственная премия СССР.
    «Шуточную песню про Васю-Василька, которому «письмеца недель пяток почта не приносит» и у которого «сердце ласки просит», — вспоминал о ней ее автор, композитор А. Г. Новиков, — мы с поэтом Сергеем Алымовым написали еще до войны, в конце 1940 года. Мы заранее договорились, что напишем к конкурсу военной песни, который тогда проходил, веселые солдатские песни. Интересная получилась форма песни — как раз говор. Диалог сделал ее исполнение удобным для сцены. В этом, наверное, была одна из причин большой впоследствии ее популярности...»     Результаты конкурса были обнародованы незадолго до начала Великой Отечественной войны. Тогда же песня Новикова и Алымова, получившая премию, была опубликована. Но разразившаяся война отодвинула на некоторое время ее премьеру. Вместе с другой шуточной песней тех же авторов — «Самоварами-самопалами» —    «Вася-Василек» прозвучал в концерте, транслировавшемся по радио 21 января 1942 года. И спел эту песню Краснознаменный ансамбль.     «Потом мне рассказывали фронтовики, — заканчивал свои воспоминания об истории создания «Васи-Василька» А. Г. Новиков, — что песня пришлась как нельзя кстати — после первых успешных наших ударов под Москвой солдаты подхватили ее рефрен, точно передающий их настроение: «Если даже есть причина, никогда не унывай!» Он стал поговоркой». 
  В конце 1941 года в газетах было опубликовано стихотворение Владимира Дыховичного «Одессит Мишка» — отклик на события, связанные с героической обороной Одессы моряками-черноморцами. Вскоре музыку к этим стихам написал композитор-фронтовик Модест Табачников. Песню полюбили на Южном фронте, где он в ту пору служил. Она была включена в программу выступлений фронтового театра, в котором Табачников заведовал музыкальной частью и являлся автором большинства песенных номеров, исполнявшихся в его представлениях.  Популярность этой песни на фронте была так велика, что в дни освобождения    Одессы от фашистских захватчиков автор ее стихов написал ее продолжение. Песня «Мишка вернулся в Одессу» была опубликована в «Комсомольской правде» 12 апреля 1944 года. 
Вопрос 2
Опера — жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Литературная основа оперы — либретто.
Опера появилась в Италии, в мистериях, то есть духовных представлениях, в которых эпизодически вводимая музыка стояла на низкой ступени. Духовная комедия: «Обращение св. Павла» (1480), Беверини, представляет уже более серьёзный труд, в котором музыка сопровождала действие с начала до конца. В середине XVI века большой популярностью пользовались пасторали или пастушеские игры, в которых музыка ограничивалась хорами.
В конце XVI века попытки ввести в такие сочинения одноголосное пение (монодию) вывели оперу на тот путь, на котором её развитие быстро пошло вперед. Авторы этих попыток называли свои музыкально-драматические произведения drama in musica или drama per musica; название «опера» стало применяться к ним в первой половине XVII века. Позднее некоторые оперные композиторы, например Рихард Вагнер, опять вернулись к названию «музыкальная драма».
Первый оперный театр для публичных представлений был открыт в 1637 году в Венеции; ранее опера служила только для придворных развлечений. Первой большой оперой можно считать «Эвридику» Джакопо Пери, исполненную в 1597. Первая русская опера, написанная в русских нравах — «Танюша, или Счастливая встреча», музыка Ф. Г. Волкова (1756).
В 1868 году армянский композитор Тигран Чухаджян создает оперу «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%90%D1%80%D1%88%D0%B0%D0%BA_II_%28%D0%BE%D0%BF%D0%B5%D1%80%D0%B0%29" \o "Аршак II (опера)"Аршак II» — первую оперу в музыкальной истории Востока.
Истоками оперы можно считать и античную трагедию. Как самостоятельный жанр опера возникла в Италии на рубеже 16-17 веков в кружке музыкантов, философов, поэтов в городе Флоренция. Назывался кружок любителей искусства «камерата». Участники «камераты» мечтали возродить древнегреческую трагедию, объединить в одном спектакле драму, музыку и танец. Первый подобный спектакль был дан во Флоренции в 1600 году и рассказывал об Орфее и Эвредике. Существует версия, что первый музыкальный спектакль с пением был поставлен в 1594 году на сюжет древнегреческого мифа о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном. Постепенно в Италии стали появляться оперные школы в Риме, в Венеции, Неаполе. Затем опера стремительно распространилась по всей Европе. В конце 17-начале 18 века складываются основные разновидности оперы: опера – сериа (большая серьёзная опера) и опера – буффа (комическая опера). В основе оперы лежит литературный сюжет. На его основе создаётся либретто. Литератор, создающий либретто называется либреттистом
Исторически сложились определённые формы оперной музыки. При наличии некоторых общих закономерностей оперной драматургии все её компоненты в зависимости от типов оперы толкуются различно.
большая операполукомическаякомическая опера
романтическая опера, на романтический сюжет.
балладная операполу-опера, опера "наполовину" - форма английской барочной оперы, в которой сочетаются устная драма, вокальные мизансцены, танцы и симфонические произведения. Одним из приверженцев полу-оперы считается английский композитор Генри Пёрселлопера-балетВ комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами допускается диалог. Есть и серьёзные оперы, в которые вставлен диалог, например «Фиделио» Бетховена, «Медея» Керубини, «Волшебный стрелок» Вебера.
Опера — это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет).В состав оперного коллектива входят: солист, хор, оркестр, военный оркестр, орган. Оперные голоса: (женские: сопрано, меццо-сопрано, контральто; мужские: контратенор, тенор, баритон, бас).Оперное произведение делится на акты, картины, сцены, номера. Перед актами бывает пролог, в конце оперы — эпилог.
Части оперного произведения — речитативы, ариозо, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, ансамбли и т. д. Из симфонических форм — увертюра, интродукция, антракты, пантомима, мелодрама, шествия, балетная музыка.
Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада, песня). Различные функции в опере имеет речитатив — музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь, обычно — в диалогах.
Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия.
Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина»).
В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды — увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля — балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными.
Билет № 19
Вопрос 1
Довольно часто, когда мы смотрим какой-либо фильм, часть нашего внимания уделяется музыкальному сопровождению. Благодаря ему, мы лучше воспринимаем происходящие на экране, можем предугадать последующие действия персонажей или же просто насладиться красиво обработанным фрагментом из фильма.
Кино и музыка были вместе с самого начала - ведь звуковое кино появилось через 30 лет после изобретения синематографа, а ранее, в эпоху немых фильмов, музыку в кино создавали оркестры
Андрей Петров родился и учился в Ленинграде (ныне - Санкт-Петербург), в Ленинградской Государственной консерватории по классу композиции. В своем творчестве А. Петров развивает традиции русской классической музыки.
Он - автор опер и балетов, симфонических произведений и инструментальных концертов, музыки к фильмам и театральным спектаклям, песен и легкой музыки.
А. Петров также постоянно работает в кино, сотрудничая с крупными русскими и зарубежными режиссерами - Э. Рязановым, Г. Данелия, А. Германом. Он написал музыку более чем к 80-ти кинофильмам. Среди них - "Я шагаю по Москве", "Берегись автомобиля", "Осенний марафон", "Служебный роман", "Хрусталев, машину!", "Жестокий романс", музыка к фильму американского режиссера "Синяя птица" с Элизабет Тейлор в главной роли. Петров неоднократно был удостоен таких кинематографических премий, как "Ника", "Золотой Овен" и многие другие.
Работы Петрова последних лет также очень разнообразны: балет "Мастер и Маргарита" для балетной труппы Бориса Эйфмана, фортепианный концерт для американского пианиста Дерека Хана, вариации для оркестра на тему Мусоргского.
Макси́м Исаа́кович Дунае́вский (род. 15 января 1945, Москва) — советский и российский композитор, народный артист России (2006)http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D1%83%D0%BD%D0%B0%D0%B5%D0%B2%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9,_%D0%9C%D0%B0%D0%BA%D1%81%D0%B8%D0%BC_%D0%98%D1%81%D0%B0%D0%B0%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87 - cite_note-104-2006-0 .
Максим Дунаевский мог стать композитором, пишущим классическую музыку. Но его судьбу определила встреча со студенческим театром МГУ «Наш дом. Наряду с симфоническими, камерными и вокальными произведениями Максим Дунаевский стал писать музыку для театра, а позднее для кино и эстрады. Для спектакля Марка Розовского в ТЮЗе он написал в 1972-м многие песни, вошедшие затем в телефильм «Д’Артаньян и три мушкетёра».
Он — автор музыки к более, чем 30 фильмам (самые известные — тетралогия «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%E2%80%99%D0%90%D1%80%D1%82%D0%B0%D0%BD%D1%8C%D1%8F%D0%BD_%D0%B8_%D1%82%D1%80%D0%B8_%D0%BC%D1%83%D1%88%D0%BA%D0%B5%D1%82%D1%91%D1%80%D0%B0" \o "Д’Артаньян и три мушкетёра"Д’Артаньян и три мушкетёра», «Мушкетёры двадцать лет спустя», «Тайна королевы Анны, или Мушкетёры тридцать лет спустя» и «Сокровища кардинала Мазарини, или Возвращение мушкетёров», «Ах, водевиль, водевиль…», «Карнавал», «Трест, который лопнул», «Зелёный фургон», «Мэри Поппинс, до свидания!», «Маленькое одолжение», «Светлая личность»), телеспектаклю «Мальчик со шпагой», мультфильмам «Пиф-паф, ой-ой-ой!», «Летучий корабль» и «Кошкин дом», автор мюзиклов «Тили-тили-тесто…», «Емелино счастье», «Три мушкетёра», «В поисках капитана Гранта», «Веселые ребята-2», «Двенадцать стульев». В мае 2010-го вышел новый мюзикл «Любовь и шпионаж», посвященный Мате Хари.[2] Максим Дунаевский — также автор поп-оперы «Саломея, царевна Иудейская». Вёл программу об оперетте «С легким жанром!» на телеканале «Культура». Член жюри музыкального телевизионного конкурса «Народный артист».
Прожил в США почти восемь лет (1992http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D1%83%D0%BD%D0%B0%D0%B5%D0%B2%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9,_%D0%9C%D0%B0%D0%BA%D1%81%D0%B8%D0%BC_%D0%98%D1%81%D0%B0%D0%B0%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87 - cite_note-2 — 1999), работал в Голливуде, написал музыку к нескольким фильмам.Вопрос 2
Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella.
Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория;
Средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт;
Малые — вокальная миниатюра (песня, романс).
Встречаются так же произведения, в которых человеческий голос использован в качестве оркестровой краски («Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского).
Жанры вокальной музыки: оперный, ораториальный, камерный, оперетта, джаз
Другие жанры камерной вокальной музыки
Романс – художественная песня с разработанной партией сопровождения, с выразительными и звукоизобразительными эффектами, более тонко, чем песня, отображающими детали текста.
Происхождение термина «романс» от испанского romance, что значит «романский», т.е. исполняемый на «романском» (испанском) языке.Баллада – произведение эпико-повествовательного характера для голоса соло с сопровождением. Фантастический или легендарно-исторический характер сюжета, наличие драматической развязки – обязательные свойства литературной основы. Относительная свобода формы музыкальной баллады.
Влияние литературной баллады на музыкальные жанры (баллада в опере, в инструментальной, кантатной музыке).
Исторические изменения значения термина «баллада» в музыке.
Серенада – приветственная (как правило, вечерняя) песня. Историческая многозначность термина:
песня, исполняемая под аккомпанемент гитары под окном возлюбленной (Италия, Испания);
сольная инструментальная пьеса с чертами вокальной серенады;
циклическое произведение для инструментального ансамбля (XVII–XVIII вв.);
произведение, написанное к торжественному случаю (род кантаты), допускающее использование элементов сценического действия, а также балета.
Краткая характеристика менее самостоятельных жанров – вокализа, монолога, речитатива.
Новые формы синтеза слова и музыки в XX в.
Камерная инструментальная музыка
Камерными называются музыкальные произведения, предназначенные для исполнения в небольших помещениях или для домашнего музицирования. Сфера содержания камерной музыки – преимущественно лирические эмоции, пейзажные мотивы.
Простые жанры
Характеристика некоторых простых (одночастных) жанров.
1. Прелюдия. Происхождение и развитие жанра в творчестве И.С. Баха, Ф. Шопена, русских композиторов XIX–XX вв.
2. Этюд. Зарождение жанра как инструктивной пьесы для совершенствования исполнительской техники. Новая художественная значимость этюда в музыке композиторов-романтиков, русских композиторов.
3. Токката. Возникновение жанра как специфического для органной и клавирной музыки (XVI в.); с XIX в. – как самостоятельного виртуозно-концертного в духе этюда.4. Ноктюрн. В романтической музыке – небольшая лирическая пьеса; ранее род дивертисмента (многочастного инструментального произведения), исполняемого на открытом воздухе. Ноктюрн в творчестве Дж. Филда, Ф. Шопена, П.И. Чайковского и др.
5. Скерцо. Этапы развития жанра:
XVI–XVII вв. – музыкальное произведение на шутливые тексты;
XVIII в. – часть инструментальной сюиты;
с конца XVIII в. – часть сонатно-симфонического цикла;
в творчестве романтиков – самостоятельное одночастное произведение шутливого, юмористического, гротескного характера.
Знакомство с другими простыми жанрами – экспромтом, музыкальным моментом, баркаролой, каприччио, новеллеттой.
Сложные жанры
Трио-соната – один из основных камерных жанров западноевропейской музыки XVII в. – главный источник зарождения более поздних циклических жанров. Два вида трио-сонаты: sonata da kamera – путь к старинной сюите; sonata da chiesa – предтеча сонатно-симфонического цикла.
Старинная сюита. Простые бытовые жанры в основе сюиты. Особенности фактуры, объединяющей признаки полифонии и гомофонии. «Вставные» танцы; их роль в дальнейшем развитии циклических и нециклических форм и жанров.
Программная инструментальная сюита в музыке второй половины XIX – XX вв.
Соната – один из основных жанров камерной музыки. Формирование классической сонаты на базе более ранних жанров. Жанр сонаты в творчестве Д. Скарлатти, Й. Гайдна, В.А. Моцарта, Л. ван Бетховена. Соната в музыке романтиков, русских композиторов.
Камерные музыкальные ансамбли – трио, квартеты, квинтеты и др. Особенности их поэтики – лиричность, интимный характер высказывания, тонкая разработанность голосов фактуры.
Билет № 20
Вопрос 1
Авторская песня, или бардовская музыка — песенный жанр, возникший в середине XX века в разных странах. Его отличительными особенностями является совмещение в одном лице автора музыки, текста и исполнителя, гитарное сопровождение, приоритет значимости текста перед музыкой, ориентация на коллективное пение непрофессионалами.
Предшественником авторской песни можно считать городской романс и песенные миниатюры А. Вертинского.
Поначалу основу жанра составляли студенческие и туристские песни, отличавшиеся от «официальных». Чаще всего (хотя и не всегда) исполнители песен этого жанра являются одновременно авторами и стихов, и музыки — отсюда и название. Широкую популярность приобрела авторская песня в середине 1950-х, с появлением магнитофона. В это время начали систематически сочинять песни Б. Окуджава и Н. Матвеева.
Позднее, в 1960-х — 80-х, классиками жанра стали Владимир Высоцкий, Александр Галич, Сергей Никитин, Александр Городницкий, Вероника Долина, Александр Дольский. Авторская песня была одной из форм самовыражения «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A8%D0%B5%D1%81%D1%82%D0%B8%D0%B4%D0%B5%D1%81%D1%8F%D1%82%D0%BD%D0%B8%D0%BA%D0%B8" \o "Шестидесятники"шестидесятников».
В развитии авторской песни можно выделить несколько этапов.
Первый этап — романтический, лидером которого стал Б. Окуджава, продолжался примерно до середины 1960-х гг. Главной сферой реализации романтического начала была «песня странствий» с центральными для неё образами дружбы (друга) и дороги как «линии жизни» — пути в неизведанное и пути к самопознанию. На этом этапе авторская песня практически не выходила за пределы породившей её среды, распространяясь «от компании к компании» изустно или в магнитофонных записях.
Особняком, однако, стояли горькие и сатирические песни А. Галича, который уже в начале 60-х гг. («Старательский вальсок», «Спрашивайте, мальчики», «За семью заборами», «Красный треугольник» и др.) обратился к резкой критике существующего строя с неслыханной для того времени смелостью и откровенностью.
Эстетика «песни протеста» была продолжена В. Высоцким. Он расширил интонационные приёмы (так, его интонационная находка — распевание согласных) и лексику песни, включив в неё обширный пласт сниженной лексики.
Важное место в творчестве многих бардов занимала тема Великой Отечественной войны. При этом, в отличие от героического пафоса песен «официальной культуры», в авторской песне на первое место выходил «человеческий аспект» войны, причинённые ей страдания, её античеловечность («До свидания, мальчики!» Б. Окуджавы, «Баллада о вечном огне» А. Галича, «Так случилось, мужчины ушли» В. Высоцкого и многие другие песни).Чёткой и единой терминологической системы, связанной с песенными жанрами, до сих пор не существует. Иногда термины «авторская песня» и «бардовская песня» употребляют как синонимы. Но, например, Владимир Высоцкий категорически не любил, чтобы его называли «бардом» или «менестрелем».
Хроники показывают, что в 1950-х и начале 1960-х годов наиболее употребителен по отношению к жанру был термин «самодеятельная песня» — его, в частности, применяли и сами авторы.
(биография и творческий путь одного из композиторов на выбор)
Вопрос 2
колокольные звоны
В течение веков звон колоколов составлял особую звуковую атмосферу Москвы. Колокольные звоны были связаны не только с богослужением: они сопровождали коронации российских государей, торжества в честь воинских побед или государственных событий. К небогослужебным колокольным звонам относился и набатный звон — частые удары в так называемый набатный, или всполошный, колокол.
Развитие искусства колокольного звона шло на протяжении нескольких веков: от сигнала — призыва к богослужению, сохранившегося ныне в виде благовеста (равномерных ударов в 1 колокол перед началом службы), до звона во все колокола (так называемого трезвона). С течением времени колокольный звон включается в литургию. Появление звона по окончании службы (то есть вне её) знаменует новый период в развитии колокольной музыки.
В XVII в., когда московское колокололитейное производство достигло совершенства, открылись широкие возможности для создания художественных звонов.
Древний обычай, когда в пасхальную неделю в церковные колокола мог звонить любой желающий, способствовал развитию колокольных звонов; звонарями подбирались и обыгрывались новые ритмические фигуры и т.п., что накладывало отпечаток и на повседневную практику звонов. В летописях содержатся сведения о том, что царь Иван IV Грозный каждый день сам звонил на колокольнях. Любил колокольные звоны и сын Ивана IV Фёдор, неоднократно звонивший на колокольнях московских соборов и предпочитавший порой колокольные звоны государственным делам.
В середине XVII в. звоны уже были «многоголосны»; на московских колокольнях находилось несколько тысяч колоколов, которые во время богослужения издавали разнообразный звон. Сохранились сведения, что колокола «Ивана Великого» составляли между собой «музыкальную гармонию», а при храмах Москвы было от 4 до 12 колоколов, приспособленных для «произведения музыкальной гармонии» (то есть имелись благозвучные подборы).
В Московском Кремле было три особых набатных колокола — Спасский (на Набатной башне), Троицкий и Тайницкий. Указом царя Алексея Михайловича о пожарных набатах в Москве от 1668 были даны регламентации звонарям, позволяющие легко определить, в каком районе пожар.
В Москве разнообразие колокольных звонах было обусловлено огромным количеством церквей; каждый звонарь, беря за основу какой-либо незатейливый ритмический рисунок, варьировал его по своему усмотрению. С течением времени количество колоколов на каждой колокольне увеличивается. Самый величественный колокольный звон производился в Москве в пасхальную ночь. Он совершался по особому, исстари существующему в Москве обычаю: благовест к заутрене начинался с колокольни «Иван Великий» в Кремле; все московские церкви должны были ждать, когда ударит Большой Успенский колокол; на первый удар этого главного московского колокола отзывался колокол Страстного монастыря, затем колокола соборов, и только после этого начинали звон все другие колокольни Москвы. За несоблюдение этих правил, в случае если церковный благовест начался ранее соборного, с провинившихся причтов взыскивался штраф.
На рубеже XIX—XX вв. в Москве начинают выделяться звонари, собирающие на одной колокольне колокола определенного строя и виртуозно исполняющие на них целые музыкальные композиции. Звонарь П.Ф. Гедике, звонивший на колокольне Сретенского монастыря в 1920-х гг., отмечал, что из его «колокольного оркестра нельзя изъять ни одного колокола» (это было бы, по его словам, равносильно тому, как у рояля изъять клавишу). Весь комплект колоколов, собранный и сформированный Гедике, представлял редкий образец колокольного оркестра, на котором виртуозный звонарь мог разрабатывать любую музыкальную тему.
После Октябрьской революции церковный колокольный звон насильственно изгонялся из обиходной жизни. Новые условия давали толчок к развитию концертных форм колокольного музицирования. Колокольный звон обрёл черты, присущие светскому искусству. Особой известностью и популярностью в 1920-х гг. пользовался музыкант-звонарь К.К. Сараджев, звонивший на колокольне церкви Марона Пустынника. Слушать его звон горожане специально приезжали из разных концов Москвы. Чрезвычайно интересовался колоколами А.Н. Скрябин. «Колокольностью» пронизаны и многие произведения С.В. Рахманинова.
На рубеже 1920—30-х гг. почти все московские колокола были сданы в Рудметаллторг на переплавку. В 1930 колокольные звоны в Москве были официально запрещены. Лишь на нескольких колокольнях сохранились собственные подборы. На них работал старейший звонарь Москвы В.И. Мошков, который донёс до наших дней традиционный московский колокольный звон конца XIX — начала XX вв. и передал это искусство многочисленным ученикам.
С начала 1990-х гг. в Москве началось возрождение колокольных звонов. Колокольни оснащаются главным образом колоколами современного литья или металлическими билами («пластинчатыми» колоколами). Так, церковь Всех Святых бывшего Алексеевского монастыря (Красносельский переулок) полностью оснащена только билами, звон которых благозвучен и практически неотличим от колокольного. Энтузиастом возрождения бил является металлург А.И. Жихарев (изготовленные им била находятся на многих колокольнях московских храмов).
На сегодняшний день в христианском мире существуют три вида колокольного звона, каждый из которых предъявляет свои требования и к колоколам.
1. Православный звон — в его основе лежат ритм с присущей ему динамикой и взаимодействием тембров. Поэтому в колоколах ценится прежде всего благозвучие (благо-лепие) и богатство тембров, а абсолютное значение основного тона здесь роли не играет. Количество колоколов в звоннице обычно от 5 до 12. Звон осущест-вляется раскачкой языка, к которому предъявляются определенные требования. Благозвучие достигается грамотным подбором колоколов и мастерством звонаря.
2. Католический звон — в его основе лежат одиночные или двойные удары облегченного языка о качающийся или вращающийся колокол, который обычно оснащен противовесом с тем, чтобы центр тяжести проходил через ось вращения.Количество колоколов в звоннице обычно от 2 до 6. По традиции колокола подбираются или отливаются под определенный основной тон с ограниченным количеством обертонов. Отсюда звон сам по себе не так богат и зависит от количества колоколов, а также амплитуды их качания или скорости вращения, поэтому квалификация звонаря особого значения не имеет. В некоторых странах наравне с традиционным звоном практикуется и звон путем раскачки языка.
3. Кариольный звон — в его основе лежит исполнение звонарем мелодий по нотам с использованием набора колоколов, составляющих звукоряд в 2 - 5 полных октав. Звон, как правило, осуществляется клавишным устройством (напоминающим клавиатуру органа). Оно приводит в движение языки или молотки колоколов через механические тяги или электромагнитные приводы. Колокола обычно подтачиваются точно в ноту, при этом стараются убрать лишние обертона и сократить время его звучания до 4 - 5 секунд, иначе это будет мешать исполнению мелодии. Если карильон оснастить автоматическим программным управлением в виде барабана или электромагнитного устройства, то он превращается в куранты.
Карильонная музыка не имеет ничего общего с церковным звоном.. Зная основные отличия православной и западной традиций колокольного звона, легко понять, насколько разные требования они выдвигают к отливке и подбору колоколов для создания цельного звона.
В церкви различают 4 канонических звона: благовест, перебор, перезвон и трезвон.
Благовест — один из наиболее древних звонов Православной Церкви и называется так потому, что несет Благую, радостную весть о начале Богослужения. Этот звон также оповещает о совершении таинства евхаристии на Литургии и о чтении Евангелия в других службах. Благовест может звучать как самостоятельно, так и в составе других звонов.
Перебор — или погребальный (похоронный, проводной) звон выражает грусть и скорбь об усопшем и состоит из двух частей: непосредственно канонической (как такового перебора) и свободной (трезвона).
Перезвон — более сложный по сравнению с благовестом и перебором. Он состоит также из двух частей: канонической (т.е. самого перезвона) и свободной (трезвона). Классически перезвон представляет собой звон поочередно в каждый колокол (по одному или несколько раз в каждый), начиная с большего и до самого малого (иногда с ударом "во вся"), и так повторяют много раз.
Трезвон — наиболее сложный по сравнению с другими каноническими звонами, но и является наиболее ярким в музыкальном отношении выражением колокольного звона, так как трезвон по своей форме не ограничен церковными уставами и поэтому различен как по составу используемых колоколов, так и имеет разнообразную форму исполнения, ритм, фактуру и инструментовку.
Колокольные звоны свершаются только по церковным канонам: в определенный час, определенным образом. Но есть в году одна неделя, когда (не одновременно с церковной службой) дозволяется звонить вдоволь, на радость всему миру. Это – Пасхальная Светлая Седмица. Следует помнить, что церковный колокол – это святыня, которую надо оберегать и чтить всегда. Звон – это украшение храма (собора, церкви), и пусть он будет всегда благолепным!
Билет № 21
Вопрос 1
Большинство критиков разделяют современные музыкальные жанры на три основные направления: поп, рок и рэп, которые в свою очередь уходят корнями в более ранние стили и породили большое количество собственных ответвлений.
Поп – это современная популярная музыка. Это очень широкий термин, охватывающий множество жанров, таких как диско, транс, хаус, техно, фанк, новая волна и другие. Давайте остановимся и рассмотрим особенности каждого из них.
Диско. Не так давно он был самым популярным жанром танцевальной поп-музыки. Ему присуще обилие эффектов, ведущая роль ритм-секции ударных и баса, а так же второстепенное, фоновое звучание струнных и духовых инструментов. 
Транс. Он относится к одному из жанров электронной музыки и примечателен своим высоким эмоциональным воздействием на слушателя. Этот эффект достигается при помощи использования печальных, «космических» мелодий.
Хаус. Так называется танцевальная, полностью электронная музыка. Главным и единственным инструментарием является синтезатор. Отличительная черта этого жанра – наличие зацикленных музыкальных фраз и солирующих мелодий. Широко применяются эффекты.
Техно. Одной фразой можно сказать так: футуристическая музыка большого города. К особенностям техно относятся фантастические мелодии, мрачный металлический звук, «холодный», лишенный эмоциональности вокал.
Фанк. Один из танцевальных жанров, которому присущи четко выделенные доминирующие над всеми остальными инструментами ударники, низкая мелодичность, «неряшливый» ритм.
Новая волна. Жанр популярной музыки, который трансформировался из панк-рока и использует те же музыкальные средства.
Рок как самостоятельный жанр уходит корнями в «черный» американский блюз, который появился в 20-30-х годах. Традиционный блюз состоит из 12 тактов, то есть отрезков композиции, состоящей из нескольких нот, первая из которых имеет ударение или акцент. В основной инструментальный набор блюза входит контрбас или бас, задающий ритм, солирующая гитара, ударные, часто клавишные и духовые. Если быть совсем точным, рок появился из ветви этого жанра – гитарного блюза, в котором уже гораздо меньше клавишных и духовых инструментов.
Появление рока и рок-н-ролла, понятий, которые часто отождествляются, связано с такими музыкантами как Элвис Пресли и группа «Битлз». Первого можно назвать популяризатором этого жанра, в то время как «Битлз» стали теми, кто превратил рок в искусство.
В музыкальном плане рок остался практически тем же блюзом, но смысловое наполнение их отличается: рок – это музыка протеста против общества, власти или чего-то другого.
Рок собрал в себе много поджанров, основными из которых являются софт-рок, хард-рок, поп-рок, фолк-рок, панк-рок, психоделический рок, хэви металл и трэш.
Хард-рок. Дословно это переводится как «тяжелый, жесткий». Этот стиль не спроста имеет такое название, ведь его звучание соответствует, тому как он называется. Тяжесть в хард-роке достигается благодаря доминирующему звучанию громкой и мощной ритм-секции над остальными инструментами. В большинстве случаев «утяжеляются» ударники, бас или ритм-гитара. В хард-роке часто используются эффекты Overdrive и Distortion.
Поп-рок. Популярный рок. Этот стиль отличается хорошей сбалансированностью, использованием всевозможными эффектами и популярных аранжировок. К поп-року можно отнести любую рок-музыку, которая рассчитана на широкую аудиторию слушателей.
Фолк-рок. Это рок-музыка с элементами народной музыки.
Панк-рок. К этому жанру причисляется грубая, часто непрофессиональная, но выразительная музыка, для которой характерны простые, незатейливые, но шокирующие мелодии.
Психоделический рок. Сложная, нешаблонная музыка, переполненная различными эффектами. Эта музыка отличается высоким уровнем эмоционального воздействия на слушателя.
Хэви металлом называется резкая металлическая музыка, которая часто отличается негармоничностью. Она далекая от привычных стандартов.
Трэш. Это очень жесткий жанр, которому присуща сложность и непрерывность мелодий, а так же импровизация.
 Рэп как жанр произошел от танцевальной музыки. Характерные особенности: неровный ритм, сложные эксперименты с ударниками, наличие зацикленных музыкальных фрагментов. Одной из главных особенностей рэпа является отсутствие вокала, который заменяется речитативом. Рэп читают, как стихи, а не поют. Основными инструментами являются ударные и сложный бас, который часто солирует. Часто рэп-музыканты используют эффект scratch - скрип виниловых пластинок.
Вероятнее всего рэп произошел из рэггей – танцевального стиля, возникшего на Ямайке. Эти два стиля имеют много общего: такой же неровный, рваный ритм, наличие закольцованных музыкальных фрагментов, сложный ударник.
Мю́зикл — музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, важную роль играет хореография. Сюжеты часто берутся из известных литературных произведений, из мировой драматургии («Моя прекрасная леди» по Бернарду Шоу, «Целуй меня, Кэт!» по Шекспиру, «Человек из Ламанчи» по Сервантесу, «Оливер!» и «Ночь открытых дверей» по Диккенсу). Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался.
Мюзикл — жанр, как правило, сложный в постановочном отношении и потому дорогой. Многие бродвейские мюзиклы славятся своими спецэффектами, что возможно только в условиях стационарного мюзикла, где спектакли идут ежедневно в течение многих лет, пока они пользуются успехом у публики. В России пример такого наиболее успешного стационарного мюзикла — «Юнона и Авось».
Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров.
По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль.
В России достижения мюзиклов оценивает Национальная премия и фестиваль "Музыкальное сердце театра".
Рок-о́пера — это опера в жанре рок-музыки. Рок-оперы представляют собой музыкально-сценические произведения, где в ариях, исполняемых множеством вокалистов по ролям, раскрывается сюжет оперы. При этом по музыке арии написаны в стиле рок, на сцене могут вместе с солистами присутствовать гитаристы и прочие рок-музыканты.
Рок-оперы могут быть как единоразовой записью, так и постоянно действующим представлением с постоянным или меняющимся составом исполнителей. Часто для записи или живого исполнения рок-опер на главные роли приглашают солистов из известных групп.
Жанр рок-оперы возник в 1960-х годах. Основоположником жанра и изобретателем самого термина «rock opera» считается Пит Таунсенд, лидер рок-группы The Who. Именно этот коллектив в 1969 году выпустил альбом «Томми» (HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/Tommy" \o "Tommy"Tommy), на обложке которого впервые значилось название нового жанра.
Русскоязычные рок-оперы представлены рядом произведений советского периода: «Орфей и Эвридика», «Юнона и Авось» Рыбникова, «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Стадион», «Алые паруса» (А. Богословский, записана ВИА «Музыка» в 1977 г.), так и новыми произведениями: «2032: Легенда о несбывшемся грядущем», «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%AD%D0%BB%D1%8C%D1%84%D0%B8%D0%B9%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F_%D1%80%D1%83%D0%BA%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C" \o "Эльфийская рукопись"Эльфийская рукопись», «Преступление и наказание» Артемьева, «Жанна д’Арк», «Паганини», «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%B5%D0%BD%D1%82%D0%B5%D1%80%D0%B2%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D1%81%D0%BA%D0%BE%D0%B5_%D0%BF%D1%80%D0%B8%D0%B2%D0%B8%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%B5" \o "Кентервильское привидение"Кентервильское привидение», «Царь-Девица», «Последнее испытание», «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9C%D0%B0%D1%81%D1%82%D0%B5%D1%80_%D0%B8_%D0%9C%D0%B0%D1%80%D0%B3%D0%B0%D1%80%D0%B8%D1%82%D0%B0" \o "Мастер и Маргарита"Мастер и Маргарита» Градского, «Ангел Мести» Сергея Ефимова и Достоваловой Дарьи, молодых музыкантов из Иркутской области.
Вопрос 2
Нина Русланова
Людмила Зыкина
Надежда КадышеваСергей Лемешев
Ольга Воронец
Леонид Утесов
Билет № 22
Вопрос 1
Детская музыка — это обширная, разнообразная область музыкального искусства: песня и симфония, опера и балет. Сочиняя музыку для детей и юношества, композитор заботится о том, чтобы ее сюжет был интересен и не слишком труден для понимания. Если его сочинения исполняют сами ребята, он должен учитывать еще возможности детского голоса, знать, что могут сыграть не слишком умелые руки юных музыкантов. Он должен хорошо знать интересы ребят разного возраста: то, что полюбится малышу-дошкольнику, вряд ли увлечет школьника-подростка.
Известными композиторами, сочинявшими музыку для детей являются: Дмитрий Кабалевский, Юрий Чичков, Владимир Шаинский.
Кабалевский Дмитрий Борисович (1904-1983), русский композитор и общественный деятель. Родился в Петербурге 17 (30) декабря 1904. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции Н.Я.Мясковского в 1929. С 1932 и до конца жизни преподавал там же, главным образом композицию. В 1940-1946 был главным редактором журнала 'Советская музыка', в 1949-1952 руководил сектором музыки Института истории искусств в Москве.
С начала 1950-х годов входил в руководящие органы Союза советских композиторов.
Он внёс также вклад в область музыки для детей и юношества, развиваемые им эстетические и идеологические установки в этой области служили в СССР непререкаемой официальной основой детского и школьного музыкального воспитания.
Наибольшей популярностью пользовались сочинения композитора для детей и подростков: триада инструментальных концертов (в том числе фортепианный концерт на тему песни "То березка, то рябина"), циклы фортепианных пьес и песен; в вокальной музыке выделяются часто исполнявшиеся в свое время "Десять сонетов" Шекспира».
Хорошо владея пером, Кабалевский много выступал в периодической печати, написал несколько книг о музыкально-эстетическом воспитании.
В основе большинства произведения Кабалевского — советская тематика. Музыке Кабалевского, связанной с академическими традициями отечественной музыки, свойственно оптимистическое настроение: она идеально вписывалась в каноны «социалистического реализма».
Юрий Михайлович Чичков родился 26 июля 1929 года.Автор популярных песен, среди которых было особенно много для детского исполнения. Кроме того, Ю.Чичков сочинял оперы, оперетты, вокально-симфонические, инструментальные произведения, музыку к фильмам.
В 1949 году Чичков окончил Центральную музыкальную школу при Московской консерватории. После окончания школы был призван в армию. За эти годы окончил два музыкальных вуза: Институт военных дирижёров и Московскую консерваторию по классу сочинения. После службы в армии Юрий Чичков посвящает себя композиторской деятельности. Для детей Юрий Михайлович Чичков написал огромное количество песен. Они стали классикой детского жанра. Творчество для детей, как говорил сам композитор, держится на трёх китах: «Музыка и стихи должны быть услышаны сердцем, в детской песне должно быть заложено доброе, волшебное зёрнышко и самое главное — любовь к детям!»Песни Юрия Михайловича Чичкова звучали на радио и телевидении. Их исполняли как большие, прославленные детские хоры, так и маленькие школьные, солисты-дети и популярные, знаменитые исполнители. Большое количество произведений посвящено школе. Сейчас невозможно представить себе школьный праздник без песен «Одноклассники-однокашники», «Утро школьное, здравствуй», «Детство — это я и ты", "Из чего же, из чего же...", "Наташка-первоклашка", «Наша школьная страна» настолько полюбилась ребятам, что можно сказать стала школьным гимном. Сам Юрий Михайлович как-то сказал: «Открыв» однажды школьную страну, куда не идут поезда, я уже никак не могу её «закрыть», — и в этой «особой» стране всегда столько нового, удивительного…».Юрий Михайлович - Лауреат Государственной премии СССР (1983) и премии Ленинского комсомола, Народный артист РСФСР (1989), Заслуженный деятель искусств России. Умер в 1990 году.
Влади́мир Я́ковлевич Шаи́нский - российский и советский композитор. Народный артист РСФСР (1986)http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A8%D0%B0%D0%B8%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9,_%D0%92%D0%BB%D0%B0%D0%B4%D0%B8%D0%BC%D0%B8%D1%80_%D0%AF%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%BB%D0%B5%D0%B2%D0%B8%D1%87 - cite_note-0 . Лауреат Государственной премии СССР (1981). Известен как автор нескольких десятков песен для детей, в том числе музыки для мультфильмов, среди которых, например, фильмы про Чебурашку и Крокодила Гену.
Родился 12 декабря 1925 года в Киеве.
С 1936 года Владимир Шаинский занимался по классу скрипки в музыкальной школе-десятилетке при Киевской консерватории, однако начавшаяся война прервала учебу, и в 1941 году семья была эвакуирована в Ташкент.
Владимир продолжил музыкальное образование в Ташкентской консерватории, в которой учился вплоть до 1943 года там же стал писать музыку.
После войны в 1945 году Владимир Шаинский поступил в МГК имени П. И. Чайковского на оркестровый факультет.
С 1949 года три года работал в оркестре Леонида Утёсова. Затем преподавал в классе скрипки в музыкальной школе , а в период с 1954 по 1962 год работал оркестровщиком, композитором, музыкальным руководителем различных эстрадных оркестров.
В 1962 году поступил и в 1965 году окончил композиторский факультет Бакинской консерватории .
Первыми произведениями композитора стали струнный квартет, написанный в 1963 году ещё в консерватории, и симфония, созданная в 1965 году.
Наиболее В. Я. Шаинский известен, как автор многочисленных произведений для детей. За годы творческой деятельности он сочинил оперу для детей «Трое против Марабука» (1974 г.), несколько мюзиклов:
«Аз, Буки, Веди» (1975) либретто и стихи М. С. Пляцковского),«Путешествие Нильса» (1984) по сказке Сельмы Лагерлёф, стихи Р. Рождественского),«Восьмое чудо света» (1985)
«Лифт» (1987)
«Джельсомино и пираты» (1988) либретто и стихи А. Гангова,
«По сказкам и континентам» (1989)
«Рэкет» (1993) либретто и стихи А. Гангова)«Жених для приданного» (1994) либретто и стихи А. Гангова).Владимир Шаинский — автор десятков мелодий из популярных художественных и мультипликационных фильмов. Среди них кинокартины: «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%90%D0%BD%D0%B8%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%BD_%D0%B8_%D0%A4%D0%B0%D0%BD%D1%82%D0%BE%D0%BC%D0%B0%D1%81" \o "Анискин и Фантомас"Анискин и Фантомас», «И снова Анискин», «Завтрак на траве», «Школьный вальс», «Финист — ясный сокол», «Пока бьют часы», мультфильмы «Чебурашка», «Шапокляк», «Катерок», «Крошка Енот», «HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A2%D1%80%D1%8F%D0%BC%21_%D0%97%D0%B4%D1%80%D0%B0%D0%B2%D1%81%D1%82%D0%B2%D1%83%D0%B9%D1%82%D0%B5%21" \o "Трям! Здравствуйте!"Трям! Здравствуйте!», музыкальные сказки «2 × 2 = 4», «Площадь картонных часов» и многие другие.
В советской и русской детской музыке Шаинский занял лидирующее место, его музыка по своей роли в формировании и развитии личности ребёнка может быть сравнима с поэзией С. Я. Маршака. В этом смысле Шаинский стал популярнее Д. Б. Кабалевского. Музыка Шаинского пользуется неугасающей популярностью среди любых поколений населения СССР и Российской Федерации. Мелодии Шаинского просты и красивы, напеть и сыграть их может практически любой человек.
Особенно большую популярность имеют персонажи сказок Эдуарда Успенского - Чебурашка и сопутствующие персонажи. Шаинский исключительно точно проработал персонажей Успенского с музыкальной точки зрения, и песенки Чебурашки, крокодила Гены и старухи Шапокляк стали неувядающими хитами.
Вопрос 2
Музыка обладает своим особенным языком, языком звуков. И у нее тоже есть свои выразительные средства. Какой главный элемент музыкальной речи?
Мелодия. Она является основой всякого произведения. Как вы знаете, мелодия может быть разной - плавной и скачкообразной, отрывистой. Это зависит от другого выразительного средства музыки – ритма- это чередование коротких и длинных звуков. Ритм является сильнейшим выразительным средством. Он в очень значительной степени влияет   на  тот   или   иной   характер   музыки.   Плавный   ритм   придает  произведению плавность, мягкость. Прерывистый ритм, основанный на чередовании коротких звуков с еще более короткими, создает ощущение тревоги, взволнованности. Неторопливо-однообразный ритм связывается в нашем воображении со спокойным, размеренным движением и т. д.
Еще одно средство музыкальной выразительности - лад. Слово лад мы часто употребляем в обыденной жизни; говорят: «Как хорошо они ладят между собой» или «Нет, они живут не в ладу». Ладить, значит находиться в согласии. Ладить и, наоборот, не ладить между собой могут не только люди, но и звуки.
Итак, в музыке существуют два основных лада: мажор, минор.
Если спеть подряд мажорную и минорную гаммы, то мы увидим, что мажорная гамма светлая, ясная, минорная же словно затенена легкой дымкой печали. Интересно, что на латинском языке мажорная гамма обозначается словом durus, что означает твердый, минорный - mollis -мягкий.
Следующий элемент музыкальной речи - регистр, т. е. местоположение звуков.
Низкий, средний, высокий.
Еще одно выразительное средство – темп - это скорость исполнения.
Темп бывает: быстрый, медленный, умеренный.
Не меньшее значение имеет тембр - окраска звука.
Каждый человеческий голос имеет свою окраску, свой тембр; свой тембр имеет и каждый музыкальный инструмент. Благодаря тембру, мы можем различить голос человека или музыкального инструмента, не видя его, а только слыша.
И еще одно средство музыкальной выразительности – динамика - сила звучания.
Основных динамических оттенков два: форте, что означает громко и пиано - тихо. Иногда эти оттенки усиливаются. Например, очень громко (фортиссимо) или очень тихо (пианиссимо).
Билет № 23
Вопрос 1
Былины — русские народные эпические песни о подвигах богатырей. Основным сюжетом былины является какое-либо героическое событие, либо примечательный эпизод русской истории (отсюда народное название былины — «ста́рина», «старинушка», подразумевающее, что действие, о котором идёт речь, происходило в прошлом).
Былины, как правило, написаны тоническим стихом с двумя-четырьмя ударениями.
Впервые термин «былины» введён Иваном Сахаровым в сборнике «Песни русского народа» в 1839 году, он предложил его исходя из выражения «по былинам» в «Слове о полку Игореве», что значило устные стихотворные произведения хорового исполнения. Историческая песня зародилась в древности. Далекое прошлое Руси отражено в песнях «Авдотья Рязаночка», «Мать встречает дочь в татарском плену», «Щелкан Дудентьевич».
Исторические песни XVI века разнообразны по тематике, но главной в них была идея единства Русской земли, укрепление централизованного государства. Об Иване Грозном был создан цикл песен «Середи было Казанского царства...», «Вы, молоды ребята, послушайте...», «Поизволил наш царь государь...», «Не сине-то море колыбается...», «Как у нас было в каменной Москве», «Ой да, не быстра речушка шумит...», «Уж ты светлое наше красно солнышко...» Исторические песни о Ермаке «Как на Волге-реке, да на Камышенке», «Во славном понизовом городе Астрахани...», «Что пониже было города Саратова...», «Как на славных на степях было Саратовских».
В исторических песнях XVII века о Борисе Годунове и царевиче Дмитрии, о Ксении Годуновой, о Гришке Отрепьеве, о попе Емеле отражены исторические события смутного времени. Вторая половина века отражена в песнях о Василии Шуйском, о Прокофии Ляпунове, о Минине и Пожарском, об избрании Михаила Федоровича Романова и т. д. Во второй половине XVII века вспыхнуло восстание под руководством Степана Разина. В это время выявляется поэтическое своеобразие исторической песни как жанра. В этих песнях соединился поэтический язык народной лирики и исторической песенной поэзии.
Исторические песни XVIII века, перевод текстов которых осуществляется в наши дни, прославляли Петра I, его военные походы. С XVIII века солдатская историческая песня становится ведущей в русской исторической песенной поэзии. События петровского времени отражены в песнях: «Ах, бедные головушки солдатские...», «Ах, по морю, морю синему», «Собирается православный царь...», «Во далече, во далече во чистом поле» и т. д. В исторических песнях XIX века нашло отражение событие чрезвычайной важности — Отечественная война 1812 года. В войну были ввергнуты крестьянские массы и это послужило поводом для создания народных песен. Песни этого периода отличаются конкретностью описания событий, изображением действительных участников битв. В песнях прославляются полководцы и простые солдаты, партизаны: «От своих чистых сердец», «Как заплакала Россиюшка от француза...», «Заводилася война...», «Наполеон-то, Наполеон шел на Россию воевать», «Был на горке, на горе...», «Ты Россея, ты Россея...», «Вышли с Дону казаки...» В период развития в России капитализма песни рассказывали о рабочих, старателях, фабрикантах. В песнях нашли отражение Крымская (1853–1856 гг.) и Турецкая (1877— 1878 гг.) войны: «Что не ветры, не туманы...», «Вот полночь наступает..». В начале XX века широкое распространение получили рабочие песни: «Сестрорецкий оружейный завод», «Камаринская Саввы Морозова».
Духо́вные стихи́ — русские народные стихотворения-песни на христианские темы и сюжеты. Старинный духовный стих назывался словом (существительным женского рода) пса́льма — по названию псалмов, входивших в состав Псалтири.
Первые дошедшие до нас записи относятся к XV веку, однако наибольшее распространение получили с XVII века. По всей видимости, имеют смешанное происхождение — русское эпическо-былинное и европейское лирическо-песенное. В основном традиция псальм, внеслужебных религиозных песен пришла в Россию с Украины и из Польши в XVI веке.
Изначально исполнителями псальм были паломники во Святую землю, а позднее бродячие слепые певцы. Поскольку духовный стих несет в себе глубокое назидательное, учительное начало, то он, как замечает Ф. И. Буслаев, «изъят из общего ежедневного употребления и предоставлен как особая привилегия только тем лицам, которые тоже будучи изъяты из мелочных хлопот действительности, тем способнее были сохранить для народа назидательное содержание его религиозной поэзии». Вплоть до XIX века бродячие певцы оставались основными творцами и исполнителями духовных стихов в Белоруссии, на Украине, в Болгарии и большинстве регионов России.
Но начиная с XVIII века псальмы получают широкое распространение в среде старообрядцев и сектантов.В этой, более религиозной, среде духовные стихи начинают петься обычными людьми.
Духовные стихи делятся на два типа: «старшие» и «младшие».
«Старшие» — это эпические повествования на сюжеты ветхозаветных, новозаветных и житийных легенд (стихи о Голубиной книге, об Адаме, об Иосифе Прекрасном, царевиче Иоасафе, Алексее Человеке Божьем, о Феодоре Тироне, об Егории Храбром, князе Ефимьяне, о Богатом и Лазаре и т. д.), они близки к былинам.
«Младшие» - отражают влияние силлабического виршевого стиха, проникшего из Польши.
Как правило, псальмы — это песни грустные и покаянные. В них поется о смерти, расставании души с телом, тщете и мимолетности жизни.
В современной России наблюдается повышенный интерес к духовным стихам. Так в 2009 году был выпущен сборник современной духовной поэзии "Отзвуки Небес", который открыл ряд самобытных авторов, продолжающих традиции духовного стихосложения. Сборник был выпущен с благословения епископа Выборгского Назария (Лавриненко) и на сегодняшний день является наиболее серьёзной попыткой систематизировать современную духовную поэзию.
Вопрос 2
Родион Щедрин выделился из числа современников-композиторов. Он стал теоретиком и экспериментатором-практиком в одном лице. И в этом состоит его неоспоримое значение для музыки XX века.
Святослав Рихтер с полным правом считается лучшим пианистом XX века.
Вэна Клайберн американский пианист
Эмиль Гилельс советский пианист. Международные успехи пианиста были неоспоримы. Гилельс был удостоен чести стать почетным членом Лондонской королевской академии музыки. Музыкальной академии имени Ф. Листа (Будапешт), Национальной академии «Санта-Чечилия» (Рим).

Приложенные файлы

  • docx 22677912
    Размер файла: 239 kB Загрузок: 0

Добавить комментарий