Ответы 7-29


Краткая опись по всем стилям мебели– 7, 10, 13, 15, 19, 24, 29;
http://hds-shah.narod.ru/sl/sprmeb.htmhttp://mirmebeli2012.ru/karta-sajtahttp://www.cross-roads.ru/furniture/furniture-style-rococo.html9-й это 10 и 13; 20-й это 19 (маньеризм); 25 –?… ; керамика Египта- 8
http://zkst.ru/blog/egipet/544.htmlХудожественные керамические изделия Египта, расписанные люстром и разными красками фаянсовые и глиняные вазы, чаши и блюда, не редко наряду с растительными и геометрическими темами убраны изображениями животных, птиц, рыб и фигур человека. Особо красивы большие блюда XI века зеленовато-желтые люстровые с большими фигурными образами, которые сделаны в свободной живописной манере. Среди рисунков попадаются фигуры музыканта; человека, который наливает вино в кубок; всадника, а также настоящие и волшебные животные, темы борьбы зверей.
Слово «керамика» произошло от греческого «Keramos», что означает «глина». «Керамика» обозначает изделия из смесей глин, песка и других природных материалов. После приготовления смеси придается нужная форма, после чего заготовки обжигаются при высокой температуре. Керамика - это и один из самых современных и передовых материалов, специальные керамические материалы получают все более широкое распространение в строительстве, электронной промышленности, машиностроении, ядерной энергетике. Керамика также один из самых древних отделочных материалов.
Египтяне раньше других народов средиземного бассейна развили свою керамику. Одним из древнейших производств в Египте было гончарное: глиняные горшки из грубой, плохо перемешенной глины дошли до нас от эпохи неолита (VI-V тысячелетия до н. э.). Изготовление керамической посуды началось, как и в современном Египте, с размешивания ногами глины, политой водой, к которой иногда добавляли мелкорубленую солому - для уменьшения вязкости глины, скорейшего высыхания и предотвращения при этом чрезмерной усадки сосуда. Формовка сосудов в неолитический и додинастический периоды производилось вручную, позднее в качестве вращающейся подставки стали применять круглую циновку - предшественницу гончарного круга. Процесс работы на гончарном круге изображен на росписи в гробнице Среднего царства в Бени-Хасане. Под ловкими пальцами формовщика глиняная масса принимала формы горшков, мисок, чаш, кувшинов кубков, больших сосудов с остроконечным или закругленным дном.
В росписи нового царства сохранилось изображение большого глиняного конуса, сформованного на гончарном круге, - сосуд делают из его верхней части, которую отделяют от конуса бечевкой. При изготовлении больших горшков формовали сначала нижнюю его часть, а затем верхнюю. После того как сосуд был сформован, его сначала сушили, а затем обжигали. Первоначально это делали, вероятно, прямо на земле - на костре. На рельефе в гробнице Тии мы видим изображение гончарной печи из глины, напоминающей расширяющуюся кверху трубу; дверца печи, через которую загружали топливо, расположена внизу. Высота печи на росписи Нового царства в два раза больше человеческого роста, а так как сосуды в нее загружали сверху, то гончару приходилось
Живопись на стенах гробниц в Фивах и Мемфисе, относящаяся к эпохе за 3000 лет до нашей эры, изображает различные приемы при обработке и формовке глины, в сущности те же, что и нынешние. Древнейшие египетские сосуды сделаны из грубой массы, тяжелых форм, но уже далеко превосходят качеством находки из примитивных гробниц западной Европы. Позднее масса становится тонкой, однородной, формы разнообразятся, но мало характерны, напоминая в зародыше античные греческие формы, представляющие как бы изящную и законченную разработку этих грубых моделей. Орнаменты гравированы или рельефны. Кроме посуды и ваз египтяне изготавливали из глины статуэтки, час-то с головами животных, ожерелья, изображения скарабеев, детские игрушки, печати, даже саркофаги и т. д.
В ХIII-ХV столетиях керамическое искусство в Египте снова пережило подъем: изготавливали сосуды с многоцветной тонкой росписью, которая изображала животных и птиц внутри растительных мотивов. Обычаи расписной керамики, как и остальных видов прикладного искусства, оставались в Египте в течение всей эпохи средневековья и теперь образуют основу народных художественных дел.
Процветавшее на протяжении долгого времени искусство средневекового Египта показывает в истории искусства арабских стран большую самобытную школу, которая значила важную роль во взаимодействии художественных культур Западной Европы и Ближнего Востока.
картинки по керамике - http://oldegypt.info/gallerypic-533-19.html Глазурованая керамика -http://www.epochtimes.ru/content/view/36732/5/Египетская мебель - 7
трогая иерархия, являвшаяся основой египетского общества, оказала большое влияние на всё искусство и ремесло, в том числе и мебельное. Придав мебели обтекаемые, стереотипные, можно даже сказать, унифицированные художественные формы.
Вначале только рабы и свободные ремесленники занимались столярным ремеслом. Но позднее специальные мастера начали изготавливать более дорогую мебель, тайна производства которой передавалась от отца к сыну.Для изготовления мебели египтяне использовали в основном привозную древесину: сикомор, оливковое дерево, кедр, тис, чёрное дерево.
Египтяне создали целый ряд типов мебели: табуреты, столы, стулья, ложа, шкафы и сундуки. Особое внимание уделяли конструированию мебели для сидения, которая имела строго определённые формы.
Первой мебелью для сидения у египтян были низкие скамеечки и стулья. Позже в Египте появился стул со спинкой, конструктивная форма которого, стала основой для всех последующих форм стульев. Спинка стульев являлась надёжной опорой для сидящего, ножки делали в форме звериных лап, направленных вперёд.Одним из древнейших примеров «функциональной формы» стал табурет с выгнутой поверхностью, которая соответствовала форме тела.
Ложе представляли собой рамы обтянутые ремнями, опирающиеся на ножки в форме звериных лап. Сверху на рамы можно было класть матрацы и подушки.
Мебель украшали элементами орнаментики, которые имели символическое значение. Гамма цветов ограничивалась красным, чёрным, жёлтым, коричневым, зелёным, голубым и былым. Краски были яркими, и использовались в чистом виде, не перемешиваясь между собой.
Мебельное искусство Древнего Египта свидетельствует о здоровом ярком реализме. Конструкция мебели понятна и логична. Однако египетской мебели присуще определённое однообразие, ограниченное число типов, не меняющиеся столетиями формы.Но, не смотря на всё это, именно Египту мы обязаны созданием основных форм мебели, инструментов и технологии обработки древесины.
http://mirmebeli2012.ru/history/03-mebel-drevnego-egipta.htmlГреческая мебель- 10
Изготовлением мебели занимались ремесленники и предприниматели, которые использовали рабов как дешёвую рабочую силу.
В производстве мебели, греки применяли такие технологии как:
- Рамочно-филеночную вязку;
-Гнутьё древесины с помощью пара;
-Изготовление шпона;
-Интарсию.
В качестве материала использовались: кедр, чёрное дерево, клён, самшит, олива, пальма, орех.Из-за климатических условий и обычаев количество мебели у греков было незначительным.
Вместо шкафов, греки в основном использовали деревянные сундуки различных типов, которые были сделаны из толстых брусков с двускатной крышкой и боковыми фронтонами.
Ложе (клине) напоминало что-то среднее между кроватью и софой, и применялось не только для сна, но и для приёма пищи, после того как появился обычай есть лёжа. Ложе было на высоких прямых опорах, схожими с колоннами или выточенными, часто украшенными волютами.
Для сидения греки использовали скамеечки, обычные и церемониальные стулья.
У скамейки или табурета (дифроса) поверхность для сидения чаще всего была плетёной, ножки четырёхгранные или точёные.
Церемониальное кресло (трон) – это высокая мебель с ножками вставленными в рамку сиденья, спинкой и боковинами.
Лёгкий и элегантный стул (клисмос) имел серповидные ножки, изогнутые задние ножки держали спинку.Так как греки ели лёжа, их обеденные столы были очень низкими, трапециевидной формы, на трёх ножках, которые к низу сужались, изгибались или заканчивались в виде звериной лапы.
Украшали мебель резными или инкрустированными орнаментами, которые сильно раскрашивали. Также для украшения мебели применяли интарсию из серебра, слоновой кости и черепахи.
В орнаментики, которая была чисто декоративной и не имела символического значения, использовались геометрические и растительные элементы.Простота, гармония элементов и благородные пропорции греческой мебели, способствовали её влиянию на мебель других народов. http://mirmebeli2012.ru/history/08-mebel-drevnej-grecii.html вазопись Греции – 11
Древнегреческая вазопись — декоративная роспись сосудов, выполненная керамическим способом, т. е. специальными красками с последующим обжигом. Охватывает период с догреческой минойской культуры и вплоть до эллинизма, то есть, начиная с 2500 г. до н. э. и включая последнее столетие, предшествовавшее появлению христианства.
Древние греки расписывали любые виды глиняной посуды, использовавшейся для хранения, приёма пищи, в обрядах и праздниках. Произведения керамики, оформленные особо тщательно, приносили в дар храмам или вкладывали в захоронения. Прошедшие сильный обжиг, стойкие к воздействиям окружающей среды керамические сосуды и их фрагменты сохранились десятками тысяч, поэтому древнегреческая вазопись незаменима при установлении возраста археологических находок.Благодаря надписям на вазах, сохранились имена многих гончаров и вазописцев, начиная с архаического периода. В случае, если ваза не подписана, чтобы различать авторов и их произведения, стили росписи, у искусствоведов принято давать вазописцам «служебные» имена. Они отражают либо тематику росписи и её характерные черты, либо указывают на место обнаружения или хранения соответствующих археологических объектов.
В зависимости от времени создания, исторической культуры и стиля, древнегреческая вазопись подразделяется на несколько периодов. Классификация соответствует исторической периодизации и различается по стилям.
Древнегреческая вазопись
Протогеометрический и геометрический стили
Около 1050 г. до н. э. в греческом искусстве распространяются геометрические мотивы. На ранних этапах (протогеометрический стиль) до 900 г. до н. э. керамическая посуда расписывалась обычно крупными строго геометрическими узорами. Типичными украшениями ваз являлись также проведённые с помощью циркуля круги и полукруги. Чередование геометрических орнаментов рисунков устанавливалось различными регистрами узоров, отделённых друг от друга огибающими сосуд горизонтальными линиями. В период расцвета геометрики, начиная с 900 г. до н. э., происходит усложнение геометрических рисунков. Появляются сложные в исполнении чередующиеся одинарные и двойные меандры. К ним добавляются стилизованные изображения людей, животных и предметов. Колесницы и воины во фризообразных процессиях занимают центральные части ваз и кувшинов. В изображениях всё чаще преобладают чёрные, реже красные цвета на светлых оттенках фона. К концу VIII в. до н. э. такой стиль росписи в греческой керамике исчезает.
Ориентализирующий период
Начиная с 725 г. до н. э. в изготовлении керамики лидирующее положение занимает Коринф. Начальный период, которому соответствует ориентализирующий, или иначе протокоринфский стиль, характеризуется в вазописи увеличением фигурных фризов и мифологических изображений. Положение, очерёдность, тематика и сами изображения оказались под влиянием восточных образцов, для которых были прежде всего характерны изображения грифонов, сфинксов и львов. Техника исполнения аналогична чернофигурной вазописи. Следовательно, в это время уже применялся необходимый для этого трёхкратный обжиг.
Чернофигурная вазопись
Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожжёной глине. Мелкие детали прочерчивались штихелем. Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья (т. н. пальметты). После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала чёрный цвет. Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур.
Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика».
Впервые мастера гончарного дела и художники-вазописцы стали с гордостью подписывать свои произведения, благодаря чему их имена сохранились в истории искусства. Самым знаменитым художником этого периода является Эксекий. Кроме него широко известны имена мастеров вазописи Пасиада и Хареса. Начиная с 530 г. до н. э. с появлением краснофигурного стиля чернофигурная вазопись теряет свою популярность. Но и в V в. до н. э. победителям спортивных состязаний на так называемых Панафинеях вручались панафинейские амфоры, которые выполнялись в чернофигурной технике. В конце IV в. до н. э. даже наступил короткий период ренессанса чернофигурной вазописи в вазописи этрусков.
Краснофигурная вазопись
Краснофигурные вазы впервые появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику впервые применил живописец Андокид. В отличие от уже существовавшего распределения цветов основы и изображения в чернофигурной вазописи, чёрным цветом стали красить не силуэты фигур, а наоборот фон, оставляя фигуры незакрашенными. Отдельными щетинками на неокрашенных фигурах прорисовывались тончайшие детали изображений. Разные составы шликера позволяли получать любые оттенки коричневого. С появлением краснофигурной вазописи противопоставление двух цветов стало обыгрываться на вазах-билингвах, на одной стороне которых фигуры были чёрными, а на другой — красными.
Краснофигурный стиль обогатил вазопись большим количеством мифологических сюжетов, кроме них на краснофигурных вазах встречаются зарисовки из повседневной жизни, женские образы и интерьеры гончарных мастерских. Невиданный прежде для вазописи реализм достигался сложными в исполнении изображениями конных упряжек, архитектурных сооружений, человеческих образов в три четверти и со спины.
Вазописцы стали чаще использовать подписи, хотя по-прежнему на вазах преобладают автографы гончаров. Гончары оставляли подпись в виде своего имени в сочетании с глаголом др.-греч. ἐποίησεν (epóiesen — он сделал), а вазописцы — др.-греч. ἔγραψεν (égrapsen — он нарисовал). Если вазописец сам изготовлял сосуд для росписи, то он ставил оба «штампа». Благодаря подписям удалось атрибутировать многие произведения гончарного искусства конкретным мастерам, одновременно составив представление об их творческом развитии.
Уже в V в. до н. э. в нижней Италии возникли знаменитые мастерские, работавшие с этим стилем вазописи и конкурировавшие с вазописными мастерскими в Аттике. Краснофигурный стиль копировался и в других регионах, где однако не получил особого признания.
Лекиф, выполненный в технике по белому фону. Гипнос и Танат выносят тело Сарпедона с поля боя в Трое. 440 г. до н. э. Британский музей. Лондон
Вазопись по белому фону
Для росписи ваз в этом стиле в качестве основы использовалась белая краска, на которую наносились чёрные, красные либо многоцветные фигуры. Эта техника вазописи применялась преимущественно в росписи лекифов, арибалов и алабастронов. Вазы-гнафии, названные по месту первого их обнаружения в Гнафии (Апулия), появились в 370—360 гг. до н. э. Эти вазы родом из нижней Италии получили широкое распространение в греческих метрополиях и за их пределами. В росписи гнафий по чёрному лаковому фону использовались белый, жёлтый, оранжевый, красный, коричневый, зелёный и другие цвета. На вазах встречаются символы счастья, культовые изображения и растительные мотивы. С конца IV в. до н. э. роспись в стиле гнафии стала исполняться исключительно белой краской. Производство гнафий продолжалось до середины III в. до н. э.
Вазы из КанозыОколо 300 г. до н. э. в апулийской Канозе возникло регионально ограниченный центр гончарного производства, где керамические изделия расписывались водорастворимыми, не требующими обжига красками по белому фону. Эти произведения вазописи получили название «канозских ваз» и использовались в погребальных обрядах, а также вкладывались в захоронения. Помимо своеобразного стиля вазописи для канозской керамики характерны крупные лепные изображения фигур, устанавливаемые на вазы. Канозские вазы изготовлялись в течение III и II вв. до н. э.
Вазы из Чентурипе Как и в случае с каносскими вазами, чентурипские вазы получили лишь местное распространение в Сицилии. Керамические сосуды составлялись воедино из нескольких частей и не использовались по своему прямому предназначению, а лишь вкладывались в захоронения. Для росписи чентурипских ваз использовались пастельные тона по нежно-розовому фону, вазы украшались крупными скульптурными изображениями людей в одеждах разных цветов и великолепными аппликативными рельефами. На чентурипских вазах изображались сцены жертвоприношения, прощания и погребальных обрядов.
Центры вазописи
Наиболее значимыми центрами гончарного искусства — и соответственно вазописи — в Греции считаются Афины и Коринф в Аттике. Получили известность также вазы из Беотии и Лаконии.
Благодаря греческим колониям в нижней Италии их гончарное искусство и вазопись распространились и в этом регионе. Начиная с VIII в. до н. э. греческая керамика имитировалась итальянскими мастерами, возможно, благодаря осевшим в Италии греческим мастерам. Начиная с IV в. до н. э. в Италии получает развитие собственный стиль, отличный от греческих образцов. Вазопись нижней Италии отличается своими размерами и богатством декора, в котором в дополнение к традиционным цветам использовались белая и красная краска.
Вазы расписывались преимущественно на мотивы из жизни греческих богов и героев, однако присутствуют и бытовые сцены. На многочисленных сохранившихся вазах, к примеру, изображены свадебные пиршества или сцены из жизни атлетов. Часто на вазах встречаются и эротические сцены. Особой формой нижне-итальянского стиля вазописи считаются «наисковые вазы», получившие своё название соответственно по изображённым на них наискам и предназначавшиеся для погребальных ритуалов.
http://ru.wikipedia.org/wiki/Вазопись_Древней_ГрецииРимское прикладное иск-во -12
История Древнего Рима охватывает период с VIII века до нашей эры по V век н.э. Древние римляне оставили после себя грандиозные архитектурные ансамбли, сооружения потрясающей инженерной техники, реалистичекий портрет в скульптуре, высокие образцы монументальной живописи и произведения прикладного искусства. Римское искусство многое взяло, творчески переработав, у Древней Греции, но вырасло оно на земле, где уже была собственная древнеиталийская культура, начало которой восходит к III тысячелетию до н.э. и в которой наиболее интересным и развитым было искусство этрусков. Используя иноземные достижения, римляне во многих областях превзошли своих учителей, подняв общий уровень собственного развития до небывалых высот.В свою очередь, римская культура в пору расцвета оказала влияние на последующее развитие Европы.
Раскопки показывают дату возникновения Рима. По преданию, он был основан 21 апреля, в день праздника пастушеской богини Палее, в 753 году до нашей эры. И действительно, первые следы поселения датируются археологами VIII веком до н.э.
Искусство Древнего Рима прошло долгий и сложный путь развития, изменяя свой характер и границы распространения. Древнейшие памятники на территории Италии относятся к периоду палеолита.В VI веке до н.э. сооружается храм Юпитера Капитолийского.
В Республиканский период (конец VI века до н.э.- 1 век до н.э.) начинается подъем искусства Рима.Широко развивается архитектура, около Рима созданы крепостная стена, Апиев водопровод, Апиева дорога. Центром общественной жизни стал Форум – площадь, созданная в болотистой долине, осушенной каналом. В период Республики формируется искусство точного скульптурного портрета. Завоевание в III веке до н.э. греческих городов на юге Италии дало толчок к широкому проникновению в искусство Рима греческой художественной культуры. Старые традиции римского искусства сочетались с искусством новых провинций.
В период Ранней Империи в искусстве развивается парадное, тяготеющее к роскоши, направление. В Римской архитектуре складываются типы парадно-триумфальных сооружений (арки, колонны).В строительстве широко используются купола, крестовые своды. изобразительном искусстве достигаются небывалые в Древнем мире острота портретной индивидуальности, богатство, сложность в передаче пейзажа. Усиление Рима как средиземноморского государства обусловило расцветмонументального зодчества. Создается Форум Мира, строятся Колизей, Арка Тита, а также огромный стадион на Марсовом поле. Между холмами Эсквилин, Целий и Палатин величественно возвышается амфитеатр Флавия под названием «Колизей».
Строительство Колизея началось при императоре Веспасиане в 72 году н.э. на месте, где ранее находилось искусственное озеро великолепного дворца Нерона под названием «Золотой Дом».
Предание гласит, что римляне были очень довольны строительством этого монументального сооружения, поскольку не любили дом тирана. В 60 году при Тите Флавии состоялась пышная церемония открытия, по случаю которого были объявлены стодневные игры, во время которых бились несколько тысяч гладиаторов. Завершенный в значительной мере при императоре Домициане и отреставрированный в эпоху Септимия Севера, Колизей в течение многих веков продолжал оставаться символом величия и мощи Рима.
Как уже говорилось выше, в период Ранней Империи в искусстве развивается парадное, тяготеющее к роскоши и пышности, направление. Распространившись по всей Римской империи, оно служило целям пропаганды и утверждения существующего строя. Создаются предназначенные для людских масс монументальные постройки с величественными фасадами, огромными внутренними помещениями (форумы, термы,театры,цирки). С началом кризиса Римской рабовладельческой системы развитие архитектуры приостанавливается. Скульптура преобретает новые черты. Особое развитие преобретает портрет, в котором с психологической глубиной и точностью раскрывается духовный мир человека.
К V веку в искусстве Рима со всей отчетливостью сказался распад античной культуры. Под воздействием христианской идеологии утрачивается представление о цельности человеческого образа, в котором главную роль начинает играть духовное содержание. Реалистические принципы античного искусства вытесняются средневековой условностью, жизненные образы – каноническими изображениями святых.
Искусство Древнего Рима сыграло огромную роль в истории художественной культуры многих стран Европы, Азии и Африки. Историческое значение искусства Рима заключается в создании реалистического портрета и в больших успехах архитектуры: римскими зодчими были созданы новые типы домов и общественных зданий, предназначенных для огромного количества народа, введены новые декоративные приемы.
К искусству Древнего Рима неоднократно обращались художники последующих времен.
Изобразительное искусство Римской империи впитало в себя достижения всех завоеванных земель и народов.Дворцы и общественные здания украшались настенными росписями и картинами, главным сюжетом которых были эпизоды римской мифологии.Римская живопись, отталкиваясь непосредственно от греческих образцов, использовала различные возможности для пластического изображения. О живописи эпохи Римской империи мы можем судить прежде всего по фрескам, покрывавшим стены домов знати. Неплохо сохранились фрески некоторых вилл города Помпеи, засыпанных пеплом в результате извержения вулкана Везувий.В отличие от Греции, искусство Рима использовалось не для выражения возвышенных чувств и идей, а для демонстрации богатства и престижа.Многие произведения искусства представляли собой прекрасно выполненные копии классических греческих и эллинских произведений искусства.
Общими характеристиками древнеримского искусства являются: отсутствие оригинальности, пропагандистский характер, практическая ориентация, чувство реальности и интерес к человеческой личности.Постепенно образ человека, утратившего этический идеал в самой жизни, утратил гармонию физического и духовного начала, характерную для античного мира.
Быт древних римлян был абсолютно современным – водопроводные системы на десятки километров, дороги, мосты, сточные канавы - праобраз канализации. Римкий театр, в отличии от греческого – это уже отдельное здание, впервые в нем появляется сцена. Римляне усовершенствовали архитектуру жилых домов. Очень важной декоративной частью римского дома были мозаичные полы, от простых, использующих белую гальку, до тончайших мозаик. Были в Риме и ремесленные кварталы, в которых жила городская беднота на узких, густонаселенных улочках, в домах, имевших до 5 этажей.
Прикладное искусство достигло в Древнем Риме высокого развития: резные и чеканные золотые и серебряные чаши, сосуды из стекла, оправленного в золото, прекрасные ткани украшали интерьеры домов в Риме.
мебель Рима – 13Роскошному римскому оформлению домов соответствовали и предметы мебели. Участие в изготовлении мебели принимали не только столяры, но и другие ремесленники. Конечно, как и в других странах, основной рабочей силой были рабы. На высоком уровне у римлян была столярная техника, это поспособствовало созданию практически всех ручных столярных инструментов, которые есть в наше время.
По своей сохранности, римская мебель очень напоминает греческую, а именно: все деревянные предметы мебели не сохранились до наших времён. Дошли лишь мраморные и бронзовые предметы, также дошли разнообразные изображения.
Для изготовления предметов мебели, обычно использовали такие породы деревьев как: клён, кедр, ясень, олива, туя. Для интарсии использовали – пальму, самшит, чёрное дерево, платан. Стремление римлян к роскоши подтолкнуло их к использованию в работе серебра, золота, слоновой кости, мрамора, панциря черепахи, бронзы. Довольно часто изделия полностью отливались из бронзы или высекались из мрамора.
В период, когда правил легендарный Август, римляне для украшения предметов мебели использовали растительные орнаменты: мотивы листьев аканта, фруктов, гирлянд, виноградных гроздьев. Очень симметричными и стилизованными были комбинации вьющихся побегов, цветов и листьев. Также использовали изображения зверей, фигуры сфинксов, львов, крылатых хищников, орлов, особенно эти изображения применялись в спинках и ножках стульев. Кстати именно в мебели римлян впервые применили осознанную стилизацию.
Для декорирования предметов мебели кроме резьбы, применяли такие способы как гравировка, золочение, облицовка, роспись, инкрустация. Образцами для таких декораций являлись поздние формы предметов мебели Древней Греции, но всё же римляне изготавливали мебель более декоративной и богатой, при этом тщательно прорабатывали самые мелкие детали.
Древнеримскую мебель можно разделить на виды: деревянная мебель, которую украшали резьбой, интарсией дерева различных пород, позолотой, инкрустацией золотом, фаянсом, серебром, фаянсом и мебель, которая изготовлялась из цветного или белого мрамора с мозаичными столешницами, также как вид можно рассматривать бронзовую мебель.
Всю мебель у древних римлян, которая была предназначена для сидения, обозначали с помощью одного слова "селла" (sella). В этих типах мебели неизменными остались складной стул, табурет и кресло. Табуреты, которые изготавливали без спинки, делали из бронзы или дерева с уточенными ножками. При изготовлении таких стульев или табуретов сразу было заметным технология литья бронзы этрусских народов. Курульным (sella curulis) – называли кресло, у которого было плоское сиденье из металла или слоновой кости на X-образных искривлённых ножках. Сидеть на подобных креслах имели право только наивысшие чины иерархии Древнего Рима, такие как консулы, преторы и т.п. Также существовало курульное императорское кресло (sella imperatoris) которое имел право использовать только император. Катедрой (kathedra) – называли стулья со спинкой, которые были созданными на основе греческого клисмоса. Это было громоздкое сиденье, но при этом достаточно удобное и предназначалось оно для римской знати. Солиумом (solium) называли почётные кресла, которые предназначались для глав аристократических семейств, как и императорские троны. Эти троны имели постоянное место для своих владельцев в термах, храмах и других общественных домах. Троны, как правило, изготавливали с подлокотниками, устанавливались они на высоких ножках, которые были изготовлены в виде звериных лап. Спинку трона изготавливали таким образом, чтобы оно доходила до плеч сидящего на троне человека, а в некоторых случая спинка была выше. Также стоит отметить, что спинки всегда были богато украшены. Кресла обычно устанавливали на невысокий постамент и дополняли специальной скамеечкой для ног (scabellum). Обычно такие кресла высекали из мрамора.
Скамьи (scarnnum) отличались простотой и также использовали для сидения. Известно также о существовании скамьи с подлокотниками и со спинкой, как правило, такие скамьи стояли в атрии домов зажиточных людей. Эта скамья была предназначена для того, чтобы гости или жители, которые пришли с улицы, могли садиться на неё и смывать пыль с ног. Также существует такая скамья как bisellium, это парадная скамья, которая относила к мебели особого назначения. Рассчитана эта скамья была на двоих человек, но, тем не менее, пользовался ею только один, это являлось, как бы было знаком, который указывал на возданную ему почесть.
В Древнем Риме в использовании были троны и кресла, как греческого типа, так и римского типа. В первом варианте кресла и троны не имели подлокотников, а для второго типа подлокотники были характерны. В креслах Древнего Рима ножки заменялись боковинами, которые покрывали резьбой. Спинки кресел были особой изогнутой формы, что было весьма удобным для сидящих людей. Такие кресла имеют аналоги в этрусской мебели для сидения. Также к римским распространённым формам мебели для сидения можно отнести складные стулья, аналог таких стульев можно встретить в египетской мебели. Также существовала плетёная мебель, которую плели из ивовых прутьев. Известна такая мебель была в Риме ещё примерно в III веке до н.э. Такая мебель отличалась совершенной формой и прекрасным исполнением.
Народ в Древнем Риме, как и народ Древней Греции, большинство своего времени любили проводить в постели. В постели они не только отдыхали и спали, в постелях они ещё принимали пищу, писали, читали, заключали различные сделки. Соответственно это и поспособствовало созданию различных типов ложа (lestus tricliniaris). Вокруг обеденных столов римляне устанавливали три кровати, на каждой кровати могло сидеть три человека. На этих кроватях, которые носили греческое название "клине", во время приёма пищи обычно лежали. А вот с четвёртой стороны стола кровать не ставили – эта сторона оставалась свободно и была предназначена для подачи блюд. Стол, вокруг которого устанавливали три кровати, называли триклиниумом. Именно так и начали называть и обеденную комнату. Когда популярными стали круглые столы, кровати начали изготавливать полукруглой формы, и поэтому "сигма".
Традиционную кровать (lestus), как правило, изготавливали из дерева, эта кровать имела богатую драпировку и мягкую обивку. Утончённые ножки держали на себе четырехугольную раму из дерева, с низким изголовьем. Интарсия, профилированные поперечины и бронзовые украшения на рамах кровати придавали особую роскошь и красивый вид. При раскопках Помпеи и Геркуланумы были обнаружены бронзовые кровати, которые сохранили профиль точёных частей из дерева в своих литых формах.
Столы у римлян играли очень большую роль и имели разнообразное предназначение. Интересно, что столы могли менять вместе со сменой блюд на столе. Поэтому их делали достаточно лёгкими и подвижными. Как правило, для такого предназначения использовался стол на трех ножках, он очень был подобен греческой форме стола. Ножки стола чаще всего изготавливали из бронзы, и делали в форме звериных лап. В Древней Греции ножки стола лишь заканчивались формой копыт или звериных лап, в Древнем Риме же абсолютно всю ножку делали в виде фигуры животного. Также можно было встретить комбинации копыт или звериных лап с элементами фигур льва, листьев аканта, сфинксов или грифа. В целом композиция изделий благодаря динамичности и богатству форм получалась довольно интересной.
Круглые столы, изготовленные из мрамора, часто закреплялись на трёх ножках. У столов прямоугольной формы вместо отдельных стоящих ножек использовали две боковины, сделанные из мрамора, эти боковины очень сильно выделялись с помощью рельефной резьбы, которая изображала фигуры львов, грифонов, волюты, орлов и т.п. Такие столы называли картибулы (gartibulum). Столешницу в столах-картибулах делали гладкой. Иногда её украшали с помощью мозаики или каменной инкрустации. Самой лучшей породой деревьев для изготовления столешниц считали тую (в Древнем Риме она называлась citrus), которую привозили из Африки. При более дешёвом изготовлении столов столешницы делали облицованными.
Такого предмета мебели как шкаф в домах древних римлян практически не было. Шкафы являлись предметами, которые больше подходили для обстановки мастерских и лавок. В шкафах сапожников использовались рамочно-филенчатые двери, это свидетельствовало о достаточно высоком уровне конструктивных решений. Вместо шкафов в доме римлян использовали лари и сундуки, которые применяли для хранения различных предметов. Арка являлась одним из видов сундуков, и этот вид имел постоянное место в атрии. Сверху арку обивали железом. Этот сундук был предназначен для хранения ценных вещей и представлял собою как бы несгораемый сейф античности.
Интерьер римлян украшался множеством бронзовых предметов и железных предметов: канделябрами, светильниками, треножниками, небольшими столиками и др. Многие предметы из этого перечня оставались в виде наследства от этрусков, но, тем не менее, изобретательные и находчивые римляне с высоким уровнем мастерства их усовершенствовали. Канделябры были в виде массивных гранёных стержней, завитки которых расходились вверх и предназначались для подвешивания лампочек. Треножники были предназначены для того, чтобы поддерживать блюда-жаровни и по форме их создавали разные. Светильники, обычно делали в виде длинных и тонких стержней, стержни устанавливали на подставке, которая стояла на трёх лапках, между которыми были пальметки. Стержень украшали каннелюрами, это в свою очередь придавало стержню красивую и лёгкую форму. Вверху размещали лампады, которые имели форму вазочки.
В целом древнеримские мастера по изготовлению мебели достигли достаточно высокого уровня, не смотря на то, что римляне не обладали прирождённым утончённым вкусом, как люди в Древней Греции. Ясность и простота греческих форм подменялась вычурностью декораций. В предметах мебели преобладал эклектизм. Основные формы древнегреческой мебели римляне практически не изменяли и ничего не добавляли, римляне больше внимания уделяли богатому оформлению предметов мебели.
Бесконечные войны и тяга к роскоши не могли не отразиться на характере производства мебели. Основная тема орнаментов - военные трофеи. Основной материал мебели Древнего Рима – мрамор, дерево и бронза. Мебель по своему составу и материалам была такой же, что и в греческом жилище, но отличалась более сложной формой и насыщенным декоративным оформлением. Изделия из кедра, туи, оливы, клена, ясеня украшали резьбой, инкрустацией из фаянса, слоновой кости, панциря черепахи, металлов.Картинки - http://mirmebeli2012.ru/history/10-mebel-drevnego-rima.html4 помпейских стиля живописи – 14
http://gabriela12.ya.ru/replies.xml?item_no=183Собственно, название "стиль" не совсем верное, скорее, это системы декорирования жилых домов и общественных зданий. Положил начало этой классификации немецкий археолог и историк искусства Август Мау. Еще в 1860-х годах он начал участвовать в раскопках древних Помпей, а после переезда серьезно занялся изучением настенной живописи этого города. Двадцать пять лет Мау отдал Помпеям, проводя лето в археологических изысканиях, а зиму - в систематизации и анализе полученного материала.
На основании своих исследований Мау написал несколько книг и множество статей в научные журналы, в которых сначала предложил, а затем развил свою гипотезу о делении помпейских (и в широком смысле - древнеримских) фресок на 4 так называемых "стиля".
- инкрустационный (2 век до н.э. – 80-е годы 1 века до н.э.)
- архитектурный (или перспективный) ( с 80-х годов до н.э. – 20-х годов 1 века н.э.)
- орнаментальный (или стиль канделябров )(с 15 года н.э. )
- декоративный или иллюзорный (развивался почти параллельно со стилем канделябров).
1 стиль
Называемый также "инкрустационным" ("структурным"), был распространен в 200-80 г. до н.э. (эпоха Римской республики).
Он характеризуется т.н. "рустованной" кладкой или облицовкой стен - крупными камнями с рельефной, нарочито грубой поверхностью. Часто облицовка имитировалась лепкой архитектурных деталей из штукатурки "под мрамор". Подобное оформление дома придавало ему строгий, изысканный, благородный вид, владельцы некоторых аристократических городских усадеб сохраняли такую отделку столетиями, лишь подновляя ее время от времени. Стена ярко расписывалась, подражая кладке стены из плит яшмы, цветного мрамора и других камней – темно-красного, желтого, черного, белого. То есть, имитировала цветные мраморные панели. Применялся в основном при росписи цоколей и обрамлений. Характерны выступающие детали: карнизы, пилястры, вылепленные из стука. Стук – это гипсовая лепнина (точнее, смесь гипса, мраморной крошки и клея), имитирующая мрамор. Простые пластические полихромные средства.. Создавались многочисленные цветные мозаики из огромного количества маленьких каменных кубиков. Дом Фавна. Мозаика "Битва Александра с Дарием".
Образцы этого "стиля" сохранились в Доме Фавна и Доме Саллюстия . Несмотря на то, что к моменту гибели города данный "стиль" уже не был в моде, хозяева этих домов заботливо реставрировали их, не меняя раз избранного дизайна. В отличие от них, владельцы Дома Диадуменов (IX, 1, 20. Casa dei Diadumeni), например, или Дома Хирурга (VI, 1, 7, 10-23. Casa del Chirurgo) следовали моде на оформление жилища, и элементы первого "стиля" в этих зданиях либо были заштукатурены, либо сохранились весьма фрагментарно. 2 стиль
"Архитектурный" ( " перспективный") - по мнению Мау, главенствовал в оформлении помпейских жилищ в 80 г. до н.э. - 15 г. н.э. В отличие от первого стиля здесь архитектурные элементы изображались не лепкой, а росписью, рельеф отсутствует.
Росписи второго "стиля" можно условно разделить на несколько этапов, каждая из которых характеризуется все более усложнявшимся деталями декорации. Гирлянды и маски раннего этапа сменяются колоннами и пилястрами, основную площадь стены теперь занимает композиция. С развитием стиля художники начинают изображать пейзажи, создавая в помещениях иллюзию пространства, вводят множество фигур людей, часто используя мифологические сюжеты. Декорации как бы раздвигают стены дома и увеличивают пространство интерьера. Между колоннами появляются стенные картины часто воспроизводящие произведения греческих художников. В их композициях раскрываются перспективы улиц, домов, ландшафты гор и равнин.Характерные приемы создания глубины пространства:Иллюзия проломов встене, Закрытые или чуть приоткрытые двери, за которыми видны фигурки людей.
Во многих домах Помпей сохранились фрески второго "стиля". Например, в Доме Лабиринта , где они соседствуют с росписями первого "стиля", в Доме Серебряной Свадьбы второй "стиль" был со временем дополнен четвертым, в Доме Юлия Полибия) - третьим. Кроме Помпей, второй "стиль" представлен в помещениях близлежащих вилл - в Оплонтисе и Боскореале.
3 стиль
Мау назвал его "орнаментальным стилем"( Стиль Канделябров) (ок. 15 г. до н.э. - 40 г. н.э. в Риме, 62 г. н.э.- Эпоха ранней империи) он закономерно вырос из второго, однако при этом утратил иллюзорную перспективу последнего. Архитектурные детали здесь уже не подчеркиваются, становясь все более условными. Делившие во втором стиле плоскость стены пилястры и колонны истончаются, превращяясь в канделябры. В этот период Рим подпадает под египетское культурное влияние - в империи появляются египетские вещи, распространяются египетские культы. Живопись третьего "стиля" так же не избежала подобных мотивов - в орнаментах появляются цветки лотоса, египетские божки и сфинксы.
Условно третий "стиль" можно разделить на две фазы. В первой фазе стена представляет собой панно, разделенное на три части, с монохромным фоном, украшенных картиной-клеймом (как вариант: картина расположена только в центральной части), во второй фазе в верхнем ярусе стены появляются легкие архитектурные построения. Сюжетами центральных миниатюр среднего яруса стены служили в основном мифологические сцены и пейзажи.
Содержание их уже не так активно действует на зрителя, как в предыдущем стиле, они больше созерцательные, окутанные дымкой. Используются яркие чистые цвета, мягкие тональные переходы. Почему этот стиль называют еще и стилем канделябров? А потому, что в росписи стен появляется новый орнаментальный мотив – ажурное сооружение, напоминающее высокий металлический канделябр – он разделяет фрагменты росписи.В общем и целом, третий помпейский стиль создает ощущение интимности и уюта комнат. Он был предметом подражания в европейском искусстве (рококо). Изысканный орнаментализм. Стена вновь приобрела плоскостной характер, функцию ограждения человека от внешнего мира.
Прекрасные образцы третьего "стиля" сохранились в Доме Марка Лукреция Фронтона, Доме с Театральными Картинами и в комнатах Императорской виллы -
4 стиль
Четвертый помпейский "стиль" (примерно с 63-62 г.) имеет несколько названий - "иллюзорный", ("фантастический", "перспективно-орнаментальный"). В некотором роде эта система - сочетание второго и третьего "стилей". Архитектурные элементы, характеризовавшие второй "стиль", мастера четвертого преувеличивали, превращая их в вычурные театральные декорации, не подчиняющиеся законам физики. Орнаментальность третьего "стиля" стала пышнее, помпезнее и, сочетаясь с фантастической архитектурой и великолепными картинами на мифологические темы, создавала то богатство живописного оформления, которое присуще этой системе росписей.
Популярность к этому "стилю" закономерно пришла после землетрясения в 62 г. н.э., когда многие дома были сильно повреждены и требовали не только отделки, но и восстановления. Следящие за модой хозяева разрушенных и пострадавших домов не преминули воспользоваться прекрасной возможностью внести в дизайн своих жилищ современные ноты.
Великолепные образцы росписей четвертого "стиля" дошли до нас в роскошных домах VI района - "заповедника" аристократических усадьб: например, в Доме Мелеагра Доме Поэта-трагика Доме Веттиев и др.
Сочетание росписи и рельефа из штукатурки - это тоже примета четвертого "стиля", хотя монохромные стуковые рельефы появились уже в арсенале третьего. Элементы подобного декора изготовляли из извести, смешанной с мраморной крошкой. Фигуры чаще всего оттискивали в формах, но могли лепить и от руки.
Но он резко отличается от предыдущих стилей динамичностью пространственных композиций картин, их нарочитой театральностью, обилием фигур, находящихся в сильном движении и тела, и души. Также часто заметно отсутствие чувства меры, перегруженность деталями.
Например, рельефный фриз на тему "Илиады" в Доме Ахилла, или Троянского алтаря вылеплен вручную, фон выкрашен в голубой цвет, а фигуры аккуратно обведены и остались незакрашенными.картинки - http://ulli-u.livejournal.com/71993.htmlСредневековье – интерьер- 15
В Западной Европе, где тон жизни задавало немногочисленное городское население, жилой дом и его интерьер получили иные формы, пространственные и эстетические характеристики, отражавшие черты романского и готического архитектурных стилей. Типичными жилыми постройками были двухэтажный дом подмастерья и дом мастера или купца, как правило трехэтажный. Теснота застройки средневекового города заставляла развивать внутреннее пространство домов вверх, а также за счет небольшого выдвижения объема дома на уровне второго этажа в сторону улицы. Внизу находились хозяйственные и торговые помещения, мастерские, выше - - жилые комнаты и чердак, используемый как склад. Центром вертикальной композиции внутреннего пространства дома являлся второй этаж, где располагалось жилое помещение с очагом. В домах знатных и богатых лиц небольшие жилые помещения второго этажа группировались вокруг центрального парадного зала с очагом, а третий этаж составляли маленькие жилые комнаты прислуги.
В отличие от античного жилого дома исчезло деление на женскую и мужскую половины, жилище перестало быть замкнутым мирком, внутренний двор потерял свое прежнее значение. Семью объединял общий очаг, который использовали и для обогрева, и для приготовления пищи. Для этого он устраивался открытым с вытяжным козырьком. В вечернее время очаг давал дополнительное освещение.
Парадные залы богатых домов иногда украшались стенными росписями, декоративными тканями, цветными витражами. Но в целом в это время даже парадные помещения сохраняли простоту и суровость убранства. Мебель была грубовата по форме и малочисленна — скамьи, сундуки, которые служили и кроватями, табуреты, стулья с высокой спинкой, простые шкафы. Мебель украшалась резьбой, росписью, железными накладками.
Со временем в парадных помещениях появились эркеры, украшенные цветными витражами, дубовая обшивка стен, полы, выложенные керамическими плитками, драпировки и тканые ковры - - шпалеры на стенах. Кирпичное производство вытеснило очаг, и появился камин, завершающийся пирамидальным колпаком. Мебель стала разнообразней. Появились большие и тяжелые шкафы, буфеты, этажерки, ширмы, широкие кровати с балдахинами. Ее украшали резьбой. На столах и полках стояла металлическая, керамическая, цветная стеклянная посуда — кувшины, подносы, блюда, кружки и т.д.
Внутри средневекового жилища (будь то замок знатного феодала, или дом простого горожанина) было сумрачно и не очень просторно, как могло показаться снаружи. Жилище, помимо столовой, состояло из нескольких комнат и спальни (даже у королей, кроме залов, была всего одна общая спальня. Кстати, само по себе это новое явление, присущее лишь Средневековью: в средневековом доме не было обособленной женской половины (гинекея), как в доме античном). Главным были не роскошные покои, а надежные стены. В домах простонародья (особенно деревенских) спальня не отделялась от столовой-кухни. Такой дом состоял, как правило, из одного жилого помещения (служившего одновременно горницей, спальней, кухни), к которому примыкали сарай, стойло для скота, закрома. Помещения для скота и хозяйственных нужд располагались под одной крышей с жилым (например, во многих районах Италии и Франции, Северной Германии) или обособлено от него (например, в Южной Германии, Австрии). При всем многообразии региональных вариантов деревенские дома были в целом грубее и проще, архаичнее и консервативнее городских.
Полы нижнего этажа рядового средневекового дома были земляными. Его покрывали в зависимости от времени года сеном (зимой) или свежей душистой травой (летом). Врачи поддерживали этот обычай. http://tehnologia.59442s003.edusite.ru/p12aa1.htmlРоманский стиль в интерьере.- 16
В Х веке, на рубеже тысячелетий возник единый общеевропейский стиль - романский. Он оставался господствующим в средневековой Западной Европе на протяжении XI и XII веков. Термин "романский стиль" появился в XIX веке и означал "римский".Таким образом, он отражает связь европейского искусства с древнеримским, а также - с византийским. Хотя термин "романский" и подразумевает использование некоторых черт архитектуры и отдельных строительных приемов римлян, все же он не отражает главных черт романского искусства и достаточно условен.
Главными типами архитектурных сооружений в романскую эпоху были замки, монастырские ансамбли и храмы. Их отличительные особенности - массивные каменные своды, толстые и мощные стены с немногочисленными и узкими окнами, ступенчато-углубленные входы и, главное, башни - важнейший элемент архитектурной композиции.
Ведущим типом романского зодчества был храм, который в средневековой Западной Европе был средоточием всей культурной жизни.Романская пластика подчиняется архитектуре и используется внутри собора и вне его, украшая западный фасад, тимпаны (пространство стены над входом в храм, ограниченное полукружием арки) и капители колонн. Преобладающим видом скульптуры был рельеф. Как правило, романская скульптура непропорциональна, фигуры вытянуты в длину, головы увеличены, тела - схематичны.Стены храмов и замков украшались фресками, начинает также распространяться витраж (живопись из цветных кусочков стекла).
Мебель играла в период средневековья сугубо прикладную роль. Она отличалась примитивностью конструкции, громоздкостью, кричащими красками.Самой универсальной и практичной мебелью этого периода был сундук. Он мог использоваться в качестве кровати, скамьи и просто места для хранения вещей. Форма сундуков восходит к античным саркофагам, постепенно становясь все более разнообразной.В храмах начинают появляться сундуки с ножками и дверцами, являющиеся своеобразными прародителями современных шкафов.
Тщательно изготавливалась мебель для сидения. Спинки стульев и сами стулья были достаточно высокими, их величина указывала на знатность происхождения. Мягкой обивки не было, они покрывались краской и зачастую обтягивались холстом, затем наносился слой гипса и вся конструкция впоследствии расписывалась красками. Позднее мастера начинают украшать мебель резными элементами, кованными железными деталями, чтобы придать ей большую прочность и красоту. В этот период важная роль отводится кроватям, по конструкции напоминающим рамы на резных ножках, окруженные решеткой. В качестве дополнения к кроватями во всех богатых домах подвешивались балдахины, которые выполняли в то время функцию защиты от холода.
В замках знатных феодалов полы застиласись восточными коврами. От романской эпохи сохранились также прекрасные образцы ткачесства, например, знаменитый 70-метровый ковер из Байе, который связывают с именем английской королевы Матильды. Основные элементы орнамента — геометрические мотивы, в частности плетенка, розетки, стилизованные цветы, фантастические растения, ленты, извилистые стебли с виноградными лозами, птицы, животные.Романский стиль в интерьере получил наиболее широкое распространение во Франции и Германии. Его достаточно суровые черты отражались также в архитектуре и зодчестве. Отличительные особенности, которыми обладает романский стиль в интерьере, - это его простота, обычные материалы, из которых изготавливалась мебель, и совсем небольшое количество декоративных элементов и деталей.
В этом стиле впервые находят применение шторы и занавеси. Это было вызвано тем, что в античные времена в архитектуре отсутствовали окна, а в более позднем периоде они были узкими и небольшими, выполненными из цветного стекла. Именно поэтому таких элементов, как шторы, дизайн интерьера не предполагал.
Стиль романской архитектуры отличался тяжеловесностью. В нем присутствовали полу- и круглые окна с поперечными занавесками, которые вешались на круглые гардинные жерди и карнизы. Их выполняли, как и мебель, из темных пород дерева. Ковры и тяжелые драпировки служили для защиты от холода.
http://baza-referat.ru/Быт_Средневековой_Европыhttp://homestyle.su/roman.htmГотический стиль и орнамент – 17
Готика — более зрелый стиль искусства средневековья, чем романский. Религиозное по форме готическое искусство более чутко, чем романское, к жизни, природе и человеку. Оно включает в свой круг всю сумму средневековых знаний, сложных и противоречивых представлений и переживаний. В мечтательности и взволнованности образов готики, в патетическом взлете духовных порывов, в неутомимых исканиях ее мастеров ощущаются новые веяния — пробуждение разума и чувств, страстные стремления к прекрасному. Повышенная одухотворенность готического искусства, нарастающий интерес к человеческим чувствам, к остроиндивидуальному, к красоте реального мира подготовили расцвет искусства Возрождения.
Для Готики характерны символико-аллегорический тип мышления и условность художественного языка. Родина готики — Франция, королевская область Иль-де-Франс, откуда она распространилась как знак королевской власти по Франции, в конце XII в. стиль пришел и в остальные страны Западной Европы.
Развитие готики происходит в период господства религиозного мировоззрения: главным созданием готического искусства во Франции стал городской собор, возводившийся большими строительными артелями (ложами) и отличавшийся совершенством архитектурной конструкции, богато украшенный скульптурными изображениями и витражами.
Готическая конструкция здания предусматривала выделение строительного каркаса: опоры несли составлявшие основу свода стрельчатые арки (нервюры) с облегченными распалубками, распор которых погашался за счет вынесенных наружу контрфорсов и передающих распор соединительных арок — аркбутанов. Стена поэтому не играла в готике конструктивной роли, ее заменяли широкие проемы окон, порталов, облегченное здание неукротимо росло вверх, устремляясь к небу высокими шатрами башен, шпилей, пинаклей и флеронов (украшений в виде цветка), рождая мысль о гармонии и многообразии божественного универсума. Пронизанное светом внутреннее пространство храмов обрело единство. Возросла роль ведущих архитекторов (сохранились их имена), которые пользовались исполненными в масштабе чертежами. Развивались градостроительство и гражданская архитектура (жилые дома, ратуши, торговые ряды, городские башни с нарядным декором). В скульптуре, витражах, живописных и резных алтарях, миниатюрах, декоративных изделиях символико-аллегорический строй сочетается с новыми духовными устремлениями, лирическими эмоциями; расширяется интерес к реальному миру, природе, богатству переживаний. В XV-XVIV вв. готику сменяет Возрождение.
Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм, орнамент и т. д.
С 14 в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви, замковые и дворцовые капеллы. Для поздней ("пламенеющей") готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проемов (церковь Сен-Маклу в Руане). В светском городском зодчестве использовались главным образом композиции и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351—1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки ("отели") богатых горожан.
В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и поэолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматичной (нередко экзальтированной) экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, 14—15 вв.). В миниатюрах (часословах) наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объема. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.
В обстановке жилищ развивающихся городов Европы со второй половины XIII века начинают появляться предметы с элементами готической архитектуры. Франция явилась родоначальницей этого нового стрельчатого стиля. Вещи начали делать более легкими, стройными, изящными. ДЛЯ украшения мебели стали употреблять резьбу, в орнаменте которой преобладали архитектурные и растительные мотивы, изображение сцен современной жизни, скульптурные украшения.
Изменилась основная конструкция мебели. Теперь при ее изготовлении стали делать каркас, в который вставлялись филенки, покрытые резьбой, росписью и позолотой. Основными материалами были дуб и каштан. Изготовляли мебель столяр, резчик, слесарь, а отделкой занимались живописцы и позолотчики.
В общем мебель готического стиля очень проста. Основной формой готического кресла был сундук с глухой, высокой спинкой, локотниками и подъемным сиденьем. Такого же типа были и скамьи с навесом (балдахином). Навес украшали архитектурными деталями, шпилями и т. п. Кровати делали с высокими спинками и балдахинами. Шкафы-поставцы также имели в своей основе поставленный на ножки сундук. При изготовлении мебели широко применялась оковка железными полосами.
http://gotichno.org/item/2http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/midle/gotica/gotica.html
(спросить про орнамент у солнышка! Ее реферат)Мурано. Стекло- 18
Мура́но (итал. Murano) — один из крупных островов Венецианской лагуны. Находится в 2-х километрах к северу от острова Риальто.
Зачастую остров называют «малой Венецией». Остров соединён с центральной частью Венеции с помощью линий вапоретто. Начиная с XVI века остров был местом развлечения венецианцев. На острове размещались виллы, сады, фонтаны.
Остров всемирно известен своим стекольным производством. В 1291 году городской совет решил вынести мастерские по производству украшений на остров Мурано, чтобы уберечь секреты мастеров от конкурентов и избавиться от пожаров, которые могли быть вызваны раскаленными горнами мастеров. Стеклодувы получили неслыханные привилегии, но были лишены права выезда. Дочерям стеклодувов не возбранялось сочетаться браком с венецианцами голубых кровей.
С тех пор, знаменитый остров стал так называемым «государством в государстве». Производство стекла, получившего название муранского, стало его основным занятием. Секреты и технологии его изготовления передавались из поколения в поколение, и сохранялись в рамках строжайшей фамильной тайны. Изготовлению муранского стекла обучались мальчики с ранних лет, а овладев всеми секретами мастерства, словно юные маги, получали статус «мастера-стеклодела», и почетного гражданина Венеции.На острове было свое собственное правительство, а выдающиеся стекольные мастера нередко награждались дворянским титулом и другими различными привилегиями. Однако существовали здесь и свои гражданские минусы. Получив монополию на изготовление стекла, венецианская республика запретила мастерам из Мурано покидать остров, а тем более, уезжать в другую страну.
Стеклодел, покинувший остров, считался разгласителем тайны, объявлялся в государственный розыск, и при аресте, ему настоятельно советовали вернуться обратно. Если же он продолжал упорно пренебрегать этим распоряжением, его попросту убивали за несоблюдение закона. Это были строгие и жесткие порядки того времени, которые, тем не менее, являлись нормой для общественно - политической системы средневековья.
Венецианское - муранское стекло пользовалось огромной популярностью по всему миру, как в древние времена, так и в наши дни. Люди со всего света стекались в Венецию, чтобы приобрести там изделия из муранского стеклаПережив различные взлеты и падения, в 20 столетии, производство муранского стекла ознаменовалось новой, современной волной развития. Стекольным мастерам островов Венеции предложили сотрудничество такие выдающиеся художники - новаторы, как Анри Тулуз-Лотрек, Пьер Боннар, Пабло Пикассо, а также Марк Шагал.
Муранское стекло, несмотря на развитие технологий, изготавливается исключительно ручным способом. Дыхание - вот тот компонент, который его оживляет, придает ощущение воздушности и легкости. Мастер вооружается железной трубкой, на треть покрытой деревом (чтобы не обжигать руки) и снабженной на одном конце мундштуком, а на другом - грушевидным утолщением для набирания стекла.Нагретый на огне конец выдувальной трубки окунается в расплавленную стеклянную массу, которая легко пристает к трубке, образуя горячий ком. Быстро вынимая трубку из печи, мастер мгновенно начинает дуть в нее с противоположного конца. В стеклянном коме образуется полое пространство, увеличивающееся по мере того, как в него вдувается воздух... Таким способом изготовляются любые вещи: и мелкая стеклянная посуда, и большие зеркальные стекла.
За две тысячи лет железная трубка стеклодела не претерпела никаких изменений и не подвергалась никаким усовершенствованиям. Славу муранцам принесла, прежде всего, стеклянная вить - филигрань. Изделия в такой технике получаются путем введения в массу прозрачного стекла тонких цветных нитей, которые представляют собой хаотичное плетение, либо правильную сеточку. С помощью некоторых технологических тонкостей после выдувания изделие приобретает уникальную окраску и сетчатую фактуру.
Отличала муранские изделия и техника миллефиори (тысячи цветов), тонкие прутки слоеного разноцветного стекла, в поперечном сечении имеющие форму цветочка, звезды, круга или другой геометрической фигуры, нарезались на миллиметровые ломтики и вплавлялись в другие стеклянные формы. Производство этого необыкновенно красивого стекла было окружено тайной.
Для изготовления цветного стекла применяются окиси цветных металлов. Зеленый цвет дает окись железа, зеленый или красный тон - окись меди. Синий цвет получают при помощи кобальта, рубиновый оттенок дает примесь золота. Прозрачное венецианское стекло, знаменитое cristallo, поражает хрустальной радужной игрой света и особой легкостью. С помощью окиси олова получают непрозрачное белое стекло молочного оттенка. Большое разнообразие окраски и узора свойственно агатовому стеклу, состоящему из различно расположенных и различно окрашенных слоев.
В начале XVII века мастера из рода Миотти изобрели стекло, на отшлифованной поверхности которого мерцали бесчисленные блестящие точки, производя ни с чем не сравнимый световой эффект. Это стекло стали называть авантюриновым. Его получают путем добавления в стеклянную массу медной, крошки, которая кристаллизуясь при высокой температуре дает своеобразный эффект.
Обращают на себя внимание изделия, украшенные узором, который называют "кракелаж". А делают его так: выдуваемый предмет, внутри которого поддерживается высокая температура, опускают в холодную воду, от чего внешний слой стекла покрывается мелкими трещинками. Трещины остаются на поверхности, украшая изделия своеобразным узором.
Огромное впечатление производят вазы, изготовленные в технике "пулегозо". Если погрузить раскаленное стекло в воду, а затем немедленно возвратить его в печь, внутри образуются пузырьки воздуха. Кажется, что застывшее стекло чудесным образом "закипело".
Агатовое стекло - стекло из разноцветных слоев, расположенных в разных плоскостях, выглядящее на подобие агата.
Самые ранние из дошедших до нас изделий относятся к середине XV века. В это время сложились устойчивые художественные формы стеклянных сосудов, ставшие эталоном для многих поколений мастеров Мурано: большие вместительные чаши и блюда, стоящие на крепких ножках; яйцевидные кувшины с коротким горлышком и высокой, элегантно изогнутой ручкой; сосуды для напитков, напоминающие позднеготические кубки; стаканы, имеющие вид воронки на низкой конической ножке.
Все это изготовлялось в Мурано в огромном количестве. Предметы из прозрачного бесцветного стекла так же, как и цветные стеклянные изделия, украшались обыкновенно наваренными бесцветными или окрашенными деталями: розетками, масками, выпуклостями в виде капель и пузырей; края сосудов делались волнистыми и изогнутыми.В XVI столетии слава муранского стекла стала поистине мировой. Изделия средневековых мастеров достигали невероятной тонкости, порой смущая своей невесомостью, а стеклянная масса поражала чистотой и прозрачностью. В России изделия из муранского стекла появились еще в допетровские времена. Стеклянные сосуды и зеркала были на Руси в большой чести.
http://murano-club.biz/page_11.html посмотри здесь все приложеные картинки
http://www.svetnadom.ru/murano1.htmlhttp://www.dpholding.ru/dosie/?action=dosie&id=65&pid=8
немецкое Богемское стекло - 21
БОГЕ́МСКОЕ СТЕКЛО́, БОГЕ́МСКИЙ ХРУСТА́ЛЬ, БЕ́МСКОЕ СТЕКЛО́ (от лат. Bohemia, Boemia, Boiohaemum — "страна бойев" от Boji — кельтское племя, которое римляне переселили в I в. н. э. из Галлии в бассейн р. Дунай). Богемия — латинское название земель Южной Германии и Чехии. В конце XVI в. там возрождали древнеримскую технику резьбы по стеклу (см. диатрета). Вначале дорогие сосуды — кубки, чаши — делались из горного хрусталя. Затем стало использоваться стекло. Старое венецианское стекло было чересчур тонким и хрупким. Поэтому богемские стеклоделы начали применять другое по составу, калийно-известковое, или поташное, стекло, заменив один из компонентов — соду — содержащим калий поташем (карбонатом кальция). Последний получали из древесной золы — лесами Богемия была богата. Отсюда еще одно название: "лесное стекло"). Оно было толстостенным, и его можно было резать специальным корундовым колесом глубокими гранями, этот прием по аналогии с огранкой драгоценных камней получил название "алмазная грань". Однако богемское стекло XVI—XVII вв. еще не было хрусталем в полном смысле этого слова. Только в 1676 г. в Англии Дж. Рэйвенскрофт в поисках способов имитации бриллиантов стеклом, пытаясь улучшить оптические свойства "лесного стекла", попробовал добавить к нему окись свинца. Такое стекло стало на удивление твердым, звонким и прозрачным. Это и был настоящий хрусталь (от греч. chrios — "лед"; англ. flint glass — "кремневое стекло"). Английский хрусталь замечателен блеском глубоких пересекающихся граней, а особенно пышная ромбическая огранка получила название "бриллиантовой". Новая технология в полной мере отвечала эстетике стиля Барокко и потому быстро распространилась в Богемии и несколько позднее во Франции и в России (см. "петровское барокко").
Однако в искусстве "богемского хрусталя" формировался особенный, неповторимый стиль. Его создателем считается нюрнбергский гравер, ювелир и резчик по камню Каспар Леман (1570—1622). С 1588 г. мастер работал в Праге при дворе императора Рудольфа II (см. рудольфинское искусство). Леман одним из первых стал применять технику резьбы горного хрусталя к "лесному стеклу", сочетая крупные "алмазные грани" с тончайшей гравировкой и пунктированием. В 1606—1608 гг. Леман работал в Дрездене. В 1609 г. получил от императора Рудольфа исключительное право на изготовление кубков из резного стекла. Постепенно у богемского стекла появились свои характерные формы: большие кубки в форме перевернутого колокола и бокалы с крышками и точеными балясовидными ножками (рис. 228—230). Для декоративных композиций использовались гравюры Э. Саделера и Ж. Берена (см. "берен", "беренады"). Преемником Лемана в Праге стал его помощник и ученик, немецкий резчик и гравер Георг Шванхардт (1601—1667), с 1622 г. он работал в Нюрнберге. С 1700 г. на богемских заводах производили люстры и зеркала. Изделия богемского стекла стали заметным явлением в искусстве южно-немецкого и чешского барокко. В середине XVIII в. этот яркий, истинно барочный стиль уступил место иным сочетаниям тонкой гравировки с росписью и золочением, шлифованию многослойного цветного и молочного стекла, имитирующего фарфор. Использовалась техника межстеклянного золочения с помощью фольги, возрожденная в конце XVII в. Й. Кункелем в Потсдаме. В конце XVIII в. во Франции в соответствии с идеями Неоклассицизма изготавливали "богемские" бокалы в форме античных сосудов. В начале XIX в. в искусстве немецко-австрийского Бидермайера возрождали богемские кубки с балясовидными ножками, алмазной гранью и гравированными либо расписными портретами в медальонах "à la Cameo" (франц. "под камеи"; см. сульфиды). Мастерами таких изделий были Д. Биман и К. Пфоль. Влияние богемского стекла испытывал английский хрусталь. Изделия Императорского стеклянного завода в Петербурге также во многом повторяли богемские. С Богемией (с 1918 г. официально называвшейся Чехией) связано производство всемирно известной бижутерии в г. Яблонец. Современные изделия чешских заводов традиционно именуются "богемским стеклом". В большинстве из них заметно желание сохранить барочные традиции.
http://www.dop.uchebalegko.ru/docs/index-18096.html?page=26Французские гобелены – 22
Книжная миниатюра послужила образцом для грандиозного цикла (общим размером 5,5х144 м) шпалер «Анжерский апокалипсис» (ок. 1380 года) — памятника готического декоративно-прикладного искусства. Картоны для шпалер, заказанных парижским ткачам мастерской Николя Батая Людовиком I Анжуйским, были созданы по иллюстрациям испанской рукописи X века «Комментарий к Апокалипсису» Беатуса из Льебаны. Миниатюры «Апокалипсиса», переведённые на шпалеры, получили новое, неожиданно смягчённое звучание. Располагая достаточно ограниченным набором цветов и используя не более пяти оттенков каждого из них, Батай добился в этом цикле шпалер гармоничного объединения повествовательного и декоративного начал[В конце XIV века шпалерное ткачество стало значительной отраслью ремесленного производства. Ковры широко используются не только при создании интерьера, но и в оформлении городов во время религиозных процессий, рыцарских турниров, праздников. Появились первые крупные мануфактуры, где вместе с красильщиками, художниками и ткачами работают картоньеры, которые переводят эскиз на картон, соответствующий размеру будущей шпалеры. Ткач зачастую брал на себя функции и красильщика, и художника, подкрашивая шерсть, чтобы добиться нужного тона, изменяя колористическое решение шпалеры, а иногда и её композицию.
После реставрации (1979—1999) знаменитой фрески Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» стало заметно, что тёмные прямоугольники на стенах, подчёркивающие перспективное сокращение в глубину, — это шпалеры «мильфлёр».
В XV веке производство французских шпалер из-за Столетней войны переместилось из Парижа в города, расположенные в бассейне Луары. Здесь во второй половине столетия появился особый вид шпалер, называемый «мильфлёр» (фр. mille fleur, что означает «тысяча цветов»). На тёмном зелёном, синем или красном фоне, по декоративной кайме, обрамляющей шпалеру, рассыпано множество мелких цветочков, букетиков, ягод, часто изображённых с ботанической точностью. Нередко к растениям добавляются мелкие животные. Сюжеты для этих шпалер выбирались самые разнообразные: античные мифы, библейские истории, аллегории, сцены из жизни, литературные мотивы. Существует предположение, что мильфлёры появились под влиянием давнего обычая, бытовавшего во Франции: маршрут процессии в день Праздника Тела Христова украшался тканями со множеством прикреплённых к ним живых цветов[16]. Один из самых знаменитых «мильфлёров» — цикл из шести шпалер «Дама с единорогом», созданный в Турени (в настоящее время хранится в Музее Клюни, Париж). Аллегорические композиции, несущие в себе символику, которая может быть истолкована по-разному, разворачиваются на условном тёмно-голубом овальном острове, выделяющемся на розово-красном фоне. И остров, и фон шпалеры усеяны множеством мелких цветов.
Тип композиции ковров этого цикла долго не выходил из моды и повторялся в мастерских Обюссона и Фельтена в настенных шпалерах, занавесях, тканях для подушек.
Строительство Версаля и других загородных дворцов оказало огромное влияние на развитие прикладного искусства. Художественная промышленность Франции во второй половине 17 в. достигла высокого расцвета. Мебель, зеркала, серебряная посуда, ювелирные изделия, ковры, ткани и кружева изготовлялись не только для дворца и для потребителей внутри Франции, но и для широкого вывоза за границу, что было одной из особенностей политики меркантилизма. Для этой цели были организованы специальные королевские мануфактуры. Как положительный факт следует отметить, что организация художественного производства на основе централизации наряду с системой академического образования приводила к большому стилевому единству также и в различных отраслях художественной промышленности.
Замечательных результатов французские мастера достигли в производстве гобеленов. В 1662 г. Кольбер купил известную ковровую мастерскую Гобеленов (отсюда и возникло само название — гобелен) и учредил королевскую гобеленовую мастерскую. Т.е. из простой мастерской красильщиков шерсти в предместье Парижа была создана «Королевская мануфактура меблировки», или мануфактура Гобеленов.
Там производились не только тканые ковры - шпалеры, но и мебель, мозаика, изделия из бронзы.. На рубеже XVII-XVIII вв. французское искусство по впечатлениям современников создавало ощущение «безудержной роскоши и великолепия». Корывердюры и огромные «картинные» гобелены с пышными бордюрами - гирляндами цветов и фруктов, эмблемами и картушами, с вплетенными мерцающими золотыми и серебряными нитями, занимали все стены. Они не только соответствовали характеру интерьеров «Большого стиля», но задавали им тон. Главным художником мануфактуры Гобеленов был Ш. Лебрен. Самая знаменитая серия шпалер по его картонам - «Месяцы, или королевские замки» (1666), в которой Лебрюн успешно соединил «классический стиль Рафаэля с барочной пышностью Рубенса». С 1668 по 1682 гг. серия из двенадцати ковров повторялась семь раз. Прославились и другие серии, также по картонам Лебрюна, «История Людовика XIV», «Стихии, или Времена Года», «История Александра Македонского».
большинство гобеленов для Версаля исполнялось по его картонам. В этих гобеленах, изготовлявшихся сериями и связанных сюжетным единством, наиболее ярко проявилось декоративное дарование Лебрена. Эффектность композиционного решения соединялась в гобеленах с пышным орнаментальным великолепием и изысканным чувством цвета. Для картоньеров мануфактуры было введено разделение на мастеров определённого жанра: пейзажа, архитектурных мотивов, орнаментаОтличительным знаком продукции мануфактуры служит вытканная по углам или в центре у верхнего края королевская лилия.
В 1664 году королевские привилегии получила мануфактура Бове, работавшая на королевский двор, а в 1665 году — мануфактура в Обюссоне, выпускавшая продукцию в основном для заказчиков из провинции. Мануфактура в Обюссоне специализировалась на копиях пейзажей из Фландрии (в том числе вердюр Ауденарде) и мебельных тканей из Бове.
Следующее, XVIII столетие можно считать временем торжества французского прикладного искусства. В начале века парадные залы Версаля уступили место камерные салонам, будуарам, кабинетам. В интерьере исчезает стабильная устойчивость, новый стиль не признаёт плоской стены, скрывая её за причудливым орнаментом, зеркалом, пейзажной картиной с перспективой, уводящей взгляд зрителя вдаль. Шпалера утрачивает свою монументальность, уходят в прошлое многофигурные композиции, героические сюжеты уступают галантным сценам и пасторалям с идиллическими пейзажами и тонко проработанными деталями[29].
С 1730-х годов во французском шпалерном ткачестве главенствовало стремление как можно более точно передать в шпалере живописный оригинал. Максимально увеличивается плотность полотна, пряжа окрашивается в тысячи разнообразных тончайших нюансов цвета (к концу века оттенков насчитывалось 14 600). Одним из тех, кто настаивал на буквальном воспроизведении картины, был художник и руководитель (1733—1755) парижской мануфактуры Жан Батист Удри, который всячески боролся со старинными методами ткачества, по его мнению, делавшими колорит шпалеры «ужасным» и приводившими к «невыносимой пестроте красок, ярких и взаимно несочетаемых». По его инициативе была введена цветовая шкала, где каждый оттенок имел свой номер. Вспомогательные шаблоны, которых строго должен был придерживаться ткач, содержали фрагменты, обведённые контуром и пронумерованные в соответствии с этой шкалой. Таким образом, из процесса создания шпалеры была исключена творческая инициатива ткача — теперь он копировал живописное полотно, не имея права что-то подправлять и изменять, а сама шпалера превратилась в имитацию живописи и даже получила тканую «раму» под багет.
Для французских мануфактур работал известный художник, яркий представитель стиля рококо Франсуа Буше, стоявший во главе Королевской мануфактуры в 1755—1770 годах. По его эскизам были выпущены циклы шпалер — «История Психеи», «Любовь богов» (Бове, за 23 года было выпущено 73 гобелена этой серии) и три шпалеры в подарок китайскому императору («Китайская серия») в модном стиле «шинуазри» (Обюссон).
В XVIII веке гобелены стали в большей степени копиями живописных произведений. Предметом изображения обычно служили пейзажи, сцены охоты и сельской жизни, часто с более реалистичной перспективой, чем когда-либо ранее. Сцены портовой жизни и рыбной ловли, излюбленные фламандскими ткачами, конкурировали с французскими пасторальными сценами.
В XVIII-XIX веках появилась потребность в гобеленах, выполняющих более декоративную роль в интерьере. В результате появился богато орнаментированный стиль XVIII века. Основными сюжетами стали натюрморты, флора, архитектура, а также сочетания этих элементов. Мастера гобеленов вдохновлялись живописными полотнами голландских и фламандских художников. Также в этот период появились так называемые "Портьеры", первоначально предназначавшиеся для драпировки дверных проемов.
В XIX в. получается крупные мастерские остались только во Франции (мануфакуры Гобеленов и Бове).
ХХ век стал веком нового расцвета этого древнего вида декоративно-прикладного искусства. Картоны для гобеленов создавали такие художники, как Фернан Леже, Сальвадор Дали, Василий Кандинский. Но несомненно возрождение искусства шпалеры связано с именем Жана Люрса - знаменитого французского художника и мастера декоративного искусства.
реформатор искусства художественного ткачества Жан Люрса, после неудачных экспериментов по возвращению шпалере её монументально-декоративного значения, также обратился к опыту мастеров средних веков. Изучая цикл «Анжерский Апокалипсис», а также основы шпалерного ткачества под руководством потомственного мастера с мануфактуры в Обюссоне Франсуа Табара (фр. François Tabard), Люрса вывел четыре основных принципа успеха шпалеры. Люрса был убеждён, что природа шпалеры отлична от природы живописи — она просто не может точно копировать картину. Шпалера должна быть связана с архитектурной средой, для которой предназначена, картон создаётся в натуральную величину будущей шпалеры , структура плетения должна приближаться к структуре произведений средневековых мастеров, то есть быть довольно крупной
Признавая за современной шпалерой независимость от живописи, что должно возвратить ее большому искусству, как это было в средние века, Люрса считал шпалеру монументальным искусством. Это мнение разделял и Ле Корбюзье который будет говорить о "шерстяной стене". Среди его значительных работ следует особо отметить "Апокалипсис" для капеллы в Асси и "Песнь мира" (Анжер, музей шпалер). После Люрса свой вклад в развитие искусства шпалеры внесло целое поколение художников: Громер, Пикар, Леду. В 1946 для мануфактуры в Бове Матисс исполнил картон "Полинезия" (Париж, Мобилье Насьональ).
С тех пор в этой области работали такие живописцы, скульпторы и архитекторы, как Пикассо, Брак, Шагал. Благодаря Люрса в 1960-е годы в Лозанне была создана международная Выставка шпалер, которая должна была представить все практические поиски и определить взаимосвязь шпалеры и живописи.
Стиль Людовика 14-го - 26
. С XVII века Франция задает тон в развитии прикладного искусства. К середине века складывается особый стиль, в котором органично сочетаются черты господствовавшего в Европе барокко с элементами классицизма. Его принято называть "Большим стилем" или "стилем Людовика XIV". То, что стиль декоративно-прикладного искусства был назван в честь Короля-Солнца, как нельзя лучше отражает основную направленность искусства того времени, связанного с прославлением абсолютной власти. В помещениях Лувра организуются королевские мануфактуры и мастерские, в которых работают лучшие художники своего времени. В них создаются шпалеры, вышивки, серебряные изделия и мебель.
Версальский дворцовый быт с его великолепными приемами и балами определил роль декора интерьера. В архитектурно решенное пространство вводились живописные плафоны, зеркала, которые являлись частью стены, чаще всего украшенной мрамором. Шпалеры, светильники дополняли и организовывали интерьер, но определяющую роль имела мебель. Именно этот вид декоративно-прикладного искусства быстрее всего реагировал на стилистические изменения. В мебели декоративные свойства начинают выступать на первый план, иногда в ущерб утилитарным качествам. Для предметов этого периода характерна монументальность объемов, обобщенность контуров и пышность украшений. В парадных залах Версаля мебели было немного — она сводилась к консолям, креслам, табуретам, кабинетам, торшерам, оформленным очень пышно и часто золоченым. Большое значение приобрели парадные спальни. Это было связано с тем, что так называемые церемонии "леве" (утренний туалет) и "куше" (отход ко сну) короля были настоящими спектаклями, на которых должен был присутствовать двор.
Выдающимся художником-декоратором «Большого стиля», предвосхитившим и стиль Рококо, был Ж. Верен Старший. Он оформлял придворные празднества, постановки опер Ж.-Б. Люлли, композитора «версальского стиля», выполнял рисунки мебели, оформления интерьеров и декора кораблей. В эти же годы осуществлялся грандиозный замысел Людовика XIV: изготовить гравюры со всех значительных произведений искусства, созданных во Франции в годы его правления и находящихся в королевских собраниях. Идея, достойная «Большого стиля»! Такая художественная энциклопедия стала готовиться с 1663 г. и выпускалась в альбомах гравюр на меди «in folio» (лат. «в лист», т. е. большого формата) в 1677-1683 гг. В гравюрах воспроизведены картины, скульптуры, королевские шпалеры, собрания медалей, монет, камей, виды королевских дворцов и замков. В 1727 и 1734 г. эти серии издавались вновь под названием «Королевский кабинет» (похожая серия создана в 1729-1742 гг. под руководством П. Кроза). Инициативы короля Людовика XIV способствовали формированию художественной коллекции Лувра. В 1662 г. по распоряжению министра Ж.-Б. Кольбера из простой мастерской красильщиков шерсти в предместье Парижа была создана «Королевская мануфактура меблировки», или мануфактура Гобеленов.
Новым типом мебели в середине XVII века были кабинеты из черного дерева. Эбеновые украшенные резьбой кабинеты на высоких подстольях имели внутри нишу, которая часто решалась в виде интерьера или грота. Такие кабинеты создавались в большом количестве, и их можно было встретить в залах почти всех дворцов XVII века.
Во второй половине столетия выделяется "техника Буль", которая подразумевала облицовку мебели черепахой и медью. Самый знаменитый мебельщик этого периода Андре Шарль Буль (1642—1732) не изобрел эту технику, но довел ее до совершенства.
Стены интерьеров было принято украшать шпалерами на мифологические, исторические и религиозные сюжеты. В предместье Парижа в доме красильщика Гобелена была открыта мануфактура, получившая название Гобеленовой, а созданные там шпалеры стали называть гобеленами. Шарль Лебрен, придворный художник короля, руководил мануфактурой и создавал картоны для серий гобеленов. Почти одновременно были основаны мануфактуры в Бове и Савонери. Наряду со шпалерами большой популярностью пользовалась вышивка. Ее использовали для декора интерьера и для украшения одежды. Параллельно с вышивкой получило распространение кружево. В замок Лонре около Алансона были выписаны венецианские кружевницы. Здесь было налажено производство кружев, которые получили название алансонских.
В большой моде в XVII столетии были изделия из серебра: торшеры, консоли и, естественно, большие сервизы. Однако в самом конце XVII века был издан указ против роскоши и многие из прекраснейших работ серебряных дел мастеров были переплавлены. О том, как выглядели эти произведения, созданные по проектам Лепотра и других орнаменталистов этого времени, чаще всего можно судить по изображению их в живописи и на шпалерах.
Большой популярностью пользовалась керамика. Мастера, пытаясь имитировать еще не изобретенный в Европе фарфор, начинают использовать в фаянсовых изделиях сине-белый колорит. Продолжают развиваться традиционные французские производства, например, лиможские эмали. Однако они утрачивают свою специфику, подчиняясь требованиям нового времени.
К концу XVII столетия наблюдается изменение в декорировке предметов прикладного искусства. На развитие декора повлиял Жан Берен: в его орнаментальные гравюры вводятся человеческие фигурки, изображение обезьянок и других животных, расположенных среди ламбрекенов, подвешенных гирлянд, образующих легкий, причудливый узор. Такие орнаменты, называемые "беренады", присутствуют в украшении всех видов прикладного искусства, включая мебель, шпалеры, керамику, серебро.
Парижская гобеленовая мануфактура – 28
Мануфактура Гобеленов
Французская «Национальная мануфакту́ра Гобеле́нов— парижская фабрика настенного ковроткачества, расположенная по адресу: дом 42, авеню де Гобелен (avenue des Gobelins; авеню Гобеленов) в 13-м округе. Мануфактура была основана в апреле 1601 года королевским указом Генриха IV, по предложению его коммерческого советника Бартелеми де Лаффема.
Ковровое производство существовало во Франции и до XVII века, но в зачаточном состоянии, и большая часть продуктов ввозилась из Нидерландов. Лишь Генрих IV решил перенести фламандское ковровое производство на французскую почву, и с этой целью в 1599 году запретил ввоз ковров, изготовленных за границей, и одновременно с этим дал двум фламандцам (Marc de Comans и François de la Planche) привилегию выделки ковровых изделий, вышитых золотом и серебром, а их рабочих, также фламандцев, освободил от всех податей.Появление конкурентов в лице иностранцев вызвало возмущение среди парижских мастеровых коврового промысла, но их протест не имел успеха. Фламандцам покровительствовал сам король, они получили от него по 100 тысяч франков, обязались производить работу на 80 станках, из которых 60 должны были находиться в Париже.
Поначалу фламандские мастера жили и работали в разных частях французской столицы, включая ремесленное предместье Сен-Антуан (возле Бастилии), но затем им было предоставлено здание, принадлежавшее семье Гобеленов в парижском предместье Сен-Марсель. Их мастерские и положили основу королевской гобеленовой мануфактуры.
Король Людовик XIV стал создателем королевской ткацкой мануфактуры Гобелен в предместье Парижа Фобург Сент-Марсель, которая позднее объединила все шпалерные мастерские Парижа. С того времени в обиход вошло слово «гобелен», обозначавшее шпалеры, которые были произведены во Франции на королевской мануфактуре. Их отличительным знаком служила вытканная по углам лилия – символ королевской власти.
Во второй половине XVII века «Гобелены» представляли собой большую мануфактуру, во главе которой стоял художник Шарль Лебрён и при которой состояло несколько живописцев, скульпторов, гравёров и т. д. Как и в Луврской галерее (части Лувра, отведённой королём мастерским и лавочкам ремесленников, не входивших в цеховые объединения) в «Гобеленах» производились всевозможные предметы роскоши, комнатного убранства, ковры, люстры, вазы, изделия из золота, серебра и драгоценных камней, из красного дерева, черепахи и мозаики. Мануфактура насчитывала 250 рабочих, которые распределялись на несколько отделений, причём как лица, руководившие производством, так и рабочие были почти исключительно иностранцы — фламандцы, голландцы и итальянцы. Это действующее предприятие, ткущее гобелены для общественных зданий; в его залах под названием «Галерея Гобеленов» проводятся выставки, открытые для публики.( подробнее см. вопр. 22, 26)
Интарсия – 27
Что касается классической техники деревянной мозаики, как впрочем, и родственной ей техники инкрустации, известно, что она впервые появилась в Древнем Египте. Считается, что, так как Египет был не богат лесом, то в древности древесину туда ввозили из других стран и ценили очень высоко. Поэтому древесину с красивой текстурой и ярким цветом стали применять для инкрустации деревянных изделий наряду со слоновой костью, металлами, перламутром и камнями. Легкость обработки, богатство декоративных качеств, прочность соединения с основой и органичное слияние с украшаемой поверхностью постепенно привели к тому, что древесина стала преобладающим материалом, используемым для украшения деревянных изделий.
Высокого уровня достигла интарсия в Древней Греции и Риме. Древнегреческие саркофаги, изготовленные из кипариса, кедра и тиса, украшали орнаментами сложных растительных форм, применяя самшит, клен, железное дерево, падуб, кизил. Чтобы изменить цвет древесины, древние греки специально обрабатывали ее: пропитывали маслом, квасцами, кипятили в краске.
Наивысшего расцвета интарсия достигла в эпоху Возрождения в Италии. В середине XV в. только во Флоренции работало более 80 мастерских, изготовлявших изделия с мозаичными наборами. Мозаикой украшали главным образом церковную мебель и утварь. Мотивами украшений служили геометрические и растительные орнаменты. Для фона применяли темные породы древесины, для рисунка - светлые, и наоборот.
Постепенно орнаментальные композиции становились все более сложными, многокрасочными, появились перспективные изображения городских улиц, городов, сцен из повседневной жизни, исторических событий. В сюжетных наборах применяли гравирование, травление и обжиг древесины, чтобы изменить ее цвет. Художественная ценность таких произведений в большой мере зависела от умения мастера правильно подобрать материал по текстуре и цвету. В некоторых случаях мозаичные наборы по художественной выразительности не уступали живописным полотнам.
Из Италии техника интарсии проникла во Францию, Германию и другие страны Центральной Европы. В Германии в XVI и начале XVII в. было принято украшать мозаичными панно интерьеры общественных зданий. Немецкие мастера часто применяли гравирование, вводили в изображение элементы из слоновой кости и других материалов.
Техника
Интарсия – это фигурное изображение, узоры из пластинок дерева, разных по текстуре, цвету, врезанных в деревянную поверхность. Интарсия выполняется так же, как и инкрустация.
Особенности интарсии: при интарсии отдельные деревянные пластинки, составляющие узор, плотно пригоняют по кромкам, склеивают и вкладывают в массив украшаемого предмета, где режущим инструментом заранее выбирают углубления, равные толщине набора. Лицевую сторону пластинок тщательно сглаживают и полируют. Нижнюю поверхность оставляют шероховатой для лучшего сцепления с основой. При интарсии в качестве фона для мозаичных украшений выступает массив древесины изделия.
В современных западных клубах любителей деревянной мозаики применяют следующий приём: кусочки, составляющие картину, наклеиваются обычно на фанерную или деревянную основу, предварительно оконтуренную по внешним границам всего изображения. То есть фоновая поверхность, как правило, отсутствует.
Маркетри – 23
Маркетри (от франц. marquer - размечать, расчерчивать) вид мозаики по дереву, при котором мозаичный набор выполняют из кусочков шпона(пластин) разных пород древесины. В маркетри объединены два процесса: интарсия - врезка по определенному рисунку в фоновый шпон(пластину) кусочков шпона другой породы древесины или другого цвета - и облицовывание - наклеивание всего набора на украшаемую поверхность изделия. Элементы мозаики врезают в шпон, служащий фоном, закрепляют бумагой, смазанной клеем, и вместе с фоном наклеивают на поверхность изделия.
Использование тонких пластинок шпона позволяло украшать мозаичными наборами не только плоские, но и криволинейные поверхности.
При выполнении работ такого характера необходимо учитывать некоторые нюансы, например, потемнение некоторых пород древесины после вскрытия лаком или обесцвечивание со временем. Следовательно, первоначально задуманный рисунок изменится. Специфика работы мастера-краснодеревщика заключалась именно в умении прогнозировать результаты. Место, где заказать мебель, изготовленную такими мастерами, найти было непросто.
Появление маркетри стало возможным только после изобретения во второй половине XVI века станка для производства пиленого шпона. С этого времени стали облицовывать мебель, изготовленную из древесины местных недорогих пород, шпоном ценных привозных пород древесины (черного, красного, розового дерева).
Наибольшей популярностью техника маркетри пользовалась в странах Европы в эпоху Ренессанса. Больше 100 пород дерева использовали для производства мебели в XVI веке, причем широкое распространение получили как традиционные породы – яблоня, груша, лимон, орех, клен – так и экзотические. Мастерами-умельцами создавались различные композиции, разнообразные по цвету и фактуре, передающие тени и свет, а для миниатюрных деталей применялась гравировка.
В России, где заказать мебель, изготовленную вручную, было довольно проблематично, техника маркетри появилась лишь в XVIII столетии. Первыми экземплярами стали наборные паркеты, которые изготавливались по эскизам мастеров Европы. Позже техника стала доступна и русским умельцам. В этот период у маркетри появились дополнительные приемы, такие, как травление и обжиг дерева, а также подцветка и гравировка, которые позволили расширить возможности нанесения рисунка.
В XIX веке маркетри теряет свою популярность. В данный период угасает интерес к творчеству в производстве продукции, и вопрос о том, где заказать мебель, становится актуальнее. Начинается время, когда данная продукция выпускается потоком.
Один из самых старых и известных образцов наборного дерева, дошедший до наших дней, это кабинет герцога да Монтефельтро в Урбино, архитектор – Лучано да Лауроно 1472г.
Лучшую мебель в стиле Маркетри изготавливали мастера Андре-Шарль Булль, Шарль-Жозеф Булль (1725-1745) при дворе французского короля Луи XIV. Вслед за Булем во Франции работали выдающиеся мастера маркетри Жан Франсуа Эбен и Жан Анри Ризенер, которые использовали в наборах экзотические породы древесины - красное, розовое и фиалковое дерево , амарант, палисандр, пальму, лимонное дерево и т. д. Их называли "ébénistes".Наиболее распространенными сюжетами декора были различные геометрические фигуры, растительные и цветочные узоры, пейзажи, жанровые сценки,библейские мотивы.
В России наборную мебель начали изготавливать с XVIII века. Охтинские плотники Носковы – туалетная комната Екатерининского дворца
Роккоко. Интерьер и мебель- 29
Рококо стало блестящим завершением стиля барокко. В наследство от предыдущего столетия XVIII век получает особое эстетическое сознание, в котором Вкус предполагал умение не только отличить прекрасное и знать, как его воссоздать, но и умение глубоко наслаждаться творением. Если для барокко необходима вся гамма эмоций - от радости до трагедии, то для наслаждающихся рококо - лишь изысканно тонких, изящных. "Изящный" - ключевое слово данной эпохи. Именно тогда наблюдается уход от жизни в мир фантазии, театрализованной игры, мифических и пасторальных сюжетов с обязательным налётом эротизма. Поэтому даже у выдающихся мастеров изделия хотя и декоративны, грациозны, но несколько поверхностны. Не случайно именно в эту эпоху приходит мода на "китайщину" или шинуазри (chinoiserie). В интерьерах появляются передвижные ширмы, зрительно изменяющие пространство; гобелены с изображениями цветов, пагод, людей в китайской одежде; знаменитый китайский фарфор, изысканные орхидеи, тонкоствольные деревья, аквариумные рыбки, а также изящная лакированная мебель китайских мастеров, будто созданная для рококо.
Хотя этот стиль называют "стилем Людовика XV", но, в отличие, от барокко он не был чисто придворным искусством. Большинство построек рококо - это частные дома французской знати и загородные дворцы.
Комнаты в них не располагались анфиладой (как в XVII в.), а образовывали ассиметричные композиции. В центре обычно располагался парадный зал (салон). Углы комнат закругляются, все стены украшаются резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые словно расширяют пространство, придавая ему неопределённость. Комнаты становятся поменьше и пониже, создавая атмосферу интимности, характерную для будуаров. Оформление салонов и будуаров слегка перенасыщено предметами в отличие от более сдержанной эпохи барокко. В колорите преобладают нежные пастельные тона. Наиболее популярные цветовые сочетания - белое в с голубым, зелёным или розовым и непременное золото. Именно в эпоху рококо впервые возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевом единстве здания, декора стен и потолков, мебели и т.д. И никогда ранее интерьер так точно не соответствовал характеру жизненного уклада. Все предметы интерьера изготовлены с большим вниманием к комфорту и мелочам жизни.
Мировоззрение той эпохи повлияло на формирование предметов интерьера и аксессуары, поэтому считается, что стиль Рококо основан на деталях. Жемчужные оттенки, мраморная гамма, перламутровый, лиловый, сочетание салатового с розовым, белого с голубым и золотом – эти цвета преобладают в колорите интерьеров. Используется лепнина, рельефные резные панели, орнаменты в виде завитков, цветочных гирлянд, выпуклых щитов, амуров и рокайля, благодаря которому стиль получил название. Сочетание этих составляющих и создает ощущение праздника.
Окна, дверные проемы и панно над ними – закругленной формы. В использовании овальных медальонов с бантами, орнаментами из плодов и листьев, виньеток и свитков проявляется уютность и камерность интерьеров. Шелковые шторы пастельных тонов и ламбрекены с вышивкой и золотой бахромой – особые элементы в оформлении окон.
В отделке стен – шелковые, глянцевые ткани или краска с мягким блеском, гобелены с китайскими и цветочными мотивами; зеркала и картины в позолоченных рамах. Орнаментальные узоры или тематические фрески делают потолок продолжением стены, его можно украсить бронзовой люстрой с хрустальными подвесками или лампочками в виде пламени горящих свечей.
Пол паркетный или керамический, а небольшие расписные ковры – дополнительная деталь декора.
Мебель в жилых помещения стала разнообразнее. Она свободно расставлялась в пространстве, образуя уголки для бесед, шитья, чаепития, музицирования — это так называемая подвижная мебель — "курант". Сохранилась мебель, стоящая вдоль стен, — "меблант". Архитектурные элементы совсем исчезают в формах и украшениях мебели, и она целиком становится единым орнаментальным организмом, в котором мастера стремились скрыть членения с помощью бронзовых накладок. Резная мебель из ореха и липы миниатюрна, но удобна. В моде кресла, стулья, диванчики, канапе, кушетки и скамеечки на изогнутых ножках с волнистыми контурами и орнаментами в виде вьющейся лозы. Актуальны картоньерки, секретеры, геридон для одной вазочки, статуэтки или шкатулки, кокетливые туалетные столики и комоды с волнистым лаковым фасадом. Обязательные элементы стиля – передвижные ширмы, каминные часы и канделябры, китайский фарфор. Часто используются расшитые подушки на креслах и диванах, напольные постаменты, тонкоствольные деревья.
. Художники Жюль Оппенор, Клод Жилло и Жюст-Аврелий Мейсонье издали альбом своих эскизов мебели, способствуя популяризации этого нового стиля. Во Франции мебель стиля рококо носит название стиля Людовика XV. Выдающиеся мастера-мебельщики - Крессен, бронзовщик Кафиэри. Это мебель изящная, небольшая по размерам, со скругленными углами и удобная для пользования. Характерные изогнутые ножки, спинки и локотники, диваны обильно украшались резьбой и бронзовыми накладками в виде гирлянд цветов, растений, раковин, составляющих своеобразный рисунок рокального орнамента. Деревянные части предметов красили в светлые тона - белый, голубой, зеленый, - лакировали и местами золотили. Позже бронзовые детали в отделке мебели заменили привезенные из Китая лаки.
На сиденье, спинку и локотники диванов и кресел накладывали подушки, обитые шелковой материей, с крупными букетами цветов. В обиходе появились комоды, передний фасад которых был украшен китайским лаком или пейзажем в китайском духе - с пагодами, ажурными мостиками, башнями и пр.- декоративные столы, богато инкрустированные. Со второй половины XVIII века предметы обстановки начали украшать мозаикой из дерева (мастер-краснодеревец Эбен). Основным материалом для изготовления мебели было дерево местных пород - липа, орех, легко поддающиеся мелкой и тонкой резьбе.
В английской мебели XVIII века были созданы новые, очень удобные и красивые формы, которые распространились далеко за пределы Англии и сохранились в производстве мебели разных стран до наших дней. В создании этих форм мебели большая заслуга принадлежит замечательному мастеру-краснодеревцу Томасу Чиппенделю (1709 - 1779). Мебельное производство до Чиппенделя находилось под сильным влиянием голландской мебели (стиль королевы Анны), отдельные элементы которой были заимствованы из Китая: изогнутые ножки стульев, кресел, столов и комодов в виде птичьей лапы, зажавшей шар, геометрические, угловатые резные спинки кресел и детали шкафов с ажурными перекладинами своеобразного китайского орнамента. Из этих элементов Чиппендель начал компоновать свою мебель, придавая ей более легкие, изящные формы рококо, улучшая ее пропорции и удобство. Образцы предметов обстановки, созданные им, были легки и изящны по форме, с удобными и красивыми пропорциями.
В 1745 году Томас Чиппендель издает руководство для столяров с рисунками и чертежами мебели. Мебель Чиппенделя в отличие от модной в то время французской мебели стиля рококо не красилась и не покрывалась позолотой, выявляя игру текстуры древесины. Деревянные части предметов покрывались только воском или прозрачным лаком. Чиппендель ввел в мебельное производство ценные породы дерева - красное, лимонное и др. Наиболее распространенными предметами обстановки были стулья с решетчатой спинкой, диваны-канапе (соединение в одно целое двух или трех кресел), шкафы-секретеры, бюро, комоды с огромным количеством выдвижных ящиков, кровати и т. д.
В последней трети XVIII века характер английской мебели меняется - изогнутые формы мебели Чиппенделя вытесняются четкими, прямыми линиями, характерными для архитектуры классицизма.
Мебель стиля Шератон имела четкие, прямые линии, очень тонко прорисованные детали. Широко применялся подбор разных пород дерева по цвету и текстуре в филенках и инкрустациях (маркетри). Начинают создавать комбинированную мебель - комоды с откидной доской для письма в соединении с книжным шкафом и бюро-кабинеты в соединении с горкой для фарфора.
Ренесанс . интерьер и мебель – 19
Для теоретиков искусства Возрождения задачей архитектуры и зодчества было служение человеку. Этим и определяются закономерности архитектуры и пластики Ренессанса. Чрезвычайно популярной становится почерпнутая у античности идея о подобии здания человеку: формы зданий происходят от форм и пропорций человеческого тела.
Прочные постройки, массивные стены, маленькие окна, свободный простор для декорации во дворе. Чем спокойнее становилась жизнь, тем более утрачивались представления о доме как о крепости, тем более украшения переходили на фасад здания. Элементами декора становились коринфские колонны, круглые арки, карнизы с античным профилем. Постепенно в верхних этажах появились ряды широких окон, которые оживляются богатыми украшениями. Нижний этаж по-прежнему служит сильной опорой, но и он украшается: появляются аркады, поддерживаемые колоннами. Активно проводились зарисовки и обмеры древнеримских сооружений. Именно римская древность была взята за образец, потому что любовь к богатству и блеску в интерьере, так присущая этому времени, не могла довольствоваться простыми и строгими формамами греческого декора.
Количество предметов мебели, появившихся в предыдущие исторические эпохи, незначительно увеличилось в эпоху Возрождения. Был изобретен раскладной стол с выдвижными опорами, увеличилось число функциональной мебели - шкафы, столы, мягкая мебель. Получают широкое распространение такие предметы мебилировки, как буфет, письменный стол, секретер. Изготавливаются металлические ажурные кресла, довольно изящные и красивые.
Предметы мебели украшаются растительными композициями в виде виноградных лоз, листьев, венков, так популярных в орнаментальных мотивах древних римлян.
В интерьере большая роль отводится картинам. Ренессансные гуманисты считали красоту законом природы. Мир, в котором господствует гармония, идеальная упорядоченность форм, логика пропорциональных отношений, представлялись людям XV века в облике архитектурного пейзажа. Архитектура была любимым фоном в картинах и фресках, уступив место пейзажу только в конце XV века.
Палитру этой темы образуют пигменты красной и желтой охры с землистым оттенком и изысканные тона фресок, созданные художниками эпохи Ренессанса. Среди них - умеренные и глубокие серо-голубые, красно-бордовые, насыщенные зеленые и оливково зеленые.
Начиная с XV века жилые дома все больше заполняются мебелью но она еще не имеет никаких существенных изменений по сравнению с готической. Преобладает сундук-ларь с фасадом, украшенным цоколем с пилястрами и карнизом. Постепенно со второй половины XV века мебель начинают украшать деталями, характерными для архитектуры стиля Ренессанс. Родиной стиля Ренессанс была Италия, где сильно развилось мебельное производство. Известные флорентийские архитекторы Бендетто и Джулиано да Майяно, бывшие сами мебельщиками и резчиками по дереву, способствовали расцвету мебельного искусства. Они создали новые формы мебели по пропорциям и новый тип украшений.
Художественный принцип согласованности пропорций в архитектуре Раннего Ренессанса нашел свое отражение и в создании предметов обстановки. Большое значение начинают придавать профилировке мебели. У ларей, имевших форму прямоугольного ящика, появляются точеные ножки, стенки их становятся изогнутыми и отделываются резьбой с позолотой и росписью, применяется и интарсия - деревянная инкрустация. В росписи мебели принимают участие крупные художники.
Наиболее распространенными типами мебели были ларь (кассоне) скамья-ларь со спинкой и подлокотниками в виде двух сундучков (кассапанка), стулья двух типов - на четырех ножках и на двух резных досках с восьмиугольными сиденьями, кровати - низкие, без балдахина, с резными столбиками по углам.
В XVI веке появляются новые образцы мебели: бюро-конторки, мягкие кресла.
В Италии широко проводились раскопки античных произведений искусств. Находки античных образцов оказали влияние на характер мебели итальянского Высокого Ренессанса. Предметы обстановки начинают украшать элементами архитектуры: пилястрами, колоннами, целыми антаблементами, фризами, карнизами, капителями, разработанными по шаблонам тонкого рисунка. Большое распространение получили детали в виде львиных лап, голов баранов, различных масок, кронштейнов и прочих атрибутов античной мебели.Конструктивные части вещей маскируются декоративными элементами с богатой позолотой, росписью и мозаикой из различных пород дерева. Для украшения на филенках шкафов иногда создают перспективно построенные архитектурные пейзажи.
В крупных городах Италии утверждались различные направления в обработке и характере мебели. В Риме, Сиенне и Болонье вырабатывалась мебель с крупной декоративной резьбой; в Ломбардии и Венеции применяли инкрустацию из слоновой кости и черного и светлого дерева с геометрическими узорами, получившую название чертозской мозаики (Чертоза-Павийская - монастырь недалеко от Милана): в Генуе и Лигурии вырабатывали шкафы-бюро и поставцы-креденцы с множеством выдвижных ящиков и дверцами, покрытыми рельефной резьбой. Самым распространенным материалом для производства мебели был орех.
Новые формы мебели возникли в это время в Голландии. Оживленная торговля Голландии с ее колониями обогатила ассортимент материалов для изготовления мебели. Кроме ореха, голландские мастера стали употреблять и различные экзотические породы деревьев - черное палисандровое дерево, амарантовое и розовое бразильское дерево. Художник Вредемен де Бризе выпустил специальный альбом проектов и эскизов мебели. От готических конструкций мастера перешли к архитектурным сложным композициям с сильно развитыми карнизам, цоколями, филенками и витыми колоннами.
Появляется новый тип стула и кресла с ножками и спинками из витых круглых стержней, с характерными кубиками в местах соединения отдельных частей. Спинки и сиденья обивают кожей или гобеленом и прикрепляют к дереву гвоздями с крупными шляпками.
Барокко. Интерьер и мебель – 24
Барокко – это стиль интерьера, появившийся в Италии XVI—XVII веках . Отличительная черта стиля скрыта в его названии – в переводе с итальянского Барокко означает «склонность к излишествам». Это стиль, в котором приветствуются пышность и роскошь. Именно здесь впервые в истории переплетаются такие понятия, как стиль и образ жизни.
Главные черты стиля Barocco имеют античное происхождение. В основном стиль Барокко характеризуется активной хаотичностью изогнутых линий. Только по этим причинам конкуренты в виде любителей классического стиля дали название стилю барокко – «причудливый». Они не могли понять его образы и поэтому прозывали барокко причудливым направлением «глупого мира». Духовенство имело большое влияние на Барокко и овладевало, благодаря искусству, заново покоренным народом, приводя фантазию человека в изумление. Методы стиля довольно многообразны – это и цветовая гамма и красноречивость, воодушевленность и придание света. Основоположником стиля Барокко был классический стиль периода Возрождения. Назначением данного стиля считается восхваление монархического правления и воспевание храмов. Испания, Португалия, Южная Германия, Италия, Чехия, где доминируют католические храмы, предоставляют яркую выраженность описываемой стилистики.
Архитекторы стиля Barocco осуществляли возведение громоздких дворцов и богатых сооружений, которые являлись символом нерушимого монашерского господства. Барокко внедрялся не только в построения, но и в мир природы. Производилась стрижка кустарников и деревьев в виде геометрических фигур, так образовывались бесподобные парки с удивительными растительными фигурами.
Данное направление стиля считалось методом возвеличивания хозяина. Для Барокко характерно придание незабываемых чувств из-за свойственных ему больших и роскошных форм. Гостиные в стиле Барокко, как правило, смотрится шикарно и удивляет гостей неотразимой красотой. На стенах натянута дорогостоящая материя, потолок своей художественной разрисовкой уносит куда-то в безграничную даль. Использование стиля Барокко в интерьере сопровождается появлением пластичных форм и причудливых орнаментов. Помещение становится более объемным и возвышенным. Большое внимание здесь уделяется фресковой росписи, ей украшаются стены и потолки. Другой неизменный элемент декора в стиле Барокко – это великолепные тканые ковры – они плавно спускаются с потолка вдоль стены и доходят до пола.(Французские гобелены)
Зеркала – центральный элемент декора, без которого не обходится ни один интерьер в стиле Барокко. Традиционно их делают размером в человеческий рост, украшают лепниной и позолотой. А еще в барокко приветствуется растительная тематика: ветви деревьев, крупные листы или цветы.
Роскошь и даже некая помпезность здесь проявляется во всем. Стиль Барокко – это изобилие драгоценных металлов и редких камней: золото и серебро в сочетании с мрамором и мозаикой. Для отделки мебели используются только редкие и дорогие ткани, а также бахрома.
Многочисленные скульптуры и живописные полотна также здесь весьма популярны. Так, в стиле Барокко можно встретить изображения полуобнаженных тел в движении или различные природные пейзажи, на фоне которых часто изображаются сцены из крестьянской жизни.
Мебель в стиле Барокко практически никогда не имеет строго геометрических форм, прямые линии сменяются витиеватыми очертаниями, что проявляется на волнообразных спинках диванов и кресел, изогнутых ножках столов и т.д. Интересные находки стиля Барокко, ставшие его визитной карточкой, – это напольные бронзовые часы, шкафы и комоды с выдвижными ящиками и постаменты для скульптур. Мебель оснащена замысловатыми золотыми резными деталями, обивочный материал является дорогостоящим, его украшением служит изобильно нанесенная бахрома.
В прошлом специалисты по дизайну нередко использовали метод очередности деталей, дуб заменяли орехом с мягкими свойствами, применялись вставки из бронзы и позолоты. Образ волны стал очень востребованным, например, кровать и тумба стояли на извилистых ножках, для покрытия мебели использовался лак, часы напольного типа украшались с помощью бронзы, шкаф обладал двумя створками и т.д.
Со второй половины XVII века Франция становится ведущей страной в области искусства. Созданный специальный департамент ведает всеми видами искусства, насаждая парадный стиль, отражающий роскошь, богатство и величие королевского двора Людовика XIV и придворной знати (стиль барокко во Франции называется стилем Людовика XIV).
Мебель французского барокко возникла на основе итальянских образцов. На королевскую мебельную фабрику был приглашен целый ряд итальянских мебельных мастеров. Художники, работавшие по мебели (Жан Лепотр и Блондель), выпустили альбомы с рисунками образцов мебели.
Мебель в стиле Людовика XIV называют также мебелью стиля Буль, по имени основателя фирмы целого поколения придворных фабрикантов и мастеров Андре-Шарля Буль. Эта мебель проста по форме, но очень перегружена украшениями и инкрустацией, закрывающими собой всю плоскость дерева. Орнаментика делалась по мотивам античного Рима с пышными акантовыми завитками, изображениями военных трофеев, лавровых венков, мечей и т. п. Мебель в стиле Буль была распространена не только во Франции, но и в других странах на протяжении всего XVIII века.
В XVII веке в обиходе появляется шезлонг - удлиненное кресло с откидной спинкой, удобное для лежания; кресло для стариков с полукруглыми выступами на спинке на уровне головы; диваны в виде трех скрепленных кресел с общей спинкой и сиденьем.
Столы отличались огромной столешницей в форме овала. По краю стол был декорирован резьбой. Украшением стола являлась еще и инкрустация по типу головы барана, льва, либо очертаний женщины. Во времена стиля барокко ложе напоминало своего рода палатку, так как снабжалось множеством занавесей и драпировочных тканей.
Стиль Барокко – это насыщенная красками картина, гармоничная игра света и тени, яркость, которая проявляется во всем - в скульптурных изваяниях, богатых драпировках, дорогой мебели и великолепных инкрустациях. Даже самый незамысловатый интерьер получает усложненное оформление, а стены визуально теряют главные свои черты – непоколебимость и монументальность. Изогнутые линии и свисающие драпировки придают стенам динамичность и пластику.
Стиль Барокко призван создавать атмосферу богатых аристократических дворцов.
Маньеризм интерьер и мебель – 19
Маньеризм – стиль интерьера, который возник в Италии в середине XVI века, и не терял своей популярности на протяжении 25 лет. Маньеризм заслужил свое название, благодаря современникам, которые воспринимали этот стиль, как лучшие достижения недавнего прошлого, а именно – эпохи Возрождения. Однако вся вычурность Маньеризма обманчива, т.к. для оформления интерьеров используются не подлинники, а качественные подделки. И касается это всего: начиная от мелких безделушек и заканчивая скульптурными изваяниями.
Характерные черты стиля: перегруженность деталями, отсутствие стилистического единства, непродуманность планировки, выразительность форм, использование в декоре псевдобарельефов, псевдолепнины и псевдостатуй, ложных дверей и окон. Это манерничанье, замыслом которого не является создание чего-то нового. Вторичность и подражательность – вот основные принципы стиля.
Стены и потолки украшаются росписью, орнаментами и фресками (поддельными, естественно). Но идентифицировать подделку не так просто, зачастую это можно сделать, лишь прикоснувшись к «искусству» рукой. При всем при этом, все элементы лишены каких бы то ни было принципов организованности. Главное, чтобы создавалось ощущение шика и величия, а получаемый дисбаланс здесь как раз к месту.
Орнаменты сплошь содержат причудливые аллегорические образы, нереальные позы людей, непонятную фантастическую символику и эмблематику. Богатством веет отовсюду, в отделке используются золотые, серебряные и бронзовые инкрустации, а также их копии.
Главная позиция маньеристов – максимально использовать иллюзорные трюки и качественные подделки. Одна из ярких «обманок» того времени – ложные окна, двери и портьеры. На деле все выглядело натурально и очень достоверно.
Кроме архитектурной составляющей и декоративных элементов, стиль Маньеризм подразумевает искусственность всего остального, в том числе мебели. Она должна выглядеть роскошно и вычурно – при оформлении современных интерьеров антикварные копии того времени подойдут идеально. Аксессуары также обязаны излучать шик и блеск римских дворцов XVI –XVII вв.
Важный аспект стиля Маньеризм – выразительность линий, которая проявлялась за счет использования орнаментов. Стены из единой композиции превращаются в цветовые пятна и мазки. Цвет становится более ярким и «живым», нежели в стиле Ренессанс. Оттенки контрастные и порой просто несочетаемые. Маньеризм – это искажение эталонных пропорций, отрицание старых форм, смешение стилей в труднораспознаваемую композицию.

Приложенные файлы

  • docx 23960093
    Размер файла: 118 kB Загрузок: 0

Добавить комментарий